Dessin dans un champ élargi - Drawing in an expanded field

René Lew, dernière conférence 2012 à Bruxelles

2012-01-31T09:53:00.000-08:00

René Lew
Psychanalyste, Paris

la 5ème et dernière conférence
2011 – 2012 de René Lew

“L’échappement en peinture”

aura lieu le lundi 13 février 2012
de 18 h 30 à 20 h 30
et non le lundi 20 février 2012
comme annoncé erronément

à l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles
Rue du Midi, 144, 1000 Bruxelles
Auditoire Geerinck
Entrée libre

Angel Enciso – 5 leçons publiques 2012

2012-01-31T09:41:00.000-08:00

Angel Enciso
psychanalyste

5 leçons publiques
2012

Art et mensonge

les mercredis de 19 à 21 h

29 février – 07 – 14 – 21 et 28 mars

L'art exerce son attrait et son pouvoir en sollicitant les racines les plus vives et les plus paradoxales de l'humain. Aussi la vérité du mensonge ne lui suffira pas : elle tourne trop vite et trop court.
A l'art, il faut, envers et contre tout, l'assise même du mensonge.
Angel Enciso

Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles
Rue du Midi, 144, 1000 Bruxelles
Auditoire Geerinck
Entrée libre

Sylvie Pic à Bruxelles

2012-01-25T07:04:00.000-08:00

Sylvie Pic sera à l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles la semaine prochaine (du 31 janvier au 3 février 2012 - atelier de dessin) pour partager quelques moments de réflexion avec les étudiants et les enseignants.
Sa présence se justifie également des premiers pas de notre projet de recherche “art, topologie, psychanalyse”.
http://www.arba-esa.be/fr/site.php?cid=11&pid=101

Sylvie Pic, Séries I have seen the bound of dream and reality passing through itself- Fourth set
colour pencils on paper prepared with acrylic
2010
40 " x 38 "

Colloque "De l’objectivité figurée aux figures du savoir"

2012-01-24T01:26:00.000-08:00

Colloque "De l’objectivité figurée aux figures du savoir",
30-31 janvier 2012
à l'Institut national d'histoire de l'art et à l'Ecole normale supérieure et à l'ENS
Colloque proposé par Claude Imbert et Anne Lafont.
http://www.lespressesdureel.com/EN/ouvrage.php?id=1537&menu=41

Affranchies du galiléisme mathématique mais travaillées par son idéal, les sciences expérimentales ont sollicité l’observation, le témoignage, le catalogue, la comparaison. Au tournant du XIXe siècle, des atlas de tout genre ont visé l’univers des choses, des lieux et des comportements. Sous le terme d’objectif, la photographie associait un dispositif et un programme et confirmait une épistémologie de l’objet. L’objectivité structurale a succédé à l’objectivité mécanique, sans se libérer d’une demande aporétique. Les normes de l’objectivité et ses déboires s’y redessinent dans la mouvance d’un propos éthique.
Lorraine Daston et Peter Galison ont exploré ce domaine et y ont relevé des cas extrêmes dans un livre qui a marqué un seuil (Objectivity – 2007). Aujourd’hui, saluant la traduction française de l’ouvrage, ce colloque s’ouvrira largement sur les motivations et figures de savoir récemment déployées. Un recours généralisé aux figurations les plus diverses, l’intégration du visuel et du graphique dans un contexte cognitif encore opaque, une approche anthropologique, ont contourné l’esthétique tandis que l’écran informatique brouillait l’opposition entre sciences dites naturelles et sciences humaines. S’impose un redéploiement des usages et des attentes.
Ces journées s’attacheront à ce qui donne à la figure et à l’image une portée marginalement réaliste, une puissance indirecte de savoir, un intérêt propre qui modifient incessamment les protocoles intellectuels et leurs marges. Ambiguïtés mal débrouillées, diront certains ? On y répondra en se référant aux virtualités mentales et techniques qui s’y manifestent, par nature inépuisables et mal identifiées. Deux journées seront dédiées à ces configurations de savoir surgissantes, faisant droit à l’histoire, à l’anthropologie et à quelques projets contemporains remarquables.

Lundi 30 janvier

(INHA, salle Vasari, 2, rue Vivienne, 75002 Paris)
• 10h-12h30. Objectivité - Les entours d'une focalisation déjouée (président de séance : Patrice Duran)
• Introduction par Antoinette Le Normand Romain et Patrice Duran
• Lorraine Daston et Peter Galison expliciteront l’avant et l’après d’une recherche menée dans la perspective d’une histoire sociale des sciences.
• Bruno Latour introduira le dialogue sur les aventures d’une objectivité confusément travaillée par une phénoménologie de l’objet mais incapable de maintenir son positivisme déclaré.
• Débat ouvert par Alain Schnapp, Bruno Latour et Claude Imbert
• 14h15-18h30. Anthropologie de L’image médiatrice (président de séance: Alain Schnapp)
• Carlo Severi, "L’image contrefactuelle. Objectivité et agentivité du regard. Trois analyses de cas"
• Jean Attali, "Diagrammes urbains"
• Claude Imbert, "Note sur quelques diagrammes logiques"
• Caroline Jones, "Embodied Experience anti-visual, kinaesthetic and visceral components of the aesthetic encounter"
• Philippe Descola, "L’animation des images"

Mardi 31 janvier

(ENS-Ulm, salle Dussane, 45 rue d'Ulm, 75005 Paris)
• 9h00-13h00. Histoire des sciences, histoire de L’art : un carrefour d’image (président de séance: Claude Debru)
• Introduction par Ségolène le Men, "L’image imprimée"
• Anne Lafont, "Les Naturels de 1800: où et comment?"
• Elie During, "Ce que les philosophes ont vu dans les diagrammes de Minkowski"
• Alexandre Laumonier, "Divide et impera. Tabularité et rationalité, le dictionnaire de Bayle"
• Peter Galison, "Projet en collaboration avec William Kentridge: Documenta, Kassel 2012"
• 14h-18h. D’hier à aujourd’hui (présidentes de séance: Anne Lafont, Claude Imbert)
• Charlotte Guichard, "D’après nature? L’autorité de l’image dans les savoirs artistiques et naturalistes du XVIIIe siècle"
• Charles Malamoud, "Diagrammes, machines, machinations"
• Christian Joschke, "Le savant en photographe amateur"
• Jean-Philippe Antoine, "Samuel Morse : peinture, transport, information"
• Lorraine Daston, "Règles et rationalité pendant la guerre froide"
• Conclusion: Perspectives de recherche

Adrien Lucca

2012-01-18T09:05:00.000-08:00

Adrien Lucca est le lauréat du
Prix du Gouvernement de la Communauté française
attribué au sein du prix Médiatine 2012
http://adrienlucca.wordpress.com/

Journal for Artistic Research - Deadlines for JAR 2

2012-01-18T08:07:00.000-08:00

Welcoming contributions to our second issue:
Journal for Artistic Research - JAR 2
http://www.jar-online.net/
Sarah Breen Lovett

“JAR is a free online journal that focuses on artistic practice as research, re-negotiates art's relationship to academia and couples the multi-media and social capabilities of the web with peer-reviewing and scholarly rigour.
We invite original submissions from artists with or without academic affiliation who wish to contribute to the ongoing debate about research in the arts, and reflect on artistic practice, processes and research in exchange with a group of engaged peers.
Whether you see yourself as an artist, a designer, a musician or a performer, who works outside traditional academic research environments or an academic working on arts related research, we invite you to explore the possibilities of adopting alternative, experimental and more artistic modes of presenting research than a classic journal format may support.
With the aim of displaying and documenting practice in a manner that respects artists' modes of presentation, JAR provides its contributors with a free to use online writing space, a dynamic online canvas where text can be woven together with image, audio and video material. The result is a journal that promotes experimental approaches to 'writing' and provides a unique 'reading' experience, while carefully fulfilling the expectations of scholarly dissemination.
We embrace research practices across and between disciplines, and the rich-media writing space actively encourages collaboration, allowing multiple authors to work on the same document simultaneously.
JAR is guided by an editorial board that works with a large panel of international editors and peer reviewers from the field of artistic research. Check out our first peer-reviewed issue JAR 1 at http://www.jar-online.net/ and join the discussion about the contributions published there.”
Laura F. Gibellini

Deadlines for JAR 2:
If you are interested in publishing a contribution in JAR please get in touch with us. We will give you advice on how to register for an account, get started with the writing space and develop a submission for one of the coming issues. Submissions to JAR can be made anytime. For the next issue, JAR2, we invite submissions between now and mid-March.
The Journal of Artistic Research is published twice a year.
Send your correspondence to:Michael Schwab Editor in Chief, Journal for Artistic Research (JAR)
michael.schwab@jar-online.net
JAR is published by the Society for Artistic Research.

Topology – Tate Modern

2012-01-03T02:43:00.000-08:00

Tate Modern – Topology project
Saturday 5 November 2011 – Saturday 16 June 2012
Giorgio Agamben, Étienne Balibar, Rosi Braidotti, Drucilla Cornell, Olafur Eliasson, David Harvey, Bruno Latour, Achille Mbembe, Sandro Mezzadra, Ernesto Neto, Boaventura de Sousa Santos, Suely Rolnik, Peter Sloterdijk, Shiv Visvanathan and Peter Weibel are among the leading intellectuals, artists and writers who will be coming to Tate Modern as part of the Topology project.
http://www.tate.org.uk/modern/eventseducation/talksdiscussions/topology.htm

Mathematicians in the first half of the twentieth century constructed Topology as a general theory of space. It initially emerged as an understanding of space in terms of properties of connectedness and invariance under transformation. Within a few years of its inception, psychologists, psychoanalysts, architects, artists, scientists and philosophers had started to use the conceptual language of relationships, intensities and transformations of this new theory outside its original field of mathematics. Limit, boundary, interior, exterior, neighborhood, disconnection and cut were central notions that became ways of describing the fields of forces experienced by individuals. Static ideas of space as a container were replaced by understandings of movement-space, of multiplicity, differentiation and exclusive inclusion that in turn have led to new ideas of power, subjectivity, and creativity.
Topological theory has thus come to serve as a link in a network of disciplines: in each case the multiplicity of space and the formal analysis of its relations has proved illuminating. Few commentators have made explicit the nature of this topological grounding however, and in many ways these mathematical realities have been allowed to fade into the background. The Topology series of events renders explicit what has been lost sight of in this process by inviting contemporary intellectuals, artists and writers to discuss how they make use of topology in their thinking, writing and making.
Curated by Bernard Burgoyne, Marko Daniel, Julian Henriques, Celia Lury, Jean Matthee, Brian Rotman and Fredrik Shetelig.

