samedi 26 septembre 2009

Eduardo Chillida

Eduardo Chillida, Homenaje a Johann Sebastian Bach

Eduardo Chillida est né en 1924 à San Sebastian au Pays Basque espagnol. Ses œuvres sur papier sont une part importante de sa création. A l'encre, au crayon, ou à travers des techniques de gravure, du découpage et du collage ses œuvres suivent des principes homologues à ceux de ses sculptures. Chillida est décédé en 2002.

« […] Dans le papier, le chaos se rectifie à la lame. C’est la loi des “gravitations”. Chillida choisit les feuilles, les distrait de la main de papier. Il dispose la première, y superpose la seconde, la tierce. Alors il découpe, il troue, il cale, il décroche. Il prolonge un vide par un trait d'encre au pinceau. Il ajoure. Il apporte, il soustrait, il ajoute, il architecture. A cette forme stratifiée, foliotée, il donne le rythme. Il fait se joindre à distance et culminer le manque et la résurgence. Il édifie en forant, en activant des fenêtres qui sont réelles lacunes qui sont logiques, en clarifiant à l'extrême le tressage des signifiés, la passementerie du signifiant. Entrelacement, passerelles, enjambements, plongées et reflux du papier matière, du papier mental. Du papier sculpté d'une feuille à la suivante, à leur intervalle, et du vide creusé à la chaire du papier dans la lumière frisante, à l'agencement abrupt et raffiné d'une construction dans l'espace.


Eduardo Chillida, "Gravitacion", 1989, ink on paper collage, 120x79 cm

Feuilles libres et gravitantes, mais si l'on veut qu'elles se lèvent ensemble : tenues par un fil. L'attache d'un fil discret qui les faufile et se noue, derrière le rideau, et les anime au clou de la gravitation universelle, et les allège encore de leur légèreté. Un fil qui entre dans le jeu, qui danse avec la découpe du papier, le noir de l'encre, le bord effrangé qui au cours des années, d'humble serviteur auto-lié à sa fonction est devenu partenaire assuré, dans sa mobilité de funambule. La souplesse, le battement virtuel de la feuille, la découpe à la lame, le pinceau d'encre, le jeu des arêtes vives et des ombres portées, s'accordent, s'accrochent, doivent leur suspens et leur cohérence à ce fil ténu, comme à la fragilité, à la précarité et à l’éphémère de cet inconnu innomé de la dans.

Eduardo Chillida, Künzelsau III / 26 x 21 cm / Papel, tinta negra
[…] Terre ou papier, nous sommes affrontés à une plénitude entaillée, irriguée, fécondée par le vide – et le vide est le vent sauvage, cette force du non divin, ce regard enfant. Il jaillit des brèches et des interstices. D'un orage, de l'oubli. Et nous sommes affrontés à la découpure des bords, au rapprochement des lèvres de la plaie, à l'aléa d'une écriture transparente et chiffrée – qu'il asperge et dissémine.

Eduardo Chillida, Dibujo, Sin fecha, Tinta, papel, 18,7 x 19,3 cm.
Justesse des articulations. Musicalité des rapports. Dans l’ouvert de l'espace, l'ombre est le protagoniste de la lumière. Tension jumelée de la séparation et de l'accouplement, éclairs brisés issus de la faille, comme pour commander la main philosophale à l'œuvre dans l'espace criblé, et sans cesse réactivité… »

Extraits de Jacques Dupin, “Gravitations”, in Par quelque biais vers quelque bord, éd. P.O.L., 2009, pp. 300-1, texte pour le catalogue de l’exposition de Chillida à la Galerie Lelong à Zurich en juin 2004.

Anciens étudiants de l'atelier


Cora Diaz termine un mural pour la Bibliothèque des Facultés de Sciences Agronomiques, Biologiques, Génétique et Biochimie de l´Universidad Autónoma de Nuevo León (Monterrey, Mexique).


mardi 22 septembre 2009

Les étudiants de l'option dessin








Aurélie Gravelat a été sélectionnée pour le Prix Découverte au Centre d’art de Rouge-Cloître.
Exposition du 17 septembre au 4 octobre, de 14 à 17 h, fermé lundi et vendredi.
4, Rue de Rouge-Cloître, 1160 Bruxelles.




Michaël-Toumani Diakité a été sélectionnée pour l’exposition collective de la DK Gallery, 71, Rollebaan, 1640 Rhode-Saint-Genèse du 4 septembre au 11 octobre, ouvert du vendredi au dimanche de 14 à 18 h.

