mercredi 29 avril 2009

The Art of Richard Tuttle : A Retrospective


The Art of Richard Tuttle : A Retrospective
Sous la direction de Madeleine Grynsztejn et Cornelia Butler

"Over the past four decades, Richard Tuttle has thrown into question nearly every conceivable artistic convention and critical category to create an enormously inventive body of abstract work—one that embraces and intermingles drawing, painting, collage, book-making, sculpture, and design. From his spare yet enigmatic forms of the 1960s to his complex, multi-faceted assemblages and installations of more recent years, Tuttle’s primary impetus throughout has been to craft unique objects, using everyday, often ephemeral materials, that demand to be confronted on their own terms. The relentless individuality of his aesthetic vision has earned him standing as one of the most provocative and influential artists of his day.
This richly illustrated and strikingly designed catalogue, the most authoritative volume ever published on this prolific artist, presents nearly fourhundred reproductions of artworks from across his oeuvre and documentary photographs of his creative process. Essays by a distinguished group of writers trace the arc of Tuttle’s career from its inception in the 1960s to the present day, addressing topics such as the philosophical underpinnings of his artistic method; his sensitive handling of diverse materials; his lifelong engagement with drawing and its expansion into three-dimensional space; his groundbreaking solo exhibitions and their critical reception in the United States and Europe; his complex play with the conventions of language; and his innovative artist’s books, many of which are collaborations with poets.
The Art of Richard Tuttle is published in conjunction with a major retrospective organized by the San Francisco Museum of Modern Art. The exhibition travels to the Whitney Museum of American Art, New York; the Des Moines Art Center; the Dallas Museum of Art; the Museum of Contemporary Art, Chicago; and the Museum of Contemporary Art, Los Angeles."
392 pages, novembre 2005, ISBN-13: 978-1933045009, San Francisco Museum of Modern Art (San Francisco, California)
Voir l'article de Tristan Trémeau dans Art21 : “Exposition Richard Tuttle au Domaine de Kerguéhennec” : www.art21.fr/expotuttle.php

Doctorat en art et sciences de l'art

Doctorat en art et sciences de l'art
Le doctorat en art et sciences de l'art se compose d’une partie pratique, une réalisation artistique et d’une partie théorique, une thèse écrite, les deux étant en étroite connexion, formant un tout, lequel est comme tel l'objet de l'évaluation finale.
Dans tous les cas, les aspects de recherches artistique et théorique sont menés conjointement dans une interaction entre le travail artistique et la réflexion théorique. Ce double aspect du doctorat en art et sciences de l’art rend nécessaire la collaboration entre Universités et Ecoles supérieures des arts dans l’accompagnement des doctorants en ce domaine. Cette collaboration se reflète dans les activités de formation proposées.
Le troisième cycle en art et sciences de l’art créé au sein des universités belges francophones est ouvert aux porteurs d’un Master (à finalité approfondie) des Ecoles supérieures des arts de la Communauté française, et aux porteurs d’un diplôme jugé équivalent.L’école doctorale en art et sciences de l’art procure l’encadrement spécifique adéquat à ce doctorat et doit ainsi permettre aux doctorants en ce domaine en Belgique francophone de participer aux réseaux internationaux de recherche.
La formation dispensée offre un cadre à la fois disciplinaire et interdisciplinaire, théorique et pratique, à la recherche doctorale, procurant, d’une part, de quoi affiner des outils théoriques et méthodologiques dans des séminaires et autres activités universitaires spécialisées, et d’autre part, les conditions nécessaires à la mise en œuvre de la réalisation artistique partie intégrante du doctorat.
Les recherches s’y inscrivent dans une dynamique interdisciplinaire, en ce qui concerne la rencontre des disciplines tant artistiques que scientifiques. L’école favorise les synergies entre les différents types de recherches personnelles des doctorants et la mise en dialogue des problématiques propres et communes aux différents médias artistiques.
Adresses :
http://www.uclouvain.be/doctoralschool-art.html
http://www1.frs-fnrs.be/8-EcolDocto/FichesEDT/Art.html
http://www.arba-esa.be/fr/cursus.php?p=92