Saturday 5 November 2011
Topology: Spaces of Transformation: Borders with Étienne Balibar, Sandro Mezzadra and Bernard Burgoyne
Saturdays 12 November 2011 to 5 May 2012
Topology: Secrets of Space Seminars
Saturday 19 November – Sunday 20 November 2011
Topology: Embodying Transformation
Saturday 21 January 2012
Topology: Spaces of Transformation: Edges of the World
Saturday 3 March 2012
Topology: Spaces of Transformation: Continuity/ Infinity, with Olafur Eliasson, Bruno Latour and Peter Weibel
Saturday 31 March 2012
Topology: Spaces of Transformation: Contemporary Art as the Space of Liturgy
Saturday 28 April 2012
Topology: Spaces of Transformation: Epistemologies of the South: Reinventing Social Emancipation
Saturday 12 May 2012
Topology: Spaces of Transformation: The Vast Space-Time of Revolutions Becoming
Saturday 16 June 2012
Topology: Spaces of Transformation: Spatialised Immunity with Peter Sloterdijk

The Topology project is developed at Tate Modern in collaboration with NTNU Trondheim (Norwegian University of Science and Technology), Goldsmiths, University of London, Ohio State University and Middlesex University Centre for Freudian Analysis and Research.
Supported by Illustrious, 3d Audioscape, Duran Audio UK, Creative Sound Design, Martin Professional Plc, Ambersphere Solutions Ltd, Richard Martin Lighting and Pip Rhodes Lighting Design.

10/18, 1165, 1977, 313 p., L'aliénation artistique

2011-12-23T00:42:00.000-08:00

Jacques André, Achats à répétition,...
http://www.catherinebastide.com/?S-TZ_OFFSET=0&-N-REFRESH-artistviews,t43

George Whitman est décédé

2011-12-14T23:48:00.000-08:00

George Whitman, le fondateur de Shakespeare and Company est décédé le 14 décembre à 98 ans.
« George Whitman est parti retrouver certains illustres clients de sa librairie tels Jack Kerouac et Allen Ginsberg : le fondateur de Shakespeare and Company, à Paris (5e), s'est éteint mercredi 14 décembre, à l'âge de 98 ans, « en paix, chez lui dans l'appartement au-dessus de sa librairie », annonce la page Facebook de Shakespeare and Co.
Figure emblématique de la librairie parisienne et du quartier latin, il avait « dédié sa vie aux livres, aux lecteurs et aux auteurs », précise encore la page Facebook. En 2006, à l'âge de 93 ans, il avait laissé les rênes de sa librairie à sa fille, Sylvia Whitman.
Libraire à Boston, George Whitman s'installe à Paris après la Seconde Guerre mondiale, à laquelle il prend part en tant que G.I.. Bibliophile, il commence alors à faire le commerce des livres qu'il accumule par passion.
Au début des années 1950, pour officialiser son activité, il rachète le nom de Shakespeare and Company, la fameuse librairie fondée rue de l'Odéon par Sylvia Beach et dédiée à la littérature anglophone, qui avait fermé ses portes en 1944.
Il s'installe alors au 37, rue de la Bûcherie, en face de Notre-Dame, dans un immeuble racheté pour trois fois rien, et parvient à faire à nouveau de Shakespeare and Company le rendez-vous des amateurs de littérature anglophone.
Célèbre pour son classement très personnel, George Whitman n'hésite pas à poursuivre le travail de Sylvia Beach en soutenant de jeunes auteurs américains sans le sou venus chercher l'inspiration à Paris. Jack Kerouac et Allen Ginsberg furent ainsi hébergés au premier niveau de la librairie, qui sert à la fois de lieu d'accueil pour les lectures du lundi soir et de chambre à coucher.
Au fil de sa carrière, le libraire s'est ainsi efforcé de rester fidèle aux vers du poète Yeats, inscrits sur les murs de sa librairie et dont il avait fait sa devise : « ne soyez pas hostiles aux étrangers de peur qu'ils ne soient des anges déguisés ». »
http://www.livreshebdo.fr/les-gens/actualites/la-disparition-du-libraire-george-whitman-/7802.aspx
“Sylvia Beach opened Shakespeare and Company, the first English-language bookshop and lending library in Paris, at 12 rue de l’Odéon, across the road from Monnier’s La Maison des Amis des Livres.
“She had wanted to have her modest little bookshop,” Leon Edel writes in James Joyce, The Last Journey, “but fame, in the figure of the tall, slouching Irishman with his cane and his arrogance, thrust itself through her doorway.” Beach met Joyce in the summer of 1920, and he was soon telling her his troubles. He was unable to find a publisher for his new novel, Ulysses. In both England and America, publishers were scared of obscenity charges. Beach came up with a daring idea. What if she published the book, under the imprint of Shakespeare and Company? Joyce twirled his cane and beamed.
The plaque at 12 rue de l’Odéon states that Beach published Ulysses in 1922. What a job it proved to be! It took up her precious time, the book was expensive to produce, hundreds of copies were intercepted and confiscated in the US, and Beach gave Joyce nearly all the profits. But from then on, she and her bookshop were on the international map.”
http://0042404.netsolhost.com/village.html

Vincent Delpierre expose

2011-12-13T09:30:00.000-08:00

Vincent Delpierre
expose
du 16 décembre 2011 au 11 février 2012
à la Maison Culturelle d’Ath
Rue de Brantignies, 4
B - 7800 Ath
Exposition ouverte le mardi de 14 à 18 h, du mercredi au samedi de 10 à 13 h et de 14 à 18 h.

Aurélie Gravelat à Paris

2011-12-05T03:02:00.000-08:00

JAR 1 online NOW

2011-11-30T09:25:00.000-08:00

JOURNAL FOR ARTISTIC RESEARCH
A new online, peer-reviewed journal for the publication and discussion of artistic research
http://www.jar-online.net/

JAR 1 is online NOW with contributions by
Sarah Alford (Canada), Sarah Breen Lovett (Australia), Nell Breyer (USA), Laura F. Gibellini (USA), Laura Maes (Belgium), Vincent Meelberg (The Netherlands), David Overend (UK), Martin Tröndle et al. (Germany).
Artistic research is a newly emergent and rapidly evolving field, whose status is still hotly debated. The Journal for Artistic Research (JAR) has been launched to provide an influential voice in this debate, conceived as a platform for the re-negotiation of the relationship between art and academia, and the role and function of research in artistic practice.
JAR embraces research practices across disciplines, inviting exchange that enhances artistic research methodologies across the arts, sciences and humanities, emphasizing the transdisciplinary character of much artistic research.
Unlike the traditional journal article format, JAR offers its contributors a dynamic online canvas where text can be woven together with image, audio and video. This new approach displays research practice in a manner that respects artists' modes of presentation and will incorporate web-enabled possibilities for collaboration, debate and discussion.
Working with an international editorial board and a large panel of peer-reviewers the journal offers a unique reading experience while fulfilling the expectations of scholarly dissemination. As particular feature, JAR makes final review reports public. The reports are available on http://www.researchcatalogue.net/

and can directly be accessed through the menu item 'About this research' in the HOME menu of each research exposition.
http://www.researchcatalogue.net/portal/search-result?resulttype=user

écoutez Eliane Escoubas

2011-11-28T10:31:00.000-08:00

Alain Veinstein reçoit Eliane Escoubas, auteur de L'espace pictural, éd. Encre marine.
Emission “Du jour au lendemain” 25-11-2011
Encore quelques jours pour écouter le podcast.
http://www.franceculture.fr/podcast/4294389
http://www.franceculture.fr/emission-du-jour-au-lendemain-eliane-escoubas-2011-11-25

Éliane Escoubas est professeur émérite de philosophie à l'Université de Paris-Est.
Elle a publié : Imago Mundi. Topologie de l'art (Paris, Galilée, 1986), L'Esthétique, (Paris, Ellipses, 2003), Questions heideggeriennes - Stimmung, Logos, Traduction, Poésie, (Paris, Hermann, 2010). Des traductions : de Husserl, Recherches phénoménologiques pour la constitution (Ideen II) (Paris, PUF, 1982), d'Adorno, Kierkegaard - construction de l'esthétique (Paris, Payot, 1995), et de nombreux articles dans les revues La Part de l'Oeil, Poésie, Critique, Les Temps modernes, Études philosophiques, ou dans des ouvrages collectifs.

The Drawing Theatre with Marega Palser

2011-11-28T09:42:00.000-08:00

The Drawing Theatre - With Marega Palser
from the Mr & Mrs Clark Performance Company
Sat 3 December
11-5pm
We are really excited to be working with Marega Palser from the Mr & Mrs Clark Performance Company for the December edition of The Drawing Theatre. Marega is a dancer and performance artist and will be basing the event around her latest production 'Sometimes We Look', a site specific combination of dance, drawing and animation.

More info and booking:
http://www.bac.org.uk/whats-on/dr/

More info on The Drawing Theatre and other London Drawing events:
http://www.londondrawing.com/drawingtheatre

For exciting images of past London Drawing events:
http://www.flickr.com/photos/londondrawing/collections/

The Drawing Theatre is a spectacular fusion of theatre and drawing in a creative workshop designed to intrigue and excite. The sessions are a result of a six year creative life drawing program facilitated by London Drawing at Tate Modern and combine elements of performance and movement, light and sound to create an unforgettable drawing experience which aims to re-invent the traditional concept of life drawing. Using low-fi experimental drawing materials and techniques, participants explore the human figure in hidden spaces and beautiful architecture, turning inspiration into drawings, collages and 3D drawings.

Aristide Bianchi à la Galerie Vertige

2011-11-28T08:50:00.000-08:00

exposition
Aristide Bianchi
Galerie Vertige
60, rue de Veeweyde
1070 Bruxelles
du vendredi 18 novembre au samedi 17 décembre 2011

ouvert du lundi au vendredi de 10h à 16h.
http://www.galerievertige.be/index.php

Exposition: 'Parler et mur'

2011-11-28T08:28:00.000-08:00

Roch Barbieux, Aurélie Gravelat et Swann Mahieu exposent
12 rue de la bougie
1070 Anderlecht
les 10, 11, 17 et 18 décembre 2011 : heures d'ouverture de 11h à 17h
Vernissage le 9/12/2011 à 19h
Décrochage le 18/12/2011 à 14h
www.swannmahieu.blogspot.com
http://rochbarbieux.blogspot.com/

Colloque. L’image peut-elle nier ?