samedi 12 septembre 2009

Le dessin – Bibliographie

Le dessin – Bibliographie
- Jacques Derrida, Mémoire d’aveugle. L’autoportrait et autres ruines, Louvre, Réunion des musées nationaux, 1990.
- Eliane Escoubas, “Derrida et la vérité du dessin : une autre révolution copernicienne ?”, in Revue de métaphysique et de morale 1, janvier-mars 2007, pp. 47-59.
- La Part de l’Œil n° 6 – 1990, “Le dessin”.
- Jean Clay, “La peinture en charpie”, Macula 3-4, 1978, pp. 167-185.
- Hubert Damisch, Traité du trait : tractatus tractus, édité à l'occasion de l'exposition au Musée du Louvre, Département des Arts graphiques, éd. Réunion des Musées Nationaux, 1995.
- Comme le rêve le dessin, sous la direction de Philippe-Alain Michaud, Musée du Louvre, Centre Pompidou, 2005.
- Le plaisir au dessin, Catalogue du Musée des Beaux-Arts de Lyon, éd. Hazan, comporte parmi d’autres textes un essai de Jean-Luc Nancy intitulé “Le plaisir au dessin”, 2007.
- Vitamine D. Nouvelles perspectives en dessin, éd. Phaidon, 2006.
- Eva Hesse Drawings, edited by Catherine de Zegher, The Drawing Center, New York, Yale University Press, New Haven and London, 2006.
- 3 X Abstraction. New Methods of Drawing. Hilma Af Klint, Emma Kunz, Ages Martin, edited by Catherine de Zegher and Hendel Teicher, The Drawing Center, New York, Yale University Press, New Haven and London, 2005.
- Briony Fer, The infinite Line. Re-making Art after Modernism, Yale University Press, New Haven and London, 2004, spécialement le chapitre 3 “Infinity” concernant Ages Martin et Eva Hesse, pp. 47-63.
- Paul Valéry, Degas danse dessin, éd. Gallimard, Folio/Essais n° 323, (1938), 1965.
- Yves Bonnefoy, La Vie errante suivi de Remarques sur le dessin, éd. Gallimard, Poésie/Poche 1993, pp. 163-218.
- Manlio Brusatin, Histoire de la ligne, éd. Flammarion, coll. Champs n° 535, 2002.
- Max Loreau, “Le dessin et le renversement de la métaphysique” in Les ateliers de Max Loreau. Ecrire, tracer, penser, éd. Labor, Archives et Musée de la Littérature, Bruxelles, 2005, pp. 19-111.
- Félix Ravaisson, “Léonard de Vinci et l’enseignement du dessin” in L’art et les mystères grecs, éd. de L’Herne, (“L’art et le dessin d’après Léonard de Vinci”, du Rapport adressé à M. le ministre de l’Instruction publique et des cultes, 1853) 1985, pp. 27-47.
Voir également le commentaire d’Henri Bergson “La vie et l’œuvres de Ravaisson” in La pensée et le mouvant, PUF, (Comptes rendus de l’Académie des Sciences morales et politiques, 1904) 1938, pp. 253-291.
- Jackie Pigeaud, “La rêverie de la limite dans la peinture antique” in La Part de l’Œil n° 6 – 1990, dossier “Le dessin”, pp. 115-124, repris dans Jackie Pigeaud, L’art et le vivant, éd. Gallimard, 1995, pp. 199-211.

lundi 20 juillet 2009

THE DRAWING INCIDENT

Call for applications
THE DRAWING INCIDENT: Open Studios & Symposium on Drawing
Sint-Lucas Visual Arts Ghent
Zwartezustersstraat 34

9000 Ghent
Belgium
Phone: 0032 (0) 9 225 40 90
Contact: Ans Nys ans.nys@kunst.sintlucas.wenk.be
www.kunst.sintlucas.wenk.be
21-25 September 2009
Application deadline: 25 August 2009

THE DRAWING INCIDENT
Drawing may be the most direct way to materialize vision in a work of art. One simply makes a mark and then another one in relation to that first mark, etc. This instant way of constructing an image makes drawing a transparent medium: the drawing shows its evolution, its mistakes, accidents and incidents, what happens in the margin. Like William Kentridge puts it: 'Often, as a drawing proceeds, interest shifts from what was originally central, to something that initially appeared incidental.' This quality of openness to the unforeseen, the uncontrollable, the unconscious, is widely acknowledged and appraised by artists and critics. The question is how to create the conditions to let this quality flourish and to lead the drawing (process) to a coherent and striking whole.
The Drawing Incident is a one-week event on drawing with open studios, artist's talks and a concluding symposium. It offers artists the opportunity to create and discuss new work in an open studios setting. Each studio is lead by an internationally known artist, for whom drawing is an important artistic means or thinking tool. Artists are Benjamin Verdonck (BE), Sonia Boyce (UK), Wendy Morris (SA/BE), Kenneth Andrew Mroczek (USA/BE). Each studio is designed around a specific focus on contemporary drawing, starting from the artistic practice of the invited artists. Every morning starts with an artist's talk by one of these artists. On Monday evening Norman Bryson (USA) will give a keynote lecture.
On Thursday evening the participants will present their new work in the studios. The public opening of the participants' exhibition will coincide with the opening of an exhibition with work by the 4 invited artists at the Witte Zaal.
On Friday the 25th a symposium – open for a broader audience – concludes The Drawing Incident with artist lectures by Kelly Chorpening, Evert Defrancq, Voebe de Gruyter, Rebecca Fortnum, Tania Kovats, Ed Krcma, Peter Morrens, Dirk Zoete. During this symposium the new artist journal Th Ink will be launched.

PROGRAM
Monday 21 September – 7 pm
Opening keynote Norman Bryson open to all free access
Monday 21 – Thursday 24 September – 9 am > 5 pm
Open Studios by application fee: 100 EUR
Thursday 24 September – 7 pm
Open Studios presentation & Opening at the Witte Zaal open to all free access
Friday 25 September – 10 am > 5 pm
Closing symposium open to all entrance: 5 EUR

APPLICATION
To apply for the 4-day Open Studios please send your motivation to participate and collaborate with one of the artists together with one or more e-links or a digital portfolio in pdf with current work to: thedrawingincident@kunst.sintlucas.wenk.be.
Do not forget to mention the name of the artist you want to collaborate with (Benjamin Verdonck, Sonia Boyce, Wendy Morris or Kenneth Andrew Mroczek). For more information about each studio please download the pdf on the website: www.kunst.sintlucas.wenk.be > nieuws en agenda.
Application deadline: 25 August 2009
Participation fee: 100 euro for the 4-day open studios and symposium.
To book for the symposium on Friday only, please e-mail to sabine.demeester@kunst.sintlucas.wenk.be.
Places are limited so you are encouraged to book early.
The Drawing Incident is a new initiative of the Drawing Research group at Sint-Lucas Visual Arts Gent. Sint-Lucas university college, one of the leading art colleges in Belgium, offers bachelor's and master's courses in visual arts and design and is a member of the Association of the Catholic University of Leuven.
The Drawing Research group was formed to stimulate reflection upon drawing, through practice-based research and writing. It is their aim to organize on a regular basis symposia and workshops on drawing, as well as to develop other projects, as the new artist journal Th Ink. Traditionally, drawing has been a major point of interest in Sint-Lucas Visual Arts in Ghent, resulting in flourishing ateliers in a.o. graphic arts, illustration, painting, graphic design.

mercredi 8 juillet 2009

Robert Mangold

Robert Mangold, Double Line Column Study, Pastel-pencil on Paper, 76.2 x 57.2 cm, 2005, Galeria Elvira Gonzalez.