Informations : Lucien Massaert
lucien.massaert@arba-esa.be

Art – topologie – psychanalyse / Art - Topology – Psychoanalysis

Recherche – Research

Art – topologie – psychanalyse / Art - Topology – Psychoanalysis

Ce programme se propose de mener une réflexion dans le champ de l’esthétique sur les relations non métaphoriques entre les domaines des arts plastiques, de la topologie mathématique (les théories des nœuds, des surfaces unilatères et des catastrophes) et de la théorie psychanalytique. Au centre de ce champ se situent la question du sujet, qu’il soit artiste ou spectateur, et les questions de projection et d’identification à l’œuvre d’art. L’interaction théorie/pratique produira tant des retombées depuis les œuvres sur le champ théorique que des modifications à l’intérieur du champ de la production artistique elle-même. Sont visés la question de la lecture de l’œuvre d’art, mais également les effets de la sortie de l’espace euclidien pour les gestes de la création.
Valorisation : ce programme de recherche se concrétisera par la production d’un site web, de journées d’études et d’expositions. Il rassemblera des plasticiens, des mathématiciens et des psychanalystes.
Personnes de contact : Lucien Massaert, Amélie de Beauffort : lucien.massaert@arba-esa.be

This programme proposes to carry out research within the field of æsthetics, focusing on nonmetaphorical relations between the realms of the visual arts, mathematical topology (the theories of knots, of unilateral surfaces and of catastrophes) and psychoanalytical theory. Pivotal to this are the question of the subject, whether as artist or as spectator, and those of projection and identification with the work of art. The interaction between theory and practice will yield both some spin-off from the works on to the theoretical realm and transformations within the field of artistic production itself. The goals of this programme include the question of how to read a work of art, but also the effects on the gestures of creation of relinquishing a Euclidean space.

Development: this research programme will lead to the production of a web site and to the organisation of seminars and exhibitions. It will bring together visual artists, mathematicians and psychoanalysts.
Contact persons: Lucien Massaert, Amélie de Beauffort: lucien.massaert@arba-esa.be


Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles/Ecole supérieure des arts
Brussels Royal Academy of Fine Arts/Higher School of Art

Département Recherche – Research Department

Sensuous Knowledge 6

Sensuous Knowledge 6
An International Working Conference
on Fundamental Problems of Artistic Research
Solstrand, Norway 23 – 25 September 2009
Reflection, Relevance, Responsibility
Call for presentations
We would like to invite practitioners from all art disciplines, including design and the performing arts, to submit proposals for presentations at the sixth Sensuous Knowledge Conference.
Under the heading “Reflection, Relevance, Responsibility” this year’s conference will focus upon three important aspects of artistic research. Often critical reflection is put forward as one of the differences between artistic practice and artistic research, and promoted as an alternative to the scientific conventions of thinking and writing. However, very little investigation has been done by us on the notion of reflection – what is it expected to contain and convey? With the rapid and unforeseen global changes to our existence, surely we have to look up from our own, potentially narcissistic reflection where we only see ourselves mirrored [...]
Please send us one A4 page (two maximum) describing
1) the theme or research question of your proposal and the main points of the presentation,
2) the issues that the presentation intends to raise in the discussion,
3) the character of the presentation, especially what kind of visual or acoustic material you may want to present,
4) your professional practice background in relation to your proposal.
Please note that 30 minutes will be the maximum available time for each
presentation.
Proposals should be sent before 13 May to
sensuous.knowledge@khib.no
You will be informed whether your proposal has been accepted by 1 June.
See reports from the earlier conferences at
http://www.sensuousknowledge.org/

mardi 21 avril 2009

Gérard Titus-Carmel, Suite Grünewald














Gérard Titus-Carmel
Suite Grünewald
Collège des Bernardins
du 19 mars au 07 juin 2009