2011-11-28T01:23:00.000-08:00

L’image peut-elle nier ?
Explorations dans les domaines artistique et scientifique
Université de Liège,
15 et 16 décembre 2011
Salle de l’Horloge (2e entresol, Bâtiment central, 7 place du XX août, 4000 Liège)

Jeudi 15 décembre 2011
9h00-9h30 Accueil et ouverture par Sémir Badir et Maria Giulia Dondero
9h30-10h15 Jean-François BORDRON, Modes de la négation iconique
10h15-11h Marion COLAS-BLAISE, Reproduction sérielle et citation de l’image : répéter, est-ce nier ?
11h15-12h00 Anne BEYAERT-GESLIN, La négation de la compétence
12h00-12h45 Maria Giulia DONDERO, La négation énonciative par niveaux : du texte visuel au statut
14h30-15h15 Philippe LOMBARD, Métalepses du regard
15h15-16h00 Caroline JULLIEN, Sur quelques figures de l'infini
16h15-17h00 Odile LE GUERN, De quelques pratiques énonciatives pour une négation par l’image
17h00-17h45 Ivan DARRAULT-HARRIS, De l'allégorie à la scène mythique : de quelques assertions et négations iconiques

Vendredi 16 décembre 2011
9h30-10h15 Bernard VOUILLOUX, Entre ceci et cela. Négation linguistique, dénégation iconique
10h15-11h00 Gian Maria TOR, L’image peut-elle énoncer ?
11h15-12h00 Valérie ANGENOT & Jean WINAND, L’image égyptienne peut-elle nier ?
12h00-12h45 Sémir BADIR, Figures de la négation chez Magritte
14h30-15h15 Denis BERTRAND, Titre à confirmer
15h15-16h00 Carolina LINDENBERG LEMOS, L’absence et l’interruption dans un parcours interprétatif d’une installation de Dany Danino
16h00-16h30 Jean-Marie KLINKENBERG, Conclusions

« La négation est une propriété qu’on assigne d’ordinaire aux langages, naturels comme formels. […] L’hypothèse sémiotique selon laquelle l’image est justiciable d’une analyse en termes de langage invite à ce que l’on postule également à son endroit la propriété de négation. L’image peut-elle nier ? Si oui, comment le fait-elle ? On remarque aisément que, en dehors des cas triviaux d’usage d’un symbole ou quasi-symbole (croix, barre oblique, couleur rouge, etc.), les formes de négation de l’image sont toutes « indirectes ». C’est à explorer le parcours que prend la négation dans l’image et à consigner ses possibilités de manifestation en fonction des spécificités sémiotiques du visuel que le présent colloque est consacré.
En l’occurrence, les spécificités sémiotiques les plus utiles à la description de la négation dans l’image nous paraissent relever de ce qu’on a coutume d’appeler l’énonciation. Aussi est-ce à partir des modes d’existence et des instances énonciatives que l’on suggère de mener cette exploration.
Les modes d’existence des figures visuelles permettent d’évaluer leurs degrés de présence au sein d’une énonciation globale. Les figures peuvent ainsi être virtualisées, figures absentes dont le manque même est manifesté (par exemple à travers un espace vide dans la topologie de l’image) ; elles peuvent être potentialisées, notamment quand elles sont en attente d’un développement ; elles peuvent encore être actualisées, c’est-à-dire présentes dans l’image mais faiblement assumées, ou cachées, ou équivoques. Il s’agirait, à partir de ce cadre théorique, d’évaluer les degrés de présence de la négation dans l’image. Quelles sont les forces (au sens deleuzien, voir Logique de la sensation, 1981) qui entrent en dynamique et permettent à la négation de se manifester ? Par exemple, la non-figuration d’une valeur positive assertée précédemment suffit-elle à la manifestation d’une négation (à ce sujet, voir l’analyse de Rencontre de deux sourires de Max Ernst dans J. Fontanille « Le trope visuel. Entre présence et absence », 1996) ? […]
Au-delà de ces formes de manifestation, il devrait apparaître clairement que les valeurs propres à la négation dans l’image dépassent de loin son seul sens logique de contradiction. Il s’agirait dès lors de voir comment l’image rend pertinentes d’autres acceptions de la négation, en alléguant des champs sémantiques divers. En particulier, on peut envisager une acception méréologique, où l’organisation globale permet de reconnaître et donner sens aux relations entre les vides et les pleins, une valeur narrative, où il s’agit souvent de positionnements négatifs permettant de réinitialiser une histoire, et une acception métaphysique (quand on fabrique, en arts comme en sciences, des formes expérimentales pour ce qui n’a pas de tangibilité apparente et qu’il ne paraît possible de décrire que négativement — Dieu, l’antimatière, etc...).
Enfin, il importerait également de statuer sur les niveaux de pertinence où la question de la négativité intervient : celui de l’image-texte (y compris les phénomènes d’intertextualité), celui du genre et celui du statut social. […] »

Brian Mura à la Galerie du Tableau à Marseille

2011-11-22T23:56:00.000-08:00

Brian Mura, Sans titre, journaux internationaux, eau, colle, 2010.

Brian Mura, Alphac, plastiques, couleurs - dimensions variables, 2009 / 2010.

Brian Mura expose à la Galerie du Tableau
37, rue Sylvabelle
13006 Marseille
du 28 novembre au 10 décembre 2011.

Femme, Eros et Philosophie

2011-11-21T02:48:00.000-08:00

Femme, Eros et Philosophie : Identité féminine, bio-pouvoir du discours et éros philosophique
Colloque transdisciplinaire et international
6 et 7 décembre 2011
Institut Supérieur de Philosophie (UCL)
Centre « Philosophie et textualité »
Louvain-la-Neuve
Entrée : Gratuite. Réservation obligatoire (cathy.testelmans@uclouvain.be)
Renseignements : (elen.diotte@student.uclouvain.be)

6 décembre
9h30 : Ouverture du colloque par Nathalie Depraz (Socrate 21)
9h45 : Nathalie Depraz : Phénoménologie de l’erôs féminin
11h00 : Marie-Élisabeth Henneau : Des mots et des corps pour dire l'indicible : expériences amoureuses de mystiques chrétiennes (XVIIe-XXe s.)
12h00 : Marìa Lugones : Toward a Decolonial Feminism (titre à confirmer)

14h15 Tables rondes (2 sessions en parallèle)
Table 1 : Femme et Discours
14h30 : Mylène Botbol-Baum : Philosophie de la rive grecque à la rive hébraïque : une féminisation de l'éros ?
15h15 : Charlotte Luyckx : La nature, la femme et le sacré : le point de vue de l'écoféminisme
16h15 : Sylvie Lausberg : Les injures sexuelles comme construction langagière dévalorisante : d’un réductionnisme imaginaire à une aptitude relationnelle à l’Autre
17h00 : Susann Heenen-Wolff : Le genre, le sexe, d'un point de vue psychanalytique

Table 2 : Féminité, corporéité et éros philosophique
14h30 : Daniel Proulx : La figure de la Sophia, chez Henry Corbin
15h15 : Elen Dania Diotte Besnou : Quelques remarques sur les implications éthiques du mythe du féminin érotique dans l’anthropologie de Michel Cazenave
16h15 : Isabelle Raviolo : Éternel féminin? Une phénoménologie de la chair
17h00 : Fleur Courtois : La dramatisation de Médée par Carlota Ikeda

17h45 : Clôture de la journée par Michel Cazenave (Socrate 21)
19h30 : Michel Cazenave : Féminitude et eros philosophant

7 décembre
9h30 : Introduction à la seconde journée par Jean-Michel Counet (Socrate 21)
9h45 : Bernedette Muthien: Decolonizing love
11h00 : Baudouin Decharneux : Une lecture du mythe d'Erôs et Psychè dans l'Âne d'Or d'Apulée
12h00 : Christos Yannaras : Désir, Plaisir, connaissance charnelle de la Beauté : L'indétermination ontologique du réel

14h15 : Tables rondes (2 sessions en parallèle)
Table 1 : Femme et Discours
14h30 : Aurel Prentice : « Un gay dans un corps de femme » ? Du secret à l’incarnation, de l’auto-identification à la transidentité
15h15 : Valentina Tirloni : Les valeurs de la féminité dans la critique des pouvoirs techno-politiques
16h15 : Anne-Dolorès Marcelis : Quel est le goût de la mystique "post-Vatican II" ? Étude des milieux professionnels de la prière : les moniales contemplatives
17h00 : Fabien Nobilio : L'amour interloqué. La mère, l'inconnue et la veuve dans l'évangile de Jean

Table 2 : Féminité, corporéité et éros philosophique
14h30 : Jean Leclercq : « Plutôt ta putain que Son impératrice » : Héloïse la philosophe ?
15h15 : José M. Zamora : L'érôs cynique d'Hipparchia de Maronée
16h15 : Irini Fotini Viltanioti : « L'Eros est un grand démon » (Platon, Banquet 202 d)
17h00 : Michel Lisse : Déconstruction du phallogocentrisme : du schème de la paternité à celui de la souveraineté en passant par celui de la fraternité. Un itinéraire de Jacques
Derrida

17h45 : Clôture de la journée par Michel Cazenave
18h00 : Mot de la fin et clôture du colloque par Jean-Michel Counet (Socrate 21)

La saisie du modèle. Rodin 300 dessins 1890-1917

2011-11-17T09:55:00.000-08:00

La saisie du modèle. Rodin 300 dessins 1890-1917
Exposition
du 18 novembre 2011 au 1er avril 2012
Musée Rodin
79, rue de Varenne
75007 Paris
http://www.musee-rodin.fr/fr/exposition/la-saisie-du-modele
« On connaît Rodin sculpteur, mais connaît-on Rodin dessinateur ? Cette exposition rassemble de façon spectaculaire 300 dessins des trente dernières années. C’est, dans la dernière partie de sa vie, la forme d’expression prépondérante de l’artiste.
C'est à la fin des années 1890, que Rodin entama une véritable carrière de dessinateur en s’adonnant quotidiennement au dessin. Cela devint manifeste lorsque le sculpteur exposa ses œuvres graphiques à Berlin, en 1903, où il montra près de trois cents dessins à la 8e Sécession. Le propos de l’exposition est de renouer avec la richesse et l’ampleur des expositions de dessins organisées du vivant de l’artiste et de permettre de prendre la mesure du degré d’accomplissement de Rodin dessinateur et aquarelliste.
A travers la reconstitution de grandes séries identifiables comme les Psychés, les Femmes au peignoir, les Danseuses ou les découpages et les dessins réhaussés d’aquarelle, certains thèmes et certaines caractéristiques du dessin de l’artiste sont explorés. Sa pratique même, avec les jeux et enjeux d’une forme qui se cherche sans cesse, souvent reprise et corrigée, découpée ou dédoublée ; le rapport des corps à l’espace, des corps en apesanteur ou qui créent leur propre espace ; la lancée maîtrisée d’un trait continu et constant qui définit une forme synthétique ; ou encore, l’importance du thème de la femme fatale ou de celui des corps sexués.
Le parcours proposé aboutira aux dessins ultimes de Rodin qui permettent de saisir l’extraordinaire tension introduite par l’artiste entre le naturalisme d’un dessin, captant un geste, un mouvement, dans toute son immédiateté et sa justesse, et l’indépendance grandissante du trait et de la couleur.
Rendre sensible la liberté du dessin chez Rodin, qui a contribué à ouvrir un espace immense aux artistes du XXe siècle, est le véritable projet de cette exposition de trois cents dessins. »
Catalogue : Rodin 300 dessins 1890-1917 en coédition avec les Editions Nicolas Chaudun, 256 p.
Journées d’étude : 8 et 9 mars 2012