Robert Mangold: Drawings and Works on Paper, 1965-2008, catalogue PaceWildenstein Gallery, essay by Robert Storr, 2009.

« "Robert Mangold: Drawings and Works on Paper, 1965-2008" (PaceWildenstein March-April, 2009) is a historical survey exhibition of nearly 100 drawings and works on paper from the artist’s personal archive, most of which have never before been exhibited. This exhibition offers a unique opportunity to examine over four decades of Mangold’s work, and the works on view range from preliminary studies to fully worked drawings and paintings on paper. Colored pencil diagrams made in preparation for the Wall paintings from the 1960s and the distorted circle and square compositions from 1972-74 as well as studies for the X, Plus, and Frame series from the 1980s, Irregular Areas (1985-87), Tilted Ellipses (1990), the complete Attic Series I–XVIII (1990-91), Plane/Figures, Curved Plane/Figures and Zones from the 1990s, Curled Figures (2000-02), Columns (2002-06) and Column Structures (2006-08), and his most recent series Ring Images (2007-present) highlight the artist’s cyclical and self-referential vocabulary. When viewing the drawings side by side it becomes apparent that Mangold’s early works inform his late works and vise versa. After visiting the artist’s upstate studio and observing a group of drawings pinned directly to the wall in no specific chronological order, Robert Storr wrote, “[it is] as if the readily apparent themes and variations Mangold has worked with over the years were suddenly allowed to interrupt and intersect with each other like overlapping components of a larger orchestral work.”

Robert Mangold. Column Structure Paintings 2007, catalogue PaceWildenstein Gallery, essay by Richard Shiff, 2007.

In 1965, while working on his painting Red Wall, measuring only 2" in depth, Mangold recognized that in order to achieve the “flat frontality” he was striving for his work needed to maintain a direct relationship with the wall, an idea he termed “limited depth”. It was then that Mangold fully embraced paper, recognizing how the thin, flat nature of this medium achieved the desired effect with the wall and allowed his images to be seen instantly, in their entirety.

Working on paper also gave Mangold the freedom to explore material, shape, line and color and to continually reinvent ways in which these components relate to each other. His drawings represent both an individual and collective unit, and as Mangold has stated, he rarely conceives of a single work, choosing instead to approach an idea again and again, with related groups developing.
Robert Mangold strives to find equilibrium between his colorful, monochromatic planes and the hand-drawn figures. He produces studies to scale in an effort to work out any differences between the two until a symbiotic balance is achieved. Storr emphasizes the importance of the hand drawn elements in Mangold’s work: “Mangold is preeminent among those who choose to do it the hard way – by hand. However, he does not fetishize touch in the manner of expressionists and others who make the artist the overt or covert subject of their work by stressing their emotional and physical presence at its creation. Nor does he foreground the difficulty of the task he assigns himself or ever let the exertions it requires show in the final work in order to highlight his virtuosity.” »

Robert Mangold, Untitled - Split Ring, Pencil on canvas, 35.6 x 35.6 cm, 2008, Mark Borghi Fine Art, New York.

Bernard Guerbadot


1999, exposition à l’ENAD Limoges, lithographies rehaussées et peintures sur papier.

« Bernard Guerbadot était de ces êtres rares qui accompagnent la vie de ceux qu'il a croisé au delà de la rencontre, et aujourd'hui malheureusement, au delà de sa vie. Car il savait faire advenir les choses, ouvrir nos regards au monde et nous permettre d'y puiser notre matière et notre richesse : une certaine façon de se déprendre de l'ordre des choses. » Extraits du texte que Philippe Cyroulnik (directeur du 19, CRAC de Montbéliard) a lu au cimetière de Gondecourt.

« […] Bernard Guerbadot (1948-2005) assume ce qui détermine, pour chaque œuvre, son mode propre d’exposition, entre suspens, conformation au plan mural (le plâtre noir et brun de 1997), soclage (le plâtre quadrilobé noir de 2003) et clipsage sur des plots (le dessin de 2002).

Cette dernière œuvre de Guerbadot me semble pousser dans ses ultimes conséquences la logique d’intégration des appareils d’exposition amorcée par Robert Ryman dans les années 1960. Il le fait au nom de l’œuvre et en sa faveur, à l’instar de Daniel Dezeuze, Richard Tuttle ou Christian Bonnefoi, quand une autre possibilité fut d’exposer l’appareil d’exposition pour lui-même (Daniel Buren), avant que l’exposition comme genre et médium ne s’établisse aujourd’hui pour beaucoup comme un lieu commun. Dans le dessin clipsé, les plots reprennent précisément les contours internes du dessin. Ils sont à la fois déterminés par la nécessité de trouver un moyen de tenir l’œuvre au mur et déterminants pour la perception tendue que l’on a du dessin en avant de la paroi, dont la qualité de blanc a été appliquée sur les plots. Ainsi ces plots apparaissent-ils comme des éléments muraux en ressaut où vient se clipser le dessin, qui impose au regard une sensation de totalité intégrant désormais aussi ces plots comme participant à la fois de l’intégrité de l’œuvre et de ses franges extérieures (bien qu’internes).