Le Collège des Bernardins accueille dans la grande nef la Suite Grünewald de Gérard Titus-Carmel, une série de cent soixante oeuvres présentée pour la première fois.Cette série est inspirée de la Crucifixion du retable d’Issenheim peint par Matthias Grünewald au début du XVIe siècle et conservé au musée d’Unterlinden à Colmar. Elle est composée de cent cinquante neuf dessins de dimensions identiques et d’une grande peinture, réalisés entre juin 1994 et juin 1996. L’artiste se livre à une véritable entreprise de déconstruction de la dramaturgie du tableau en isolant les figures puis certains détails tels que les mains, les pieds et le torse du Christ, les mains et les plis de la robe de Marie-Madeleine, le bras droit de saint Jean-Baptiste… Il réalise ce travail d’exploration et d’analyse de l’œuvre à l’aide de techniques variées : fusain, mine de plomb, craies, pastel, encre, aquarelle, peinture acrylique et papier collé. Cette série est comme un cheminement qui nous permet d’approcher la vision de l’artiste ; Titus-Carmel nous livre ses recherches, ses questionnements, son travail sur les formes. Il s’agit bien d’une succession et non d’une progression ; la grande peinture n’achève pas la série mais l’accompagne et n’en retient d’ailleurs que quelques propositions plastiques. Titus-Carmel propose une suite qui s’offre comme une longue méditation. La Suite Grünewald devient ainsi, au terme de ce long travail de peinture et de dessin, une interrogation sur les enjeux mêmes de la représentation.

L’exposition est ouverte tous les jours, du lundi au samedi de 10h à 18h, le dimanche de 14h à 18h. Nocturne le mardi jusqu’à 22h. Entrée libre.
Catalogue de l'exposition Gérard Titus-Carmel - Suite Grünewald, éditions du Collège des Bernardins, textes de Michael Bishop, Alain Madeleine-Perdrillat, Dominique Ponnau.

Collège des Bernardins
20, rue de Poissy.
75005 Paris
Métro : Maubert-Mutualité, Cardinal Lemoine
Tel. : 01 53 10 74 44
www.collegedesbernardins.fr
Gérard Titus-Carmel, Suite Grünewald. Dessins 152. Photo: André Morain, Paris.

DRAWINGS

DRAWINGS

Eleanor Antin, Guillaume Bruère, Peter Downsbrough, Lili Dujourie, Peter Friedl, Jef Geys, Dan Graham, Johan Grimonprez, Pierre-Pol Lecouturier, Olivier Millagou, John Murphy, Olaf Nicolai, Nedko Solakov, Jana Sterbak, Uri Tzaig, Jan Van Imschoot, Lawrence Weiner

18 April 2009 - 16 May 2009
Tuesday to Saturday from 2 to 7 pm and by appointment
Preview Saturday, 18 April 2009, 4-7 pm
Opening Brussels Gallery night, Friday 24 April 2009, 6-9 pm
Uri Tzaig, Class room, 1997 (Photo Pierre Leguillon)
Courtesy Erna Hecey Gallery Erna

galerie erna hécey
rue des fabriques 1c fabrieksstraat
bruxelles 1000 brusselt.

http://www.ernahecey.com/

Picasso - Myths, Fables and Models : Kunst Haus Wien


Picasso – Myths, Fables and Models
KUNST HAUS WIEN
Kunst Haus WienUntere Weissgerberstrasse 131030 Vienna
Austria
KUNST HAUS WIEN (Vienna/Austria) presents the exhibition 'Picasso – Myths, Fables and Models'. With 130 graphic works by Pablo Picasso, taken from five creative periods spanning approximately a decade each, the exhibition leads us into Picasso's universe of motifs and obsessions. We encounter fabulous creatures from Greek mythology, such as the Minotaur or the centaurs, as well as the bullfight theme and several of Picasso´s favourite models. The exhibition, conceived especially for KUNST HAUS WIEN, presents works selected from the extensive collections of the Graphikmuseum Pablo Picasso Münster and offers unique insights into Picasso's methods.

samedi 11 avril 2009

The Centre for Drawing

The Centre for Drawing
University of the Arts London

Launched in February 2008, The Centre for Drawing UAL is a Research Centre of the University of the Arts London (UAL) and embraces drawing in all subjects and disciplines associated to the disciplinary expertise of the UAL and beyond. The Centre for Drawing UAL is hosted at Wimbledon College of Art where the Centre for Drawing, the first of its kind in the UK, was established in 2000.
The Centre has a primary focus on three distinct areas of investigation :


  • Drawing and Literacy
  • Drawing and Creativity
  • Curriculum Development.
It aims to provide a focus for research into the investigative and generative languages of drawing; the material procedures of drawing as a tool for the realisation of ideas; and the critical and conceptual apparatus of drawing.