Colloque Lacan avec Hintikka

2011-11-16T09:13:00.000-08:00

Colloque Lacan avec Hintikka
21 et 22 novembre 2011
Institut finlandais
60 rue des Écoles
75005 Paris

Lundi matin (9h-12h)
- René Lew : Introduction

- René Lew : La logique de la signifiance en psychanalyse peut-elle se passer de la logique de l'existence dans l'épistémologie philosophico- mathématique ?
- Osvaldo Cariola : De l’existence en psychanalyse
- Manuel Rebuschi : Une sémantique de « Je » sans engagement
Lundi après-midi (14h-18h)
- Marc Saint-Paul : Le dire vrai et la science du réel, investigations préliminaires pour un appui du psychanalyste sur la logique hintikkienne
- Gérard Crovisier : Indétermination, entre Aristote et intuitionnisme, le choix de Lacan
- Jaakko Hintikka (1) : Logic as thought-experimentation ant its psychology

Mardi matin (9h–12h)
- Wolfgang Brumetz : Lacan avec Hintikka : la structure visée par Lacan est définissable en logique IF
- Denis Vernant : De la véridicité, jeux et enjeux
Mardi après-midi (14h-17h)
- Alain Juranville : Psychanalyse et savoir de l’existence
-René Guitart : Logique pour l'indépendance et spécification de propriétés universelles
- Jaakko Hintikka (2) : Informational independence and the « society of the mind »
- René Lew : Ouverture sur l’après-colloque

Ce colloque ce tiendra en anglais (traduit) et en français.
Entrée libre, sous réserve de places disponibles.
tél : 01 40 51 89 09, info@institut-finlandais.asso.fr .
Organisation : Institut finlandais et Lysimaque

Jaakko Hintikka, La vérité est-elle ineffable ? et autres essais, éditions de l'Eclat, 1994.
« Les quatre études qui composent le présent recueil témoignent de la variété des intérêts de l'auteur.
Les questions que posent le statut du langage et ses liens avec ce que nous appelons ordinairement le réel ne sont pas fondamentalement ni forcément étrangères aux interrogations ou aux visées qui animent la création artistique. Assurément, les propos des peintres sont rarement immédiatement compréhensibles au philosophe ; ceux des écrivains peuvent l'être davantage. Pourtant, à la lumière de leurs œuvres, ils révèlent de singulières convergences, des parallèles ou des complicités croisant les voies dans lesquelles la philosophie se fraye un chemin, de façon tout aussi problématique, quoique plus consciente en apparence.
Des réflexions qui concernent ici la vérité à celles qui s'étendent à Picasso et Braque, puis à Virginia Woolf, jusqu'au sens de la phénoménologie chez Wittgenstein, un fil court dont Hintikka tente de suivre les méandres : celui de la poursuite du réel. »

The Art Section

2011-11-12T05:58:00.000-08:00

The Art Section
Online Journal of Art and Cultural Commentary
Published by The Art Section, Inc.
October 2011
(Volume V, Number 9)
On Drawing
Guest Edited by Andrew Hewish
http://www.theartsection.com/

Introduction to the issue by Deanna Sirlin
Jason Hicklin, Kenmare River West Cork.
Guest Editor's Introduction by Andrew Hewish
Phil Goss by Julio Lopez Tournel
Eva + Adele by Andrew Hewish
Kirsty Buchanan by Paul Kindersley
Paul Kindersley by Kirsty Buchanan
Jessie Brennan by George Charman
Thomas Müller by Gordon Shrigley
Aleksandra Waliszewska by Iona Roisin
Julio Lopez Tournel by Phil Goss
George Charman by Jessica Brennan
Virginia Verran by Andrew Mania
Kate Beck by Frank Eerhart
Giulia Ricci by Tess Jaray
Daphne Warburg Astor by Jason Hicklin
Jason Hicklin by Scott Blaser
Scott Blaser by Teresita Dennis
Nick Fox by Matt Hearne

Etudes de nu

2011-11-11T08:23:00.000-08:00

Erica Baum, Untitled (Nude Figures), 1998, gelatin silver print, 16 x 20 in.
http://www.bureau-inc.com/mainsite/Artists/Erica/EricaImages1.html

Dance/Draw

2011-11-09T00:13:00.000-08:00

Dance/Draw
Institute of Contemporary Art / ICA
100 Northern Avenue
Boston MA, 02210

Janine Antoni, Loving Care, 1993. Performance with Loving Care hair dye in “Natural Black,” Anthony d’Offay Gallery, London, September 10, 1993. Photographed by Prudence Cumming Associates, Courtesy of the artist and Luhring Augustine, New York. © Janine Antoni.

“Although dance and the visual arts have enjoyed a long relationship, it has traditionally been comprised of artists creating sets for performances. Recently, however, many visual artists have incorporated dance into their work, and some dancers have experimented with drawing.
Dance/Draw assembles work by nearly 40 artists and explores the multi-layered relationship between contemporary dance and the drawing of the past 40 years.
During the period after World War II, modern dance deviated from the strict codes of traditional ballet en pointe, adopting everyday gestures and natural, childlike play into its standard repertoire. So too contemporary drawing abandoned the confines of technical perfection and frequently left the picture frame altogether. In both dance and drawing the line, as an independent means of expression, was liberated from the historical ideal of perfect form, and instead appears as a mobile, open-ended element capable of exploring a wide range of ideas dealing with history and memory, as well as the expressive potential of the body.”
http://www.icaboston.org/exhibitions/upcoming-exhibitions/dance_draw/

“With approximately one hundred works by fifty artists, in media spanning video, photography, drawing, sculpture, and live performance, the Boston ICA’s seventy-fifth-anniversary show, “Dance/Draw,” promises a substantial reconsideration of the relationship between the visual arts and dance over the past half century. Arranging the work into thematic sections (“More Than Just the Hand,” “The Line in Space,” “Dancing,” “Drawing”), the show will analogize the liberation of the line from the page (think Eva Hesse or Fred Sandback) to the eschewal of traditional ballet en pointe in favor of everyday actions (e.g., Yvonne Rainer) and trace this correlation up through the work of contemporary artists such as Fiona Banner, Jesse Aron Green, Klara Lidén, and Rashaad Newsome. For the show’s catalogue, curator Helen Molesworth, Carrie Lambert-Beatty, Catherine Lord, and Paul Chan will elaborate on the porosity of these practices.”
http://artforum.com/museums/id=28925&view=print

L’image pense

2011-11-08T10:24:00.000-08:00

L’image pense
Image et langage chez Aby Warburg, Ernst Cassirer et Erwin Panofsky
Deuxième journée de recherche consacrée à Aby Warburg, Ernst Cassirer et Erwin Panofsky :
Vendredi 16 décembre 2011
Université de Liège,
Place du XX Août,
Salle de l’Horloge
Coopération du Centre allemand d'histoire de l'art (Paris), du groupe de contact FRS-FNRS « Esthétique et philosophie de l’art » et du groupe de contact FRS-FNRS « Historiographie et épistémologie de l’histoire de l’art » (Belgique).

Matinée :
10.00-10.30: Audrey Rieber : Introduction
10.30-11.30 : Claude Imbert : Image, rituel, sacrifice
11.15-12.30 : Fabien Capeillères : Triptyque exégétique: Warburg, Cassirer, Panofsky

Après-midi :
14.00-15.00 : Muriel van Vliet : La correspondance de Warburg, Cassirer et Panofsky et le problème de la survivance des formes visuelles
15.00-16.00 : François-René Martin : L'écriture de la persécution chez Aby Warburg et Erwin Panofsky
16.30-17.00 : Isabella Woldt : Zur Nonverbalität in Aby Warburgs Bilderreihen und André Malraux‘ Musée imaginaire
17.00-17.30 : Discussion (modérée par D. Cohn)

ARGUMENT
« L’amateur ou le chercheur curieux de la puissance significative de l’image se voit aujourd’hui confronté à une profusion de discours sur l’image et sur l’art puisqu’à ces disciplines traditionnelles que sont la philosophie de l’art, l’esthétique et l’histoire de l’art se sont ajoutées les visual studies, la Bildkritik, la Bildwissenschaft ou encore l’anthropologie du visuel. Interroger les fondements philosophiques des discours consacrés à l’image (d’art) et tout particulièrement la possibilité d’une pensée de l’image, au double sens du génitif subjectif et objectif, nous semble donc de la première importance. Selon quelles modalités en effet faut-il aborder l’image (notamment d’art) et son mode spécifique de signification ? Comment dégager ses éléments les plus signifiants et est-il possible de les « traduire » en un discours ? Nous souhaitons examiner ces questions d’une portée philosophique générale sous le filtre des théories et des pratiques d’Aby Warburg, d’Ernst Cassirer et d’Erwin Panofsky qui se sont attachés à la question de la signification de l’image en l’ancrant dans son contexte culturel, historique et anthropologique. Le fait qu’ils contribuent tous trois à théoriser l’histoire de l’art sous la forme qu’elle prend à la fin du 19e et au début du 20e nous invitera à nous demander si l’histoire de l’art constitue un lieu privilégié pour penser l’articulation de l’image et du langage, de l’image et de l’histoire.
Parce qu’il est devenu de coutume d’opposer Warburg à Panofsky, et d’ancrer la pratique iconologique de ce dernier dans le sillage néo-kantien de Cassirer, nous avons pris le parti d’étudier plutôt la constellation qu’ils forment et qui les rassemble autour du problème de la signification de l’image et de la spécificité de la pensée qui y est à l’œuvre. Iconologie critique, méthode iconologique, philosophie des formes symboliques constituent en effet des variations sur la façon d’envisager la pensée, le langage et l’image ainsi que leurs rapports. […] Parler de « sens de l’image », avancer même que l’image « pense », implique non seulement que l’on reconnaît l’existence d’une logique propre à l’image dont l’organisation interne est productrice de signification, mais que l’on voie en elle le travail d’un certain logos. C’est ce positionnement autrement plus polémique que nous avons à cœur d’explorer. […] »