Ce souci accordé à l’intégration du mode d’exposition tient d’abord à une nécessité : comment exposer un plâtre ou un dessin mis en forme, quand de surcroît chaque choix (socle, suspens, plots, conformation au plan mural) infléchit la forme et la perception de l’œuvre ? »
Tristan Trémeau, “De brefs déplacements”


Bernard Guerbadot, Sans titre, dessin sur papier et kaolin, 28,5 x 27,5 cm, 2000.

« […] l'artiste n'intervienne pas seulement en surface de [la matière] mais à l'intérieur même de sa corporalité. Le pigment n'est donc plus déposé par l'artiste sur une surface, par couches successives, selon un principe additif de recouvrement. Il est incorporé au cœur même de la matière et les flux migratoires sont favorisés par l'intervention recto-verso sur l'épreuve. En intervenant également au dos de la feuille, cela permet d'évacuer le concept de support au profit de celui de surface où la matière devient support de sa propre couleur. Les formes, elles mêmes, sont moins le produit d'une suraccumulation sédimentaire de matières, de pigments, que la manifestation réactive de l'ultime surface où s'opère les transferts, les intégrations et les métamorphoses physico-chimiques des matériaux. En ce sens cette surface devient le lieu de l'expérience. Or ce lieu tient plus de la causalité que du topos. Faudrait-il encore pouvoir dissocier l'un de l'autre.
Lorsque Bernard Guerbadot stimule la migration du matériau, il la met également en parallèle à celle de l'esprit qui la porte, non en ce sens que l'esprit la formalise, mais plutôt qu'il s'en imprègne dans un même élan. Ces migrations, ces contagions ou résonances se multiplient dans l'espace et se diffusent dans, au travers, et par la surface […] le visible ici tient moins du vestige d'une action ou d'un geste révolus, comme il en est des œuvres de Franz Kline, mais bien du processus actif d'échange, de mutation, d'ingestion ou d'absorption des substances. C'est donc moins la condensation d'un moment intense devenu inerte, qu'une durée à travers laquelle tout s'inaugure et se met en œuvre à chaque fois que le regard s'y plonge. Il y a de la durée. Il y a de la suspension. En somme des tensions dynamiques. Chaque diffusion s'inventerait sous notre regard, tout en mêlant le tangible et l'ineffable.La série des ces dessins recèle une portion temporelle active. Celle de l'expérience migratoire des flux où le matériau se livre alors sans plus aucune retenu. Il n'est pas pour autant question d'animisme. Mais bien d'une explosion des possibles à travers la chimie des corps mêlés, à travers également une alchimie où la migration teinte l'œil puis sa rétine, pour se propager, pour s'étendre au cœur même de celui qui met l'œuvre à jour […] »
Olivier Beaudet, “Bernard Guerbadot : les résonances d'un effet papillon”


Bernard Guerbadot, Sans titre, relevé à l’encre de Chine sur papier, 80 x 120 cm., détail, 1979-97.

mardi 7 juillet 2009

Fred Sandback


Fred Sandback, Untitled (Fourth of Ten Corner Constructions), 1983, maroon and black acrylic yarn. Kettle's Yard Gallery.

Fred Sandback : Commentaires sur ma Sculpture 1966-86
« En 1966, je me suis retrouvé impliqué dans une sorte d’assemblage de pièces dépareillées de facture industrielle, reliées en série. L’interrelation chantante des pièces n’était ni énergique ni convaincante. En réponse à mes complaintes au sujet de la sculpture en général, et de l’incohérence de la mienne en particulier, George Sugarman a dit quelque chose dans ce sens : « Eh bien, si tu en as marre de toutes ces pièces, pourquoi ne pas faire juste une ligne avec une pelote de ficelle et puis c’est tout ? »
La première sculpture que j’ai faite avec un morceau de ficelle et un bout de câble était le contour d’un solide rectangulaire – un 2" x 4" – posé sur le sol. C’était un acte sans signification particulière mais qui semblait m’ouvrir un grand nombre de possibilités. Je pouvais imposer une certaine place ou un certain volume dans sa totale matérialité sans l’occuper et l’assombrir.
Je pense que ma première attirance vers cette situation était la façon dont cela m’a permis de jouer avec quelque chose qui à la fois existait et n’existait pas en même temps. La chose elle-même, le 2" x 4" – était aussi matérielle que possible – un volume d’air et de lumière au-dessus de la surface du sol. Néanmoins ma manière de la façonner, la forme et la dimension de cette œuvre, avait une qualité ambiguë et éphémère. C’était également comique – elle avait une qualité anecdotique du genre « d’abord il y a une montagne, puis il n’y a pas de montagne, puis il y a ... » mais à l’envers.