Projects organised by the Centre :

  • address contemporary drawing in the context of its disciplinary diversity
  • operate and foster practice-led, pedagogic and theoretical research and enquiry into the subject
  • bring together hitherto fragmented areas of drawing research through collaboration and actively disseminate through exhibitions, publications, conferences, colloquia, and the establishment of an archive collection (digital, slide, film, video, actual).
http://www.arts.ac.uk/research/drawing.htm

The Infinite Line


The Infinite Line
Re-making Art After Modernism

Briony Fer

"This landmark book offers a radical reinterpretation of the innovative art of the late 1950s and 1960s. Examining the work of major artists of the period — including Mark Rothko, Piero Manzoni, Agnes Martin, Dan Flavin, Eva Hesse, Blinky Palermo, and Louise Bourgeois — Briony Fer focuses on the overriding tendency toward repetition and seriality that occurred at the moment of modernism’s decline, gained ground in its aftermath, and continues to shape much of the art seen today. Although seriality is mainly associated with American artists and with Minimalism, Fer broadens our understanding of it, looking at Minimalist seriality as one crucially important strategy among several. She argues that repetition becomes generative of new modes and habits of making and looking; at stake is how we think about the artwork in relation to both temporality and subjectivity. Paying close attention to specific artworks, this timely critical reassessment offers a fresh perspective on a wide range of familiar and less familiar art."

Briony Fer, reader in history of art at University College London, is also the author of On Abstract Art, published by Yale University Press.

Nov 15, 2004
232 p.,
7 1/2 x 10
90 b/w + 30 color illus.
ISBN: 9780300104011
ISBN-10: 0300104014

vendredi 10 avril 2009

Rester en éveil

Rester en éveil
Le sens critique semble manquer de plus en plus aujourd’hui dès qu’un produit culturel ou intellectuel trouve sa place marchande.
Tristan Trémeau en appel à un peu plus de vigilance dans un texte salutaire intitulé “L'HORIZON D'ATTENTE” publié dans L'art même n° 41, 4ème trimestre 2008, texte consacré au dernier prêt à penser à la mode : Fresh Théorie (trois volumes sont parus à ce jour aux éditions Léo Scheer) qui présente bien plutôt quelques relents surannés.
A lire en entier à l’adresse :
http://www2.cfwb.be/lartmeme/no041/documents/AM41.pdf

Extrait :
« Halley et les simulationnistes new-yorkais n’ont cessé dans les années 1980 de se convaincre et de vouloir convaincre le monde de l’art qu’un nouveau régime économique des signes esthétiques, à l’instar des autres signes soumis aux échanges économiques et symboliques, s’était établi et définissait une nouvelle réalité, où la dimension critique de l’art était de plus en plus difficile à activer ou à rendre efficace malgré leurs velléités a priori critiques. Pour s’en convaincre, il leur fallut affirmer que ce nouveau régime s’identifiait à un stade postmoderniste de l’histoire, selon d’une vision historiciste (le postmodernisme suit naturellement le modernisme sans qu’on y trouve quoi que ce soit à critiquer ou à dialectiser) qui débouche sur l’illusion d’un temps post-politique et même post-historique. “Je crois qu’il est difficile, aujourd’hui, de parler d’une situation politique”, osait avancer Halley en pleine révolution conservatrice reaganienne : “la politique, de même que la réalité, est une notion dépassée. Nous nous trouvons dans une situation post-politique”[7].
Pour l’historien et critique d’art new-yorkais Hal Foster, cette conception post-historique et post-politique ne pouvait que satisfaire les nouvelles élites financières (les yuppies ou symbolic analysts) qui étaient à l’origine du boom contemporain du marché de l’art car elles partageaient une même vision du monde. Quand les peintres néo-géos (Halley, Taaffe, Mosset…) considéraient l’histoire de l’art comme un stock de ready-mades appropriables comme signes de peinture selon un processus de fétichisation “de ses signifiants qui occulte l’historicité de ses pratiques”, ils livraient “cet art au pouvoir de notre économie politique du signe-marchandise dont il est l’emblème bien plus que la critique”. Quand les auteurs de “sculptures-marchandises” (Koons, Steinbach) traitaient “le ready-made comme une abstraction” et substituaient “le design et le kitsch à l’art” [8], ils induisaient un rapport de complicité cynique avec ceux qui voulaient croire, avec Steinbach, que “les distinctions entre une élite et le grand public (étaient) en train de se brouiller” [9]. Foster en conclue que l’artiste simulationniste “comme le collectionneur avaient tous deux tendance à considérer l’art en termes de distinction et de portefeuille d’investissements, comme ils avaient tendance à fonctionner selon l’ethos conventionnaliste qui traite presque tout comme un signe-marchandise à échanger” [10]. »
Tristan Trémeau