Daniel Oppenheim, L'enfant très malade approché dans ses dessins

2011-11-07T07:52:00.000-08:00

Daniel Oppenheim, L'enfant très malade approché dans ses dessins, éditions de l’Olivier, mai 2011, 128 pages.
« […] Autre particularité du livre, bien que son titre annonce qu’il va s’agir de dessins faits par des enfants, aucun dessin ne s’y trouve ou interprété ou mis en illustration d’un propos théorique […] se justifie par l’objet même de l’ouvrage qui n’est pas de nous éclairer sur telle ou telle interprétation, mais de mettre l’accent au contraire sur l’attitude profonde que l’analyste doit adopter pour saisir l’essentiel du propos qui lui est adressé. S’il ne s’agit pas d’une innovation, sa position constitue un rappel nécessaire, rappel qui s’applique bien sûr à l’utilisation du dessin dans l’approche psychanalytique mais également à tous les outils utilisés que l’on désigne habituellement sous le terme d’objets de la médiation thérapeutique. (cf. le livre Les médiations thérapeutiques, Érès 2011 sous la direction d’Anne Brun)
Enfin, il précise, sans doute trop succinctement, sa place vis-à-vis des médecins, une place qui n’est pas la première. Ce n’est pas de lui dont dépend la guérison. Cette guérison, chacun l’espère et c’est elle qui centre le transfert en direction des médecins et du personnel soignant. Lui, il doit justifier de sa place auprès des parents, auprès de l’enfant et aussi auprès du personnel soignant lui-même. Ce rapport au « médical en tant qu’objet », réflexion si bien exposée dans les années 70 par le regretté Pierre Benoit […] Daniel Oppenheim insiste sur la nécessité non seulement de prendre en compte le dessin, mais d’être attentif aux gestes de l’enfant au décours de son dessin. Cet accompagnement qui respecte le temps de l’enfant doit aussi être à l’écoute des commentaires qu’il fait de son dessin, de ses ratures, des hésitations de son trait, de la répétition des motifs, de leur place dans la feuille, des débordements éventuels hors de cet espace blanc laissant des traces sur la table. C’est un point certainement qui distingue l’approche de l’auteur de celle de Françoise Dolto, elle plus encline à interpréter le dessin en dehors de son geste.
Une autre position originale soutenue par Daniel Oppenhein, consiste dans la possibilité pour l’enfant de reprendre un dessin fait antérieurement. Il peut le regarder et même le modifier, lui adjoindre tel ou tel détail, changer sa couleur, etc. Le dessin devient alors un témoin d’une histoire qui s’inscrit dans le temps, et pas l’inscription d’un instantané, d’un arrêt sur image pourrait-on dire. Le temps du dessin est le temps du travail avec le psychanalyste, le temps de la relation avec l’analyste qui est celui de l’hospitalisation, mais qui peut se prolonger bien au-delà.
L’interprétation du dessin par l’analyste n’est jamais assurée, toujours proposée. C’est là encore un bien utile rappel en particulier pour les moins expérimentés de nos collègues. Explorateur en terre inconnue et fragile, le psychanalyste doit montrer d’abord à l’enfant dans quelle position il se trouve vis-à-vis de lui, c’est-à-dire être à son écoute, même s’il ne parvient pas à saisir tout ce que l’enfant souhaite exprimer et que sans doute, ils ignorent tous deux. Il n’en reste pas moins que cette attitude assure l’enfant d’une présence dont l’appui lui est nécessaire. Le dessin apparaît alors pour ce qu’il doit être : un espace transitionnel entre le psychanalyste et l’enfant. Il ne s’agit pas d’entrer ici dans le jeu des devinettes, jeu auquel parfois l’enfant lui-même invite le psychanalyste; le dessin de l’enfant est présence de l’enfant dans le dessin « de son corps, de sa voix, de son moindre geste » référence ici tant à Françoise Dolto qu’à Fernand Deligny […] »
Laurent Le Vaguerèse
http://www.oedipe.org/fr/prixoedipe/2012/oppenheim
http://www.editionsdelolivier.fr/

Michel Guérin, Philosophie du geste

2011-11-07T05:22:00.000-08:00

Michel Guérin, Philosophie du geste
« Cette édition augmentée de Philosophie du geste, ouvrage paru en 1995, reprend le texte d’origine et en conserve le titre, tout en y incluant également un essai récent intitulé “Le Geste de penser”.
Si “Le Geste de penser” peut passer à bon droit pour la suite – l’extension – de Philosophie du geste, c’est aussi qu’il réalise cette augmentation à travers la modalité singulière d’un renversement de perspective.
Qu’il enclenche une action ou exprime une émotion, le geste ne sépare pas la signification du comportement. S’il a peu retenu l’attention des philosophes, c’est peut-être en raison de la gageure de le saisir dans son prime élan : il est amorce. Les quatre gestes ici considérés comme fondateurs de pans entiers de la culture humaine, faire, donner, écrire, danser se situent au commencement de la technique, des échanges socio-économiques, des pouvoirs de la représentation, de ce bonheur d’exister corps, enfin, que les arts commentent à l’envi. Le geste, ainsi, balaie un large prisme qui va de l’utilité (voire de la nécessité) à la gratuité. Mais que les hommes inaugurent ou maintiennent ce qu’ils ont vu faire, c’est par un geste : inchoatif ou fréquentatif, il est par un aspect initiation et par l’autre imitation.
La présente édition (augmentée) renverse et prolonge la quadrature du geste par un geste de penser, qui fait apparaître qu’une discipline qui fait sens est toujours incarnée, c’est-à-dire enseignée. À l’heure où le corps idole est l’objet de tous les soins, tandis que l’univers en expansion des technologies promet la relégation de la main, méditer au sujet du geste est en somme découvrir le corps comme l’interrogation même. »
Michel Guérin a publié de nombreux essais critiques et des ouvrages de philosophie. La première édition de Philosophie du geste (Actes Sud, 1995) a figuré dans l’ultime sélection du prix Médicis essai. Derniers ouvrages parus : Le Fardeau du monde (Encre marine 2011), La Peinture effarée, Rembrandt et l’autoportrait (La Transparence, 2011).

Livres d’artistes et nouvelles formes du livre

2011-11-07T02:06:00.000-08:00

Livres d’artistes et nouvelles formes du livre : La figure dans le paysage – 2010-2012.
Blog des cours Locative Media Art et Livres d'Artiste et Nouvelles Formes du livre 2008 – 2011
http://www.arpla.fr/canal2/figureblog/

« Il s’agit au sein de ce blog de travail universitaire collectif créé en 2008, intitulé La Figure dans le paysage, de revenir sur le médium artistique du fascicule imprimé ou de la simple page A4 dactylographiée, figures inaugurées par les artistes conceptuels, pour repérer les perspectives de nouvelles formes liées aux médias et dispositifs numériques qui remettent en cause la prééminence de la reliure et du feuilletage et restituent à la page le paradigme du wunderblock. […] »

Autour de Maurice Blanchot. Le Livre à venir
http://www.arpla.fr/canal2/figureblog/?page_id=8434

« Il ne faut pas confondre nouvelles formes du livre et nouvelles formes de la lecture, qui elles, remettent en cause le livre ordinaire comme lieu unique de la lecture, certes, mais revenir sur Le Livre à venir de Maurice Blanchot participe de la remise en cause du livre de type codex (le cahier de feuilles porteuses de texte), et l’article de Blanchot qui donne son titre au livre est centré sur l’idée du livre selon Mallarmé, premier acteur-déconstructeur du livre de type codex, exemplifié par le poème Un coup de dés jamais n’abolira jamais le hasard (1897-1914) […] »

Le livre et l’objet transitionnel
http://www.arpla.fr/canal2/figureblog/?page_id=8963

« Le dernier livre de Bernard Stiegler, Ce qui fait que la vie vaut la peine d’être vécue, de la pharmacologie, s’ouvre sur une redéfinition de l’objet transitionnel, qui n’existe que parce qu’il ouvre un «espace transitionnel». Repartant de Winnicott, et de ce premier espace transitionnel de la mère à l’enfant, qui passe par cet objet, on ne peut s’empêcher de trouver dans ces cinq premières pages, l’éclaircissement théorique qui nous serait utile pour définir le livre, d’autant que subrepticement, le livre d’enfant s’est glissé dans les corpus de livres d’artistes, qui est notre objet d’étude. Le livre convient à la définition de l’objet transitionnel tel que le décrit Stiegler, un pharmakon. Quand au livre d’artiste, numérique ou non, si le livre d’artiste est un livre, la question peut se poser ainsi : Quand y-a-t-il livre d’artiste? […] »

Mallarmé. Un coup de dés jamais n’abolira le hasard
http://www.arpla.fr/canal2/figureblog/?page_id=8898

« Matériaux pour une lecture du livre, repris de l’édition ancienne Garnier Flammarion, où le texte est très annoté pour en faciliter la lecture. Nous reprenons quasiment l’ensemble de cet appareil critique indispensable et nous restituons au-dessous une forme de lecture linéaire du poème avec les notes qui en explicitent les zones syntaxiques obscures. […] »
http://chroniques.bnf.fr/archives/fevrier2007/frameset.php?src1=numero_courant/collections/menu_gauche.php&src2=numero_courant/collections/acquisitions.htm&m1=elOne&m2=E1&m3=1

on Fred Sandback and Agnes Martin at Dia:Beacon and Dia:Chelsea

2011-11-04T01:17:00.000-07:00

Joanna Kleinberg on Fred Sandback
Gallery Talk
at Dia:Beacon
Saturday, November 19, 2011, 2 pm
Dia:Beacon, Riggio Galleries
3 Beekman Street, Beacon, NY 12508
845 440 0100
www.diaart.org
Joanna Kleinberg has been an Assistant Curator at The Drawing Center in New York since September 2007. There she curated various exhibitions, including Claudia Wieser: Poems of the Right Angle (2010); Dorothea Tanning: Early Design for the Stage (2010); and Apparently Invisible(2009), The Drawing Center's annual Selections exhibition. Forthcoming in 2013 is an exhibition of Sean Scully's Change and Horizontals early drawings, as well as the first solo museum show in North America of work by Spanish artist, Ignacio Uriarte.

Jutta Koether on Agnes Martin
Artists on Artists Lecture Series
Monday, November 14, 6:30 pm
Dia:Chelsea
535 West 22nd Street, 5th Floor, New York, NY 10011
www.diaart.org
Jutta Koether was born in 1958 in Cologne, Germany, and is currently based in New York City. Recent solo exhibitions include shows at Galerie Daniel Buchholz, Berlin (2010); Reena Spaulings Fine Art, New York (2009); Kunsthall Landmark, Bergen, Norway (2008); and Tate Modern, London (2005). She is currently a Professor at the Hochschule fuer BildendeKunst in Hamburg, Germany.