Fred Sandback Untitled (Diagonal) 1970/1996, black acrylic yarn (single strand). As installed: 142 x 87 x 238-3/4 inches. Zwirner & Wirth, New York

À ce moment-là, je n’avais pas une série d’objectifs bien définis. En fait, je veux faire de la sculpture – et je suppose que c’est intéressant – je n’ai pas tiré une grande inspiration de la peinture américaine des années 50 ou au moins presque pas autant que des sculptures plus anciennes. J’ai passé un été à tenter tous les jours, sans grand succès, de dessiner les esclaves de Michel Ange.
Quand j’ai fini par rassembler mes premiers morceaux de ficelle, ce n’était pas tellement, rétrospectivement, parce que je voulais faire de la sculpture sans composition de pièces, ou sans espace positif et négatif, mais plutôt parce que je voulais juste faire de la sculpture et ces choses-là semblaient tout simplement m’en empêcher.
Pourtant, dès le début, je sentais dans mes tripes le désir de vouloir être capable de faire de la sculpture qui n’avait pas d’intérieur.
Sinon, si l’on pense à la nature du lieu ou à un lieu – le fait que je sois là avec ou dedans – et à la nature de l’interaction entre les deux était intéressante. Et à ce moment-là, le penser était peut-être plus intéressant que le faire, même si naturellement c’est ce dernier qui a maintenu mon intérêt. […]


Fred Sandback, Blue Day-glo Corner Piece, 1968/2004 1/32" Elastic Cord & Spring Steel, 14 x 12 x 6 inches. Barbara Krakow Gallery.

Les lignes droites ont tendance à être perçues comme puristes et géométriques, et l’on m’a constamment conseillé de me « détendre » comme lorsque Spoerri me prescrivait de grands bols de soupe aux lentilles pour me guérir de mon puritanisme fanatique. C’est parce que je veux le volume de la sculpture sans la masse opaque que j’ai les lignes. Ce sont plus ou moins de simples faits cependant, et non des exemples d’une géométrie ou de tout autre ordre plus grand. C’est simplement ce que fait la main.
La ligne est un moyen de modifier la qualité ou le timbre d’une situation et elle a une structure qui est rapide et abstraite et plus ou moins concevable, mais c’est la tonalité ou, si vous voulez, l’intégrité d’une situation qui est ce vers quoi je tends. Mes intrusions sont généralement modestes, peut-être parce qu’il semble que c’est ce premier moment où les choses commencent à se fondre ensemble qui est intéressant. […] »
Fred Sandback, 1986. Publié en premier dans Fred Sandback, Sculpture 1966-1986 (Mannheim : Kunsthalle 1986).
Fred Sandback : Being in a Place, Fred Sandback, Friedemann Malsch, Christiane Meyer-Stoll, Yve-Alain Bois, Thierry Davila, Ostfildern, Germany : Hatje Cantz Publishers, 2005 ; exhibition catalogue ; partial cloth over pictorial boards ; offset-printed ; sewn bound ; black-and-white & color ; 26 x 21.5 cm. ; 296 pp.

"To transform space into a sculptural material has been a modernist obsession ever since Picasso created a virtual plane, by sheer structural opposition between void and full, in his 1912 Guitar (MOMA). The concept of "drawing in space" elaborated by Gonzalez and adopted by so many sculptors in the immediate postwar era is the logical extension of this early experiment. But how many artists could carry on the task? The reason it is so difficult – as diagnosed by the brilliant Constructivist sculptor Katarzyna Kobro – is that space is unlimited, and if one wants to shape space as such (and not an ersatz space) one must retain this unlimited quality. Or, to follow Kobro's analysis again, as long as one places a figure within space, space is absorbed by the centripetal force of the figure, which acts like a black hole. Sandback intuitively understood this dilemma, which is why he conceived of his rectangles, trapezes, squares, etc., as evanescent, intangible slices of space whose limits are only to be mentally completed: As soon as these geometrical figures coalesce in front of our eyes, they disappear again at our slightest motion. We dare to pass through the thresholds, but this leaves us panting, and we immediately busy ourselves reconstructing the dissolved rectangles or trapezes. For a generation of sculptors so concerned with the intensity and forming power of one's perception, none exacerbated that intensity with such economy, efficaciousness, or elegance."
World and a string: Yve-Alain Bois on Fred Sandback. ArtForum, Oct, 2003.

lundi 6 juillet 2009

Lia Perjovschi, Knowledge Museum


Lia Perjovschi, Knowledge Museum. Body Mind Map, 2007.
Lia Perjovschi, INTERVAL: Plan (for Knowledge Museum)
“The belief in ideals, in the realization of dreams, as well as in the function of art in increasing knowledge, is one of the most important characteristics of Lia Perjovschi's artistic practice. With the Plan for a Museum of Knowledge, she proposes an imaginary museum, which is based on the metaphors of the Body, the Earth and the Universe. The Museum of Knowledge is characterized by an interdisciplinary approach, the positioning of art within a changing system of relations. The museum as an open-structure archive shifts the focus from the spectacle to the learning process. More than an idea, the plan in the title seeks to emancipate the viewer, and is to be looked on as a conscientious vision.
The installation, which comprises drawings, objects, charts, photos and colour prints, is an objectification of the mass of information the artist has acquired through reading, travelling and creative work. The 'mental map' thus created offers a view into those processes of selection that define the artist's attitude towards the world, her methods of associating things, of building her own understanding of the world.”
Dorottya Gallery, Budapest, Hungary
http://mucsarnok.hu/new_site/index.php?lang=en
Lia Perjovschi. Born in Sibiu, Romania in 1961. She lives and works in Bucharest. She started her career with drawings and performances. Her activity as a collector and operator of the CAA / CCAA (Contemporary Art Archive / Contemporary Centre for Art Analysis) is informed by a sense of social responsibility and commitment to independent thought, the need to create contexts and to reassess history. Recent individual shows: Statement, Pavilion Unicredit, Bucuresti (2009), Lia Perjovschi: performances 1987 – 2007, Wilkinson Gallery, London (2008), States of Mind, Nasher Museum of Art, Duke University (2007), Kunstraum Innsbruck Projectroom (2006), Endless Collection, Goppingen Kunstverein (2003). Group shows: A.C.A.D.E.M.Y, MuhKA Antwerpen, (2006), Again for Tomorrow at Royal College of Art London (2006), Interrupted Histories, Museum of Modern Art Ljubljana (2006), On Difference, Württembergischer Kunstverein Stuttgart (2005).