[7] P. Halley, in “From criticism to complicity”, débat avec H. Steinbach, J. Koons, S. Levine, P. Taaffe et A. Bickerton, modéré par P. Nagy, publié dans Flash Art, Milan, n°129, été 1986.

[8] Toutes les citations antérieures proviennent de H. Foster, “L’art de la raison cynique”, in Le retour du réel, Bruxelles, La lettre volée, 2005.
[9] H. Steinbach, in “From criticism to complicity”, op. cit.
[10] H. Foster, op.cit.

Conditions

Filipe Courbois, sans titre, 2006, pigments, acétate de polyvinyle, papier, 118,5 x 150 cm
Conditions
Cambyse Naddaf Aristide Bianchi
Filipe Courbois Laurent David
Miguel Domingues Laure Lernoux
Yonghi Yim Roxana Stoleru

Galerie Duqué & Pirson
exposition du 24 avril au 23 mai 2009
ouvert du mercredi au samedi de 11 à 18 heures,
109, chaussée de VIeurgat - 1050 Bruxelles
www.duque-pirson.com

lundi 6 avril 2009

Eva Hesse Drawing

Eva Hesse Drawing
The Drawing Center and Yale University Press, 2006
Essays by Benjamin H. D. Buchloh, Catherine de Zegher, Bracha L. Ettinger, Briony Fer, Mignon Nixon, Elisabeth Sussman, Kathryn A. Tuma, and Anne M. Wagner.
Hardcover; 340 pages; 232 illustrations


Mel Bochner, Spéculations – Ecrits 1965-1973

Mel Bochner, Spéculations – Ecrits 1965-1973
Traduit par Thierry Dubois, édité par Christophe Cherix et Valérie Mavridorakis.
2003, 22 x 24 cm, 322 pages (66 ill. noir et blanc)
Ed. Mamco
ISBN : 978-2-940159-29-1

"Ce premier volume des écrits de Mel Bochner constitue un double évènement. Il révèle dans toute son ampleur une dimension décisive d'un artiste-clé de la scène new-yorkaise des années soixante dix en même temps qu'il rassemble un dossier critique - théorique et plastique - d'une alacrité et d'une lucidité exemplaires, désormais indispensable à toute étude de cette période si déterminante de l'histoire de l'art."

Mel Bochner, Solar System & Rest Rooms: Writings and Interviews, 1965–2007
Foreword by Yve-Alain Bois
"Bochner began testing the boundary between writing-as-criticism and writing-as-visual-art. Solar System & Rest Rooms collects both Bochner's writings on art and his writings as art, offering more than fifty pieces—reviews, art criticism, theoretical texts, interviews, catalog statements, notecards, and his groundbreaking "magazine interventions"—many reproduced in facsimile.Bochner is a leading figure in conceptualism; his 1966 installation at the School of Visual Arts Gallery Working Drawings and Other Visible Things on Paper Not Necessarily Meant to Be Viewed as Art is considered to be the earliest exhibition of conceptual art. Solar System & Rest Rooms chronologically documents the work and ideas of this important artist over a span of forty years, as well as providing a unique perspective on the conceptual and post-minimal art scene in New York. This book offers a rare insight into what it means to be an artist whose visual practice is inseparable from the sustained practice of writing."
May 2008, 235 pp., 120 illus.
http://mitpress.mit.edu/catalog/item/default.asp?ttype=2&tid=11412

mercredi 1 avril 2009

Tobias Burg, Zeichnung als Prozess = Drawing as process




Tobias Burg
Zeichnung
als Prozess = Drawing as process
Catalogue de l'exposition


"Zeichnen als Prozess, aktuelle Positionen der Grafik"
26
. Juni bis 31. August 2008