Jacques Thuillier

2011-10-27T00:40:00.000-07:00

Jacques Thuillier, spécialiste de la peinture française du XVIIe siècle s'est éteint à l'âge de 83 ans.
Historien de l'art français, titulaire durant 21 ans de la chaire d' Histoire de la création artistique en France au Collège de France, il était spécialiste de la peinture française au XVIIe siècle, et notamment de Georges de La Tour.
On lui doit de nombreux ouvrages sur les grands peintres : Nicolas Poussin (Flammarion), Jacques Blanchard : 1600-1638 (Musée des Beaux-Arts de Rennes), Fragonard (Skira), Jacques Stella : 1596-1657 (Serge Domini), Georges de la Tour (Flammarion) et Tout l'œuvre peint de Georges de la Tour (Rizzoli-Flammarion) ou encore Rubens : la galerie Médicis au palais du Luxembourg (Rizzoli).

Son œuvre comporte aussi des titres plus généralistes à l'instar de La galerie des Glaces : chef-d'œuvre retrouvé (Gallimard), Théorie générale de l'histoire de l'art (Odile Jacob), Histoire de l'art : architecture, sculpture, peinture (Flammarion) réédité en 2009 et Peut-on parler d'une "peinture pompier" (PUF).

http://www.livreshebdo.fr/les-gens/actualites/deces-de-jacques-thuillier/7525.aspx

Velickovic – Dado

2011-10-19T00:05:00.001-07:00

Velickovic – Dado. Dessins des années 60 aux années 80.
Exposition à la Galerie Samantha Sellem
5, rue Jacques Callot
75006 Paris
jusqu’au 30 octobre 2011
www.galeriesellem.com

Jocelyn Benoist, conférence

2011-10-12T08:43:00.000-07:00

Jocelyn Benoist
conférence
VOIR, VU, VISIBLE
le mardi 18 octobre 2011 à 18 h 00
à l’occasion de l’ouverture de l’année académique 2011 – 2012 de l’école doctorale de philosophie
ECOLE DOCTORALE DE PHILOSOPHIE PRÈS LE FNRS FUNDP, FUSL, UCL, ULB, ULg
à l’Université catholique de Louvain
Auditoire Socrate 21
Collège Mercier
Place C. Mercier, 14
1348 Louvain-la-Neuve

Jocelyn Benoist, Représentations sans objet aux origines de la phénoménologie et de la philosophie analytique, Presses Universitaires de France (PUF) (30 septembre 2001)

« L'idée d'une origine commune de la phénoménologie et de la philosophie analytique commence à être bien admise. On essaie ici de lui donner quelque consistance en la mettant à l'épreuve d'une question, qui fut décisive pour les auteurs à la source de ces deux traditions, à la fin du XIXe siècle et au début du XXe : celle de la référence manquante ou des "objets inexistants".
On montre comment ce problème a pu orienter d'un côté les débats internes à l'école brentanienne (Brentano lui-même, Twardowski, Meinong, le jeune Husserl), et de l'autre les réflexions des auteurs sources de la tradition dite analytique (Bolzano, Frege, Russell).
Par opposition à d'autres études plus "syncrétiques", il s'agit avant tout, dans la démarche adoptée, de mettre en avant des différences. D'abord au sein de l'école intentionaliste, beaucoup plus diversifiée et traversée de tensions qu'on ne le croit souvent. Puis, aussi et surtout, entre cette école et les auteurs qui ont choisi délibérément une autre voie : Frege et Russell, bien sûr, mais aussi déjà Bolzano.
Il s'agit par là même de mesurer un écart qui devait s'avérer déterminant pour toute la philosophie du XX, siècle et de mieux définir le champ propre de cette philosophie. »

François Cheng

2011-10-11T10:54:00.000-07:00

Colloque franco-chinois en hommage à François Cheng
BnF – François-Mitterrand – Petit auditorium
vendredi 4 novembre 2011 de 9h00 à 18h00
Entrée libre
François Cheng, à la croisée de la Chine et de l’Occident
"Dans l’essai intitulé Le Dialogue, François Cheng écrit : « Le destin a voulu qu’à partir d’un certain moment de ma vie, je sois devenu porteur de deux langues, chinoise et française…. J’ai tenté de relever le défi en assumant, à ma manière, les deux langues, jusqu’à en tirer les extrêmes conséquences ». En effet, s’il a choisi, vers le début des années 1970, le français comme langue de création, il n’a pas abandonné celle qu’il désigne comme sa « vieille nourrice fidèle », puisque son langage poétique, ou plutôt le métalangage tout à fait original qu’il a créé, constitue une mise en symbiose unique des deux langues. Mais le dialogue établi par François Cheng n’est pas seulement d’ordre linguistique : dans son voyage d’un continent à un autre, il n’a rien perdu de son « terreau natif », dont la longue tradition littéraire et artistique n’a cessé de l’inspirer, tandis qu’il découvrait la France et s’enrichissait de sa « meilleure part ». Élu à l’Académie française en 2002 et récompensé par de nombreux prix littéraires nationaux et étrangers, François Cheng incarne la rencontre entre deux langues et deux cultures. Pénétrer dans sa création, en chercher les secrets – sens et beauté réunis – et en même temps rendre hommage, à travers cet écrivain français venu de « l’orient de tout », aux littératures des deux pays, autant de raisons pour organiser un colloque réunissant des spécialistes français et chinois sur le sujet."

9h30 - 12h30
1. Poésie
Pierre Brunel, François Cheng, Vraie lumière née de vraie nuit
Cheng Pei, À l’écoute de l’Orphée sorti d’ailleurs. Une lecture de la poésie de François Cheng
Dominique Millet-Gérard, Poésie et peinture : Cheng et Claudel
Li Yuan, La beauté éthique dans les traductions poétiques de François Cheng
14h - 15h50
2. Roman
Madeleine Bertaud, Le féminin selon François Cheng
Chu Xiaoquan, Le langage romanesque de François Cheng dans Le Dit de Tianyi
Luc Fraisse, L’art du roman dans L’éternité n’est pas de trop
16h - 18h
3. Art
Éric Lefebvre, Voix poétique et vérité artistique : les écrits sur la peinture chinoise de François Cheng
Lise Sabourin, Une quête de la beauté : du pictural au textuel
http://www.bnf.fr/fr/evenements_et_culture/anx_auditoriums/f.colloque_fran%C3%A7ois_cheng.html?seance=1223906459305

Salon de la Revue 2011

2011-10-10T09:58:00.000-07:00

Retrouvez-nous au Salon de la Revue 2011
21ème édition
Espace des Blancs-Manteaux
48, rue Vieille-du-Temple
75004 Paris

Vendredi 14, samedi 15, dimanche 16 octobre 2011.
vendredi 14 de 20h à 22h,
le samedi 15 de 10h à 20h
et le dimanche 16 de 10h à 19h30

Editions La Part de l'Œil
144, rue du Midi
B-1000 Bruxelles

L’art et la fonction symbolique

2011-10-05T09:44:00.000-07:00

La Part de l'Œil n° 25-26 / 2010-2011,
Dossier : L’art et la fonction symbolique

Ce volume marquant les 25 ans de La Part de l’Œil sera fidèle aux engagements qui ont été les nôtres depuis notre création.
L’ouvrage se présente en trois parties. Le dossier à proprement parler, comprenant un inédit de Marcel Mauss, se divise en deux parties consacrées à la problématique centrale de ce volume “L’art et la fonction symbolique”. Il se place dans la perspective de la pensée de Mauss et plus précisément de sa théorie du don. « Loin de se limiter à la forme archaïque des échanges, le don a une structure identique à celle de la parole » écrit Luc Richir dans son Liminaire. Les objets d’art sont alors abordés, poursuit Luc Richir, comme symboles, comme signes et non comme objets mercantiles, comme valeurs “d’usage ou d’échange” ; symboles, signes « qui passent de l’un à l’autre “individus, clans, communautés” et reviennent marqués de leur altération, chargés du sens de leur circulation, valorisés par l’ampleur du circuit parcouru […] il s’agit de symboles destinés à créer des liens, à former des réseaux d’alliances. Que s’est-il passé en Occident pour que le nœud contracté par l’aller-retour des symboles, ce nœud constitutif du Sujet, soit réduit à la platitude de l’échange binaire ? » Quel regard serons-nous amenés à poser sur l’art actuel après avoir analysé ici le statut des paléomonnaies, les tracés des Kolams en Inde, les figures de mains des grottes préhistoriques ou encore le culte des têtes dans les cryptes à Naples ?
La seconde partie, selon un autre axe, rassemble quatre textes qui abordent le symbolique d’une autre manière et pointent « l’erreur, écrit Luc Richir, de situer l’art du côté de l’imaginaire sous prétexte qu’en Occident, les artistes se sont mis à produire de plus en plus d’images, quitte à remettre en cause, superficiellement, c’est-à-dire formellement, la notion de représentation ». Les auteurs de cette seconde partie, Jean Petitot, René Lew… tentent d’interroger le statut du registre symbolique dans les arts plastiques.
Au croisement de ces deux axes ou de ces deux parties, le lien est établi par Claude Imbert avec sa “monnaie du regard” consacrée au Peintre de la vie moderne de Baudelaire et par Elisabeth Rigal dans une approche vigilante de l’œuvre de Kandinsky.
On trouvera en fin de volume un important hors dossier consacré au cinéma de Benjamin Fondane (plus connu comme poète, critique, philosophe, décédé à Auschwitz en 1944) par Olivier Salazar-Ferrer, spécialiste de l’auteur, lui ayant consacré de nombreuses études et deux ouvrages (chez Oxus, 2004 et aux éditions de Corlevour, 2008) ; hors dossier comprenant un inédit en français de Fondane intitulé “Le poème cinématographique” de 1929.

Sommaire

Luc Richir : Liminaire
Jean-François Bert : Marcel Mauss, un observateur de la vie économique réelle
Marcel Mauss : La hausse des prix est un bien
Patrizia Ciambelli & Claudine Vassas : “La Boîte en os” ou de l’art d’adopter des têtes
Eliane Escoubas : Le schématique et le symbolique à l’horizon de l’esthétique. Kant et Schelling
Marc Groenen : Images de mains de la préhistoire
Claude Imbert : La monnaie du regard
Chakè Matossian : Sauver la face du Peuple : le don de Michelet
Marie Preston : Le geste du kolam
Luc Richir : La lettre du don
Jean-Michel Servet : Monnaie et esprit du don
Ets. Decoux : Pour Madame Colon
_____________________
René Lew : Les Ménines : peindre le "pur" symbolique ?
Lucien Massaert : L’ombilic Rubens
Jean Petitot : Morphologie et Esthétique structurale : de Goethe à Lévi-Strauss
Elisabeth Rigal : De la peinture comme “contre-perception”. Sur le “tournant théologique” de l’esthétique phénoménologique
_____________________
Dossier Benjamin Fondane
Olivier Salazar-Ferrer, Ramona Fotiade, Nadja Cohen : Benjamin Fondane. Esthétique et cinéma
Benjamin Fondane : Le poème cinématographique (1929)

Editions La Part de l'Œil, Bruxelles, 2011
312 pages,
format 21 x 29,7 cm,
113 ill. en n./b. et 16 ill. en couleur,
ISBN : 978-2-930174-42-6,
Paru en septembre 2011.