Lia Perjovschi, Timeline (la période du modernisme), fragment 2, 1997.
« Dan et Lia Petrovitch retracent sous forme de réseau complexe une cartographie de la genèse de Dada. Ce travail découle d'une recherche intitulée CAA/AA (Archives de l'art contemporain / pour l'analyse de l'art) et se prolonge à différents endroits. Toujours en marche, il est compilé dans des classeurs, présenté dans un scriban en carton ou encore étalé sans ordre. Les éléments disparates sont étiquetés et protégés — restes de vie, documents de recherches, et réels objets d'histoire, chacun trouve sa place dans ce travail monumental et minutieux de conservation, mis à notre disposition. »
http://www.paris-art.com/art/critiques/d_critique/Mircea-Cantor-Irina-Botea-Dada-East-Contextes-roumains-du-dadaisme-5547.html

Dan and Lia Perjovschi, States of Mind
Edited by Kristine Stiles. Catalog of the art of Dan and Lia Perjovschi.
Their art is of singular significance in the development of experimental art in Romania since the late 1980's. The Perjovschis' work matured under the double pressures of Romanian socialism and Soviet communism. Both artists forged original and challenging forms of visual expression in drawing, performance, installation, and conceptual practices, as well as in the analysis and use of mass media (especially television and newspapers).
August 2007, Publication of the Nasher Museum of Art at Duke University Press, 224 pages, 310 illustrations (including 180 in color).

lundi 29 juin 2009

Le dess(e)in : entre projet et procès


Le dess(e)in : entre projet et procès
Claire Barbillon, Mathilde Bert, Ralph Dekoninck, Maud Hagelstein, Anaël Lejeune, Raphaël Pirenne, Friedrich Teja Bach, Tristan Trémeau
21 x 27 cm (broché), 96 pages (3 ill. n&b)

"Symptomatique d'une attitude scientifique récente, Hans Belting, dans son ouvrage Le chef d'œuvre invisible, au détour de l'analyse du Carré noir sur fond blanc de Kazimir Malevitch (1915), fait état des résultats de l'examen matériel du tableau ayant récemment révélé l'existence d'une composition sous-jacente au célèbre Quadrat. Mais tenter de la sorte d'appuyer son discours sur la pratique d'atelier pourrait sembler paradoxal, compte tenu de la démarche du suprématiste davantage caractérisée par un certain « déni » de la matière picturale.
Or, cette exemplaire prépondérance de l'intention de l'artiste sur la réalité physique du tableau ne fait en réalité que nous renvoyer, au miroir de la tradition, à une hiérarchisation des étapes suivies lors de la création artistique, qui longtemps prévalut pour les artistes et/ou les historiens, opposant l'idée ou l'invention imaginée par l'artiste, et l'exécution concrète de celle-ci.
Cristallisée en Italie au XVIe siècle autour de la notion de disegno – le dessein –, cette problématique devrait pouvoir bénéficier d'une reformulation et d'une mise en perspective plus actuelle, prolongeant ses enjeux théoriques et épistémologiques, avec cette question centrale pour certaines pratiques artistiques des XXe et XXIe siècles, du travail joint ou disjoint, du projet et du procès."

Couverture : Jacqueline Mesmaeker, Débord (2009)

dimanche 28 juin 2009

Per Kirkeby


Per Kirkeby, Laeso, 1983, Gouache on paper, Michael Werner Gallery.

“The Danish artist (born 1938 in Copenhagen) works on motifs which he has in some cases collected years ago and uses time and again as the starting-point for his paintings. Per Kirkeby, a qualified geologist and someone who has travelled extensively, commences with memories of landscapes, still-lifes, architectures, and figures. Materiality and figuration form transitions that appear more transparent in his works on paper than in the pastose paintings on canvas. The technique of sketching reveals the working-method. Here one can see that graphically-inspired structures expand the multi-layered character of his painting. Organic handwriting sets free compositions and associations.”


Lars Morell, The Artist as Polyhistor: The 'Intellectual Superstructure' in the Work of Per Kirkeby, 294 pp, 240 x 250 mm, 150 illustrations, January 2006, Aarhus University Press.

“It has become a commonplace in Per Kirkeby exhibition catalogues to note that he earned a Master's in geology and participated in five research expeditions to Greenland, and to declare that he therefore paints in layers – as obviously only a sedimentary geologist can. Not only do curators and critics rarely delve any deeper into the relation between the work of this prolific experimental artist and his background in Arctic Quaternary geology, but they also entirely ignore the many other academic interests that inform his art, both conceptually and visually. Yet Kirkeby himself has proclaimed, “A picture without intellectual superstructure is nothing.” In “The Artist as Polyhistor”, Lars Morell provides the superstructure missing from other critical accounts by examining intellectual content and allusions in the Kirkeby oeuvre from eleven disciplinary perspectives – everything from theology to genetics and eros to crystallography. In addition, he has drawn on personal conversations with the artist, whose comments on the manuscript have also been incorporated into the final text. Morell maintains that art that is genuinely about something is necessarily full of conflict and unexpected juxtapositions. As a result, the works he has sought out here are rarely beautiful in formal terms, but instead tend to be dissonant and dynamic, featuring breaks and breaches and irreconcilable elements.”