Museum Folkwang, Essen

Heidelberg, Kehrer, 2008


Textes en allemand et en anglais




ISBN : 978-3-86828-025-8

http://www.artbooksheidelberg.com/html/detail/en/drawing-as-process-978-3-86828-025-8.html

The medium of drawing is currently enjoying a resurgence both in Germany and abroad. There are an enormous variety of approaches, and yet the work of the many different artists has something in common: an emphasis on process. Taking the Conceptual Art of the 1960s as starting point, this artistic attitude is not focused on the finished work alone, but also on the process by which it is created, which also carries meaning.This publication brings together for the first time the prime exponents of the new emphasis on drawing as process. By comparing the artworks, their differences can be discerned as well as the qualities that they share. Presented are, among others, Linda Karshan (*1947), Roni Horn (*1955), Frank Gerritz (*1964), Katharina Hinsberg (*1967), Jorinde Voigt (*1977).

Cornelia H. Butler : Drawing Through Process

Afterimage: Drawing Through Process
by Cornelia H. Butler
The term "process art" describes a moment of radical, aformal experimentation in postwar American sculpture. Through the medium of drawing, Afterimage revisits process art in terms of the artists who defined the movement and suggests a transitional moment when many of its practitioners anticipated the feminist and postminimalist art of the 1970s. Nancy Grossman's use of language, for example, suggests a kind of material abstraction, and Nancy Holt's earth works and related drawings introduced content into a minimalist vocabulary. The book also explores the drawing as a residual object in works in which the process of making dictates the form of the drawing. Examples include Gordon Matta-Clark's stacked cuttings, Robert Morris' "blind time" drawings, and Sol Lewitt's folded construction drawings. Other works, such as those by Bruce Nauman and Robert Smithson, record a particular approach to body-based and process-oriented sculpture. The book, which accompanies an exhibition, contains an essay by Cornelia H. Butler on the historical ambiguity surrounding process art and one by Pamela M. Lee on temporality in work of the late 1960s. The artists included in the book are William Anastasi, Richard Artschwager, Mel Bochner, Agnes Denes, Nancy Grossman, Robert Grosvenor, Marcia Hafif, Eva Hesse, Nancy Holt, Barry LeVa, Sol Lewitt, Lee Lozano, Sylvia Plimack Mangold, Gordon Matta-Clark, Robert Morris, Bruce Nauman, Yvonne Rainer, Dorothea Rockburne, Alan Saret, Joel Shapiro, Robert Smithson, Michelle Stuart, Richard Tuttle, and Jack Whitten.
Copublished with The Museum of Contemporary Art. Los Angeles.

The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, California, April 11-August 22, 1999
Contemporary Arts Museum, Houston, Texas, May-July 2000
Henry Art Gallery, Seattle, Washington, July-September 2000

Author : Cornelia H. Butler is Associate Curator at The Museum of Contemporary Art, Los Angeles.
Paperback: 152 pages
Publisher: The MIT Press;
illustrated edition edition (May 28, 1999)
Language: English ISBN-10: 0262522624
ISBN-13: 978-0262522625
11.9 x 9.7 x 0.5 inches
http://mitpress.mit.edu/catalog/item/default.asp?tid=3751&ttype=2

Drawing - The Process, Jo Davies, Leo Duff

Drawing - The Process
Edited by
Jo Davies, Leo Duff

ISBN 9781841500768 Paperback 143 pages Published March 2005 Price £14.95

Drawing - The Process is a collection of papers, theories and interviews based on the conference and exhibition of the same name held at Kingston University in 2003. Much debate and research is currently undertaken in this area and it is the intention of the book to galvanize this, while providing a vehicle for deep enquiry. The publication will firstly comprise a collection of refereed papers representing a breadth of activity and research around the issues of drawing within the broad context of art and design activity. The second dimension of the book will be an examination of the drawing processes of high profile practitioners.The publication will encompass the best contemporary investigation of a subject pivotal to art and design activity, and should be recognized as a fundamental text for students at both undergraduate and postgraduate levels.