René Lew, 5 conférences

2011-10-05T08:32:00.000-07:00

René Lew
Psychanalyste, Paris

5 conférences
2011 - 2012

L’échappement en peinture

les lundis de 18 h 30 à 20 h 30
17 octobre 2011
14 novembre 2011
12 décembre 2011
16 janvier 2012
13 février 2012

Voici ce qu’on peut avancer au départ.
On ne peut tout peindre. Cela ne signifie pas qu’on peigne le pas-tout, même si on cherche à le faire en lui superposant une femme (nue en général). Plutôt est-ce dans la façon de peindre que pas-tout s’appréhende. Et c’est ce qui nous occupera.
D’autre part, c’est l’ab-sens qu’on peint dans cette « façon », au travers du lien du sens à la signification, lien qu’on traverse selon une version vers le Père pour y trouver la raison de l’incorporation du dire, un dire qui fait pulsion et qui pousse à la représentation en s’y incluant. Échappement encore, le hors point de vue qui est une vision (d’ensemble) scopique de l’œuvre et la supposition de tout ce que le tableau mobilise dans et au travers de sa représentation.
Ensuite on ira plus avant à considérer l’évolution de la manière de Titien, et la robustesse du Tintoret, comme une disjonction entre la fonction et l’objet qui la représente parce qu’elle vise à le prendre en charge. Tout cela se lit aussi dans Maldiney, et dans Lawrence Gowing à propos de Turner. La question est donc celle du voile, celle de l’écran, celle de l’effacement, de la griffure... Hartung peut-être. Giorgione sûrement.
L’échappement, c’est l’art, et l’art, du coup, c’est l’échappement. Mais, comme je l’ai déjà avancé dans mes articles de La Part de L’Œil, c’est la structure qui échappe.

Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles
Rue du Midi, 144, 1000 Bruxelles
Auditoire Geerinck
Entrée libre

Maïakovski

2011-09-25T05:58:00.000-07:00

Bengt Jangfeldt, La Vie en jeu. Une biographie de Vladimir Maïakovski, éd. Albin Michel, 2010.
« […] Mi-février, Jakobson retourne à Petrograd. C'est maslenitsa, le jour des crêpes, l'équivalent orthodoxe de Mardi gras. Lili sert des blinis et du beurre. Parmi les invités, les théoriciens de la littérature Boris Eichenbaum, Evgeni Polivanov, Lev Iakoubinski et Viktor Chklovski. Entre deux toasts est fondé l'OPOIAZ, Société pour l'étude du langage poétique. Ce jour des crêpes devait avoir des conséquences inattendues pour le développement de la théorie littéraire en Russie.
L'élément moteur du groupe était Viktor Chklovski, qui rendait souvent visite aux Brik. Il avait l'âge de Maïakovski. Étudiant à l'université de Saint-Pétersbourg, tout le monde le considérait comme un enfant prodige. Dès 1914, Chklovski s'était rendu célèbre en publiant Résurrection du mot, brochure dans laquelle il attaque les théories littéraires caduques qui prétendent que la littérature reflète la vie (réalisme), ou encore une réalité supérieure (symbolisme). Il affirme quant à lui que l'objet de la théorie littéraire doit être « la littérature en soi », ce qui dans la littérature fait la littérature : les rimes et le jeu des sons en poésie, la composition en prose, etc. Il devait plus tard donner son credo dans une formulation assez radicale : « L'art est toujours libre face à la vie, et sa couleur ne reflète jamais celle du drapeau qui flotte au sommet de la citadelle. »
Dans ses théories, Chklovski était influencé par les concepts futuristes de « mot autosuffisant », de « mot en soi ». Les formes anciennes sont usées, « automatisées », ne fonctionnent plus, ne sont plus perçues. Il faut des formes nouvelles, des mots « arbitraires, dérivés ». Les futuristes créent des mots nouveaux à partir de racines anciennes (comme Khlebnikov), « les portent à incandescence par la rime » (Maïakovski) ou en changent l'accentuation par le jeu de la métrique (Kroutchonych). « De nouveaux mots vivants naissent, écrit Chklovski dans Résurrection du mot, et des mots sans âge, comme des diamants, retrouvent leur lustre passé. Ce nouveau langage est incompréhensible, difficile, on ne peut pas le lire comme les cours de la Bourse. Il ne ressemble même pas à du russe, mais nous sommes bien trop habitués à inconditionnellement exiger du langage poétique qu'il soit compréhensible. » À présent qu'émergent de nouvelles orientations esthétiques, ce n'est pas aux théoriciens mais aux artistes de montrer la voie. (pp. 96-98)
[…] Pendant leur séjour à Berlin, Maïakovski et Ossip participent à plusieurs soirées littéraires avec lectures et discussion, entre autres au café Léon et Ossip prononce deux conférences sur le Bauhaus. Maïakovski est également très pris par ses projets éditoriaux. Il signe avec L'éditeur soviétophile Nakanune un contrat pour la publication d'une anthologie et fait imprimer avec des fonds privés Dlia golosa (Pour la voix), une des tentatives graphiques les plus réussies du constructivisme russe : le livre rassemble un choix de poèmes adaptés à la lecture à haute voix, que l’artiste Lissitzky a phrasés typographiquement, de façon à faire comprendre le rythme et l'intonation au lecteur. (p. 215) »

Dans le livre Pour la voix, El Lissitzky voulait restituer les poèmes de Maïakovski avec des moyens typographiques. Le livre a la forme d'un annuaire téléphonique, mais dans les index, les lettres sont remplacées par des symboles graphiques et les titres des poèmes.

Degas and the Ballet: Picturing Movement

2011-09-22T09:53:00.000-07:00

Degas and the Ballet: Picturing Movement
Royal Academy of Arts
London
17 September—11 December 2011

Edgar Degas, 'Dancer (Préparation en dedans)', c. 1880-85. Charcoal with stumping on buff paper, 336 x 227 mm. Trinity House. Image Trinity House, London and New York.

“Degas and the Ballet: Picturing Movement will comprise around 85 paintings, sculptures, pastels, drawings, prints and photographs by Degas, as well as photographs by his contemporaries and examples of early film. It will bring together selected material from public institutions and private collections in Europe and North America including both celebrated and little-known works by Degas.
Highlights of the exhibition will include such masterpieces as the celebrated sculpture Little Dancer Aged Fourteen (1880-81, cast. c.1922, Tate, London), which will be displayed with a group of outstanding preparatory drawings that together show the artist tracking around his subject like a cinematic eye; Dancer Posing for a Photograph (1875, Pushkin State Museum of Art, Moscow); Dancer on Pointe (c. 1877-78, Private collection); The Dance Lesson (c. 1879, The National Gallery of Art, Washington, DC); Dancers in a Rehearsal Room with a Double Bass (c. 1882-85, Metropolitan Museum of Art, New York); and Three Dancers (c. 1903, Beyeler Foundation, Basel).
The exhibition will explore the fascinating links between Degas’s highly original way of viewing and recording the dance and the inventive experiments being made at the same time in photography by Jules-Etienne Marey and Eadweard Muybridge and in film-making by such pioneers as the Lumière brothers. By presenting the artist in this context, the exhibition will demonstrate that Degas was far more than merely the creator of beautiful images of the ballet, but instead a modern, radical artist who thought profoundly about visual problems and was fully attuned to the technological developments of his time.”
http://www.royalacademy.org.uk/exhibitions/degas/

Edweard Muybridge, 'Woman dancing (Fancy)', plate 187 of Animal Locomotion, 1884-86. Collotype on white wove paper, 18.4 x 41.7 cm. Royal Academy of Arts, London. Image © Royal Academy of Arts London / Prudence Cuming.

Edgar Degas, 'Dancer Adjusting her Shoulder Strap', c. 1895-6. Modern print from gelatin dry plate negative. 180 x 130 mm. Bibliothèque nationale de France, Paris. Image © Bibliothèque Nationale de France.

Submit a paper for Drawing Out: 2012

2011-09-21T09:29:00.000-07:00

DRAWING OUT: 2012 is a transdisciplinary conference and collaboration between RMIT Melbourne & The University of the Arts London.
Working with the assumption that drawing is not simply a way of thinking and communicating but an integral part of our everyday and professional lives DRAWING OUT: 2012 will address, how drawing functions as a part of literacy through three themes; Drawing and Notation - Drawing as Writing – Drawing: recording and discovery.
Submissions are be sought from academics, industry professionals, practitioners and others engaged in the fields of: Aboriginal and Torres Strait Islander Cultural Practices; Art and Design , Digital Schemas; Fashion Templates; Architectural and Engineering Designs; Creative Writing; Mathematical, Musical and Dance notation, Media and Communications Concepts; Cartography and Scientific Schematics; Architectural and Mathematical Modeling; Business and Financial Mapping; Legal, Educational and Political Visualisations.

Proposals for papers, workshops, panels and other innovative modes of presentation will be sought in three broad streams, that address the following themes:
1. Drawing and Notation. Drawing as a sometimes intuitive other times driven by convention means of mapping appearance and movement. With special reference to innovative methods of notation.
2. Drawing as Writing. Drawing after, before and as a part of writing. An exploration of literacy and communication.
3. Drawing: recording and discovery. Drawing as a speculative activity and means of holding and transferring information.
All proposals should be 30 minutes in duration – please refer to your chosen theme in your abstractPlease use the following link to register and submit an abstract for Drawing Out: 2012
http://www.ocpms.com.au/conference-papers/SelfRegistration.php?page=modify&confID=24

Schedule for submissions:
Authors submit their abstracts by 28th October 2011
The abstracts are plain text, and are entered directly into the webpage.
Abstracts are reviewed and accepted/rejected by 18th November 2011
Authors are notified of acceptance/rejection by 30th November 2011
Authors log into the system and upload their papers by January 6th 2012
Feedback on papers recived by 3rd February 2012
Authors log into the system and download/print the reviews, then upload the final/edited version of the papers by 17th February 2012
Power points to
e.webb-ingall (@)chelsea.arts.ac.uk
by 24th Febraury 2012

Proposed schedule for the 3 day conference:
Wednesday 28th March 2012
Daytime: National Gallery, London – Theme: What makes a good drawing?
Evening: Opening of Exhibtion at Central Saint Martins Gallery, Kings Cross, London

Thursday 29th March 2012
Daytime: Chelsea College of Art and Design, 45 Millbank, London

Friday 30th March 2012
Daytime: Wimbledon College of Art, Merton Hall Road, London
Evening: Closing conference event at Wimbledon Gallery