Per Kirkeby, Untitled, 2003.

vendredi 26 juin 2009

Michael Schwab

Michael Schwab
Exhibit 1 and Open Studios

at The Old Police Station, London
Exhibit 1
Open: 3, 4, 5, 11, 12 July, 12noon - 6pm
Private View: 3 July, 6pm - 8pm
Afterparty: 3 July 9pm - 11pm
Open Studios
Open 3, 4 July, 12noon - 6pm
The Old Police Station
114 Amersham Vale
London SE14 6LG

"It is not that I have given up measuring things - it is only that some of the new work doesn't require measurement. The work has a lot to do with a free form of drawing - and colour! If you know my work, colour is a rare occasion. Personally, I am quite surprised how conceptual the work stays despite the colour. Maybe I have been afraid for the wrong reasons or have just not been able to cope with colour in the past.
The new series, from which the above image is an example, uses spray paint behind Perspex frames. I am going to have a couple of those in the studio, a painting and some laser drawings apart from the general stuff that is around. For Exhibit 1 I will actually construct a sculpture in the yard - about 4m in height. Originally planned as measurement piece, for some reasons I couldn't stick to the rules. I am looking forward to it, though.
The Old Police Station is well worth a visit. Anthony Gross from Temporary Contemporary has done an amazing job of setting up this new space from scratch creating a certain buzz. There's a lot happening these few days, I am attaching the flyer and hope to see you there!"
See my website at http://www.seriate.net/ for more information on my work.

Figure (ORTA), 2009
"This photograph itself is the final work. On the image is an installation that was created and dissembled as part of the 'Office of Real Time Activities' during the show 'Friends of the Divided Mind' organised by the Curating Contemporary Art students at the Royal College of Art. A 'Distance Circle' is cut out from wood and mounted on a tripod, the ring around it is suspended by long, green cords. The drawing in the background shows the design of the circle. Once the installation was removed, the only thing that remained was this photograph stuck on the wall."

Catford, 2007
"For this body of work, a computer model of a tree was created from photographs, and a crystal-like figure was traced between the points of the tree's pollarded branches. The figure was then constructed three-dimensionally using rapid prototypeing."

figure, 2008
"For figure the staircase of the Tramdepot Gallery was transformed and reconstructed in the main gallery space using elastics and fishing line. The four pictures show images of a different transformation to the space that were displayed outside the gallery and visible to the visitors as they stepped out of the staircase and onto the landing. The title was displayed in large letters at the bottom of the staircase, while diagrammatic images of the transformations that led to the installation were displayed just outside the main gallery space."

mercredi 24 juin 2009

Amélie de Beauffort - When space draws




"When space draws"
"Une longue bande de papier s'enlace, s’enroulant comme ruban de möbius : par la torsion son dos se continue en face. Autour d’un demi-tour, quelque chose s’organise, de simple et de complexe à la fois. Il y a deux notions contradictoires : localement deux faces (discontinues), mais réellement, mathématiquement, une seule face et un seul bord (continu). Cette tension entre visible et non visible ne se résout pas. Entre la perception locale et l’appréhension globale de la pièce, le paradoxe se maintient comme la conjonction d’un continu et d’un discontinu pourtant irréductibles l’un à l’autre. Les notions de support, d’intérieur, d’extérieur, de cadre et de centre sont déplacées.
La surface unilatère contraint le cheminement du dessin : nouer, joindre, mais également écraser, peindre, couper, poinçonner, flécher, parcours multi/pliés respectant l’enroulement de la bande. Le regard se trouve désorienté, hors perspective, entre volume et surface ; dessus / dessous / devant / derrière échappent en contrebande, au fil des plis et déplis, des accidents."
d’après Amélie de Beauffort

Un petit parfum d’atelier

Un petit parfum d’atelier pour ceux qui sont éloignés
Exposition de fin d’année
Vernissage : Vendredi 26 juin 2009 à 17h30
Exposition : les samedi 27 et dimanche 28 juin de 10h à 18h
Olivier Chaltin

Mahieu Swann


Daphné Vanclève











Elodie Laurent

samedi 20 juin 2009

Robert Barry


Robert Barry
Word Lists
22 mai - 18 juil. 2009
« Yvon Lambert Paris présente l’exposition "Word Lists" de l’artiste américain Robert Barry. Robert Barry collabore avec Yvon Lambert depuis plus de 35 ans, il s’agit de sa douzième exposition avec la galerie. Pionnier de l’art conceptuel et minimal, le travail de Robert Barry (né en 1936) a toujours été focalisé sur l’espace et l’espace entre : entre les objets, entre le temps, entre l’artiste et l’observateur. Pour lui l’“idée” d’une œuvre est aussi importante que l’objet d’art lui-même. »

« Robert Barry (né 1936 à New York) appartient à la première génération des artistes conceptuels avec Lawrence Weiner, Joseph Kosuth, On Kawara, Douglas Huebler… En Europe, Robert Barry a participé dès la fin des années 1960 à des expositions majeures d'art conceptuel : en 1969 Op losse schroeven à Amsterdam, When Attitudes Become Form à Bern, Konzeption à Leverkusen et Prospect 69 à Düsseldorf.
Parmi les artistes conceptuels qui travaillent plus particulièrement à partir du langage, Robert Barry occupe une place importante à la frontière de l'art visuel, de la poésie et de la philosophie. L'art conceptuel est – bien plus qu'une révolution des formes visuelles de l'art moderne – une repensée fondamentale de la fonction de l'art et des artistes dans un contexte culturel changeant. C'est dans la définition de cette nouvelle appréhension de l'art que les idées et les œuvres de Robert Barry apportent une contribution essentielle. Après avoir examiné systématiquement plusieurs phénomènes physiques à partir de 1968 et de 1969, en expérimentant les champs électromagnétiques, les gaz inertes, les fréquences électromagnétiques d'ultrasons (Inert Gas Series, 1969), Robert Barry travaille depuis plus de trente ans à partir de mots et de pensées, qu'il disperse ou projette de façon très méthodique sur des supports et des surfaces différents : papier, toile, miroir, mur, sol… »
http://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=1323
http://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=697