Chapter 1 : 'Only Fires Forge Iron: The Architectural Drawings of Michelangelo' - Patrick Lynch, teacher at Kingston University and The Architectural Association
Chapter 2 : 'Old Manuals and New Pencils' - James Faure Walker, senior research fellow in Fine Art at Kingston University
Chapter 3 : 'A Journey of Drawing: an Illustration of a Fable' - John Vernon Lord, writer and illustrator
Chapter 4 : 'Visual Dialogue: Drawing Out "The Big Picture" to Communicate Strategy and Vision in Organisations' - Julian Burton, artist and visual facilitator
Chapter 5 : 'The Beginnings of Drawing in England' - Kevin Flynn, teacher of Theory and Contextual Studies at the Art Institue of Bournemouth
Chapter 6 : 'Electroliquid Aggregation and the Imaginative Disruption of Convention' - Russell Lowe, lecturer at Victoria Univeristy of Wellington
Chapter 7 : 'What Shall I Draw? Just a Few Words' - Phil Sawdon,
Chapter 8 : 'Towards a Life Machine' - Stuart Mealing, reader in Computers & Drawing at Exeter School of Art
Chapter 9: 'In Discussion with Zandra Rhodes' - Leo Duff, director of the Drawing as Process MA at Kingston University
Chapter 10 : 'Algorithmic Drawings' - Hans Dehlinger
Chapter 11 : 'Drawing a Blank' - Peter Davis, lecturer in Design Culture at the University of Plymouth
Chapter 12 : 'A Dialogue with Joanna Quinn' - Ian Massey, senior lecturer in Graphic Design at Nottingham Trent University
Chapter 13 : 'Drawing - My Process' - George Hardie

Raphaël Pirenne - d'Aloïs Riegl à Michael Fried

Raphaël Pirenne
Historien de l’art
séminaire 2009

lundis 26 janvier, 2 février, 16 et 30 mars, 20 avril et 4 mai 2009
de 10h30 à 12h30

Limite et réflexivité
Notes sur le formalisme, et la place du spectateur,
d'Aloïs Riegl à Michael Fried

Deux questions traverseront les lectures, analyses et commentaires qui seront faits de certains écrits choisis parmi des principaux représentant du courant formaliste en histoire de l’art : Clement Greenberg et Michaël Fried, mais également Aloïs Riegl et Wilhelm Worringer, Clive Bell et Roger Fry. Il s’agira d’une part de voir si la question des modalités d’intégration du spectateur n’est pas présente chez ceux-ci et conditionnerait, de manière implicite ou explicite, leur conception de l’œuvre d’art. Il s’agira d’autre part de voir si les polarités émises initialement par Greenberg et Fried, soit d’avant-garde ou de kitsch, soit d’anti-théâtralité ou de théâtralité, peuvent avoir toujours ou non une certaine validité, l’aspect partisan diminué, afin de caractériser certaines productions plus ou moins actuelles.

Programme du séminaire
Le 26 janvier : Introduction, Michaël Fried
Le 2 février : Aloïs Riegl
Le 16 mars : Heinrich Wölfflin et Wilhelm Worringer
Le 30 mars : Clive Bell et Roger Fry
Le 20 avril : Clement Greenberg
Le 4 mai : Perspectives et conclusions

Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles
Rue du Midi, 144, 1000 Bruxelles
Local cloître 2ème étage

Angel Enciso - Pourquoi l’image ?

Angel Enciso
psychanalyste

5 leçons publiques 2009

Pourquoi l’image ?

les mercredis de 19 à 21 h

4 – 11 – 18 et 25 mars et 1 avril 2009

Toute image nous offre d'abord une référence incertaine, équivoque, fondamentalement fausse, voire mensongère. Sollicitées par la science et la technique, les images n'annulent pas cette incertitude foncière dans la relation de l'image au visible. Pourtant, sur un autre versant, une image peut prétendre s'ouvrir à un autre temps, à un autre espace, à une autre dimension qui implique l'invisible dans le visible. Le mensonge initial des images ne serait que la condition indispensable de leur rapport à la vérité. Voilà notre point de départ pour ces conférences qui visent à présenter dans différents contextes la force et la faiblesse des images. L'approche esthétique n'excluant ni le politique ni le pathologique.

Angel Enciso

Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles
Rue du Midi, 144, 1000 Bruxelles
Auditoire Geerinck
Entrée libre