Tableau: Painting Photo Object

2011-09-21T08:37:00.000-07:00

Tableau: Painting Photo Object
Tate Modern Starr Auditorium

Friday 28 October 2011, 10.30–17.30

Saturday 29 October 2011, 10.30–17.30

Why do so many contemporary artists, working across all media (paintings, photographs, objects, installations, live art), build on pictorial traditions of image construction to set the scene for new narratives? Variously described as tableau, dispositif and apparatus, these related conditions have been analysed by some of the most incisive thinkers on contemporary art and form the subject of this symposium.
The word tableau does not seamlessly translate into painting as witnessed in its central use in Michael Fried’s Why Photography Matters as Art as Never Before 2008. It has come to stand for a series of discourses that address questions of artistic practice, the status of the art object and questions of spectatorship.
The centrality of tableau to recent discussions about photographic artistic practice is preceded by its presence in France in discussion around an expanded field in painting. Jean-François Chevrier has alluded to the return of tableau as a term and its possible implications in The Adventures of the Picture Form in the History of Photography. Here the idea of tableau as ‘image-object’ provides a means to explore a structural relationship between painting and photography as associated pictorial forms. In relation to this, the concepts of apparatus and dispositif (associated with Althusser, Foucault and Agamben) bear many structural similarities to these emerging formulations of the tableau where questions of ideology and signification are at work. The increasing use of all three terms in critical visual art practices is the basis for the papers in this conference.
Keynote presentations by Philip Armstrong, Fulvia Carnevale, Jean-François Chevrier, Michael Fried, Michael Newman and research papers by Moyra Derby, Adi Efal, Françis Gaube, Atsuhide Ito, Cédric Loire and Andrea Medjesi Jones.
In collaboration with Central Saint Martins, University of the Arts LondonWith additional support from the Institut Français, London
£30 (£20 concessions), booking required
For tickets: book online
http://www.tate.org.uk/modern/eventseducation/symposia/24490.htm

Anschlüssel London/Berlin

2011-09-06T08:18:00.000-07:00

Hanns Schimansky

Anschlüssel London/Berlin - A survey selected by Andrew Hewish,

Centre for Recent Drawing C4RD
http://likeyou.com/en/node/27869
http://www.c4rd.org.uk/C4RD/Centre_for_Recent_Drawing.html

Berlin - 9 September 2011 - 29 October 2011
fruehsorge contemporary drawings
Jan-Philipp Frühsorge
Heidestrasse 46-52
10557 Berlin
www.fruehsorge.com
http://www.fruehsorge.com/index.php?erste_ebene=3&zweite_ebene=1
Phone: +49 30 280 95282

From Berlin
EVA & ADELE, Frank Badur, Irina Baschlakow, Helen Cho, Nadine Fecht, Marc Gröszer, Bertram Hasenauer, Björn Hegardt, Olav Christopher Jenssen, Paco Knöller, Ulrich Kochinke, Takehito Koganezawa + Yusuke Oya, Astrid Köppe, Valentin Emil Lubberger, Kazuki Nakahara, Mark Lammert, Corinne Laroche, Fiene Scharp, Hanns Schimansky, Andreas Schmid, Dennis Scholl, Chiyoko Szlavnics, Heidi Sill, Viktor Timofeev, Jorinde Voigt
From London
Maxime Angel, Daphne Warburg Astor, Frank Auerbach, Peter Blake, Scott Blaser, Kirsty Buchanan, George Charman, David Connearn, Maryclare Foá, Nick Fox, Joe Graham, Takayuki Hara, Claude Heath, Andrew Hewish, David Hockney, Károly Keserü, Paul Kindersley, David Murphy, Thomas Qualmann, Frances Richardson, Giulia Ricci, Danny Rolph, Gordon Shrigley, Bob and Roberta Smith, Kate Terry, Annabel Tilley, Virginia Verran

“This survey by C4RD's Andrew Hewish seeks to present the vibrancy and depth of drawing production in London and Berlin. From recent graduates to the well established, these artists operate from within an understanding of the complexities of drawing values, of Anschlüssel: speculative, connective, playful - unlocking links wherever a line might lead. In bridging the space between these two metropolises, we find similar polyglot populations, artists from all over the world working in these cities, and with a similar breadth of expressive possibilities that reflect the exchange of ideas and forms in a globalised field.
Like any art of today, drawing can be considered completed by the viewer; but in completing the circuit of a drawing, a special kind of complexity filter is introduced. In an age of art where much is focused on a final outcome, be it product or conclusive meaning or image for the viewer, drawing offers a refreshing alternative. Drawing drags with it complex and disparate historical meanings particular to itself, all of which can brought to bear in the recognition of a work's status as a drawing. This particular set of meanings and questions are ones that drawing artists engage with in their daily practice.
Drawing has associations with being fragile, or temporary, containing gestures that are as much fleeting ideas as they might be marks on the page. It recalls time. It can rely on networks, of points in space or page, that are necessarily connected in the completion of the work; points that make stories, pathways, or forms […] can be subsumed by systems or processes, or engage a subtle negotiation between consciousness, technic and ground. We can connect, along the lines, the mindfulness, or otherwise, of the artist. It often engages directly the body of the artist, tracing their movement, allowing the viewer direct access to the record of its own making. It can love its own materiality. It can spectacularly stimulate our vision. It can graph data; write language. It can promote stages of development, or lyrical leaps of imagination. It can articulate imaginative space, or record observed space. It can draw on its own visual language, blending different traditions to forge new meanings. It is the exercise of imagination on line.”

Conférence de Bernard Marcadé

2011-09-05T09:08:00.000-07:00

Bernard Marcadé
Conférence inaugurale de l’année académique
YAN PEI-MING, PEINTURE ET EXÉCUTION
le jeudi 15/09/2011 à 18h00
Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles
144, rue du Midi
1000 Bruxelles

Inauguration du fonds Philippe Lacoue-Labarthe

2011-09-05T08:46:00.000-07:00

Inauguration du fonds Philippe Lacoue-Labarthe
jeudi 6 octobre 2011,
IMEC, abbaye d’Ardenne
14280 Saint-Germain la Blanche-Herbe
Argumentaire de Philippe Lacoue-Labarthe pour Agonie terminée, agonie interminable
© Fonds Philippe Lacoue-Labarthe / IMEC

Le fonds Philippe Lacoue-Labarthe
Dans une disparité de registres (philosophie, littérature, traduction, théâtre) – reflet d’une œuvre multiple mais toujours rassemblée dans un même effort et une même passion – le fonds Philippe Lacoue-Labarthe présente la particularité d’être extrêmement dense et majoritairement constitué de textes rédigés. Derrière les lignes de force des livres publiés, les archives ouvrent un accès à une œuvre parallèle élaborée pour l’enseignement – de sorte que l’ensemble inédit le plus conséquent qu’elles recèlent est celui des textes ayant servi de support à ses cours et séminaires.
Depuis cette première scansion de la pensée, on suit le mouvement qui faisait se resserrer et se poursuivre certains séminaires en livres, articles ou conférences.
Le travail d’inventaire effectué pour constituer le fonds a d’ores et déjà permis de faire aboutir deux projets de livres restés inachevés à sa mort : La vraie semblance (Galilée, 2008), sur Heidegger et la Madone Sixtine de Raphaël, et les Écrits sur l’art (Les presses du réel, 2009). Dans la continuité, une nouvelle publication posthume sera présentée en avant-première à l’occasion de cette journée : Agonie terminée, agonie interminable – sur Maurice Blanchot (Galilée, octobre 2011).
Programme
Journée (13h-19h)
Ouverture par Olivier CORPET, directeur de l’IMEC
Aristide BIANCHI et Leonid KHARLAMOV : “Le fonds d’archives Philippe Lacoue-Labarthe”
Mireille CALLE-GRUBER et les étudiants de l’Université Paris III - Sorbonne Nouvelle : “Séminaire sur L’“Allégorie” de Philippe Lacoue-Labarthe”
Federico NICOLAO : “L'amitié, une pensée qui s’excède (Ph. Lacoue-Labarthe – Roger Laporte)”
Aristide BIANCHI et Leonid KHARLAMOV : “Présentation en avant-première du livre posthume Agonie terminée, agonie interminable – sur Maurice Blanchot (Galilée)”
Jean-Christophe BAILLY : “Présentation en avant-première de La véridiction – sur Philippe Lacoue-Labarthe (Bourgois)”
Rencontre (20h-22h)
Philippe Lacoue-Labarthe : musiques et lectures par Jean-Christophe Bailly et Rodolphe Burger

IMEC - Abbaye d'Ardenne
14280 Saint-Germain la Blanche-Herbe
tél. : 02 31 29 37 37
email : reservations@imec-archives.com
Pour le public souhaitant assister à la journée, possibilité de déjeuner et dîner sur place dans la limite des places disponibles, sur réservation obligatoire auprès d'Estelle Kersalé au 02 31 29 52 37 ou Estelle.kersale@imec-archives.com avant le
jeudi 29 septembre.

Amélie de Beauffort expose

2011-09-02T01:28:00.000-07:00

Amélie de Beauffort expose
avec Frédéric Khodja et Antoine Tarot
(commissariat Sylvie Pic)
du 10 septembre au 7 octobre 2011
“Les perles”
19 rue Pierre Curie (route de Brignoles, au tunnel)
83670 Barjols

http://www.artmandat.com/
http://www.debeauffort.net/

Léonard de Vinci, Le Codex Atlantique

2011-08-06T03:37:00.000-07:00

54.
foglio 696, già 259 r.a-b; 422 x 295 mm
La feuille a été d’abord pliée en deux et puis en quatre. L’écriture respecte ces divisions au verso et à moitié au recto, tandis que l'autre moitié est traversée de dessins de compas et d'autres instruments de dessin. Notes sur la science des poids ; opérations arithmétique imprécises. Etudes de géométrie : décomposition du cercle en parties proportionnelles, quadrature de figures curvilignes. Architecture : bâtiments courbes. Echafaudages.
Extraits de Augusto Marinoni, Leonardo all’Ambrosiana, Milano, Electa, 1982.

« Pompeo Leoni (Milan 1533, Madrid 1608) réussi à obtenir auprès de divers propriétaires des dizaines de livres et de cahiers de Leonard qu’il marque dans un premier temps avec un numéro, puis avec une ou plusieurs lettres de l'alphabet généralement suivi par un chiffre indiquant le nombre de feuillets que comporte le manuscrit. De ces chiffres, et ces spécifications, il s'ensuit qu'il possédait au moins quarante-six volumes. Il avait réuni plusieurs milliers de feuilles, y compris peut-être également certains livrets décousus, sur lesquels pesait un risque élevé de perte ou de destruction. Pour prévenir ce danger, Leoni décide de les rassembler en deux grands albums, l'un de 234, l’autre de 401 feuilles. Dans le premier, il colle les dessins présentant à ses yeux la