Robert Barry, Untitled, 1978, ink and pencil on transparent graphic paper with a blue grid, 29,5 x 21 cm / 11.6 x 8.3.
“Robert Barry, who lives in New Jersey, is, like Dan Graham, Douglas Huebler, Joseph Kosuth or Lawrence Weiner one of the most important protagonists of American conceptual art. Always a contentious term amongst artists themselves, "conceptual art" denotes neither a uniform style nor a common theory. The term was coined by Sol LeWitt who proposed that an idea is already a work of art in 1967 in his essay "Paragraphs on Conceptual Art". Since then conceptual art has come to be used for strongly abstract works that express an idea or a thought process that the beholder takes in and then uses productively according to his own ideas.
Ever since 1967 Robert Barry has been extremely consistent about taking his work to the limits of immateriality and invisibility. He created room installations with wire and nylon thread, performed actions with inert gases and radioactive material and went on to work with acoustic frequencies, sounds and language. Alongside this, slide projections with single words, photographs and text fragments have arisen since 1970. Robert Barry published several artist books and from the early seventies worked almost exclusively with the medium of language. According to Barry, words removed from all syntactic context are not art in themselves but they refer to connected concepts that are communicated by language. One of these concepts is the exploration of spatial experiences and dimensions, which Barry has always pursued, from the paintings and colour objects created between 1963 and 1967 through to the word spaces he is known for today.”
http://www.kunsthalle.nuernberg.de/ausstellung/2003/barry/barry_e.htm

Robert Barry, Untitled, 1975, ink and transfer type on cardboard, 15,7 x 21,4 cm / 6.2 x 8.4.

“Though Barry set out on his artistic career as a painter, he has been interested from the beginning in investigating the relationships of surface and space/volume, of positive and negative, present and absent forms, and in void form being completed by the onlooker. By the late 1960s, Barry was pushing his work to the limits of immateriality and invisibility with utmost rigour, creating site-specific installations with wire and nylon thread or with inert gas and radioactive material, moving on then to works using acoustic frequencies, sound and language. Projections and text pieces came about that articulated a thought process or listed concepts. In the early 1970s, he began working almost exclusively with the medium of language. Now, the terms, liberated from any syntactical context, were not in themselves art but took one to concepts beyond and which were communicated by means of language. Examples are the fathoming of spatial experiences and dimensions which Barry has been pursuing consistently all the way to the word spaces known today, his Wallpieces, Floorpieces, Windowpieces etc. He operates with the media of painting, drawing, sculpture, video and photography. Throughout the host of different working strategies that Robert Barry applies, the principle of invisibility, his crossing of spaces, the serial principle, reversals of letters and his use of transparent and reflecting surfaces, his appeal to the viewer is that first perceptions not immediately bursting with evident meaning or which do not result spontaneously in an identifiable image, should be questioned; that we look again, look carefully, look through the space we are in, look for connection, links, associations in order then to participate in the radical reconstruction of the lost art of seeing.”
Paraphrased parts of the catalogue texts of the Kunsthalle, Nuremberg and the Aargauer Kunsthaus in Aarau, Switzerland. Galerie Bugdahn und Kaimer. Düsseldorf .
http://www.re-title.com/public/newsletters/27_October_2008_-_Galerie_Bugdahn_und_Kaimer_0.htm

Pen and Parchment: Drawing in the Middle Ages


Pen and Parchment: Drawing in the Middle Ages
June 2, – August 23, 2009
Galleries for Drawings, Prints, and Photographs
The Metropolitan Museum of Art - New York

“With strokes of genius, artists in the Middle Ages explored the medium of drawing, creating a rich array of works ranging from spontaneous sketches to powerful evocations of spirituality to intriguing images of science and the natural world. Through some fifty examples created in settings as diverse as ninth-century monastic scriptoria to the fourteenth-century French court, the presentation considers the aesthetics, uses, and techniques of medieval drawings, mastered by artists working centuries before the dawn of the Renaissance. Early maps, artists’ sketchbooks, and masterfully decorated manuscripts count among the important loans from American and European museums, and the great national, university, and monastic libraries of Europe.”


Byrhtferth’s Diagram; Computus Diagrams, from the Thorney Computus Cambridgeshire, England; ca. 1102–10 Saint John’s College, Oxford, MS 17
“This volume is an album of texts and graphic material organized aroundcomputus (literally, “computation”), the medieval science of reckoning time and fixing the dates of ecclesiastical feasts, particularly Easter. Byrhtferth’s digram is a visual meditation on the cosmic and religious resonances of computus, its subject the harmony of the twelve months and four elements, of time and the material world. The tables on the opposite page show a series of diagrams used for determining lunar cycles, days of the week, and divination diagrams based on numerical values assigned to the letters.”

Opicinus de Canistris (1296–ca. 1354), Diagram with Zodiac Symbols, folio 24r Avignon, France, 1335–50 Biblioteca Apostolica Vaticana, Vatican City, Pal. Lat. 1993
“This highly colorful and complicated folio coordinates a vast amount of information, far more than any of Opicinus’s other drawings. It includes more than twenty separate sets of content, including the prophets, symbols of the zodiac, doctors of the Church, four monastic orders, the months, days, an implied world map, the genealogy of Mary, personifications of the Church, the gifts of the Holy Spirit, the four types of Biblical exegesis, the four Evangelists, the apostles, and the names of the letters of Paul. Opicinus clearly intended the drawing to be complicated and to require extensive meditation and exegesis. He made use of the medieval diagrammatic tradition in order to probe the connections between the cosmic, earthly, and the corporeal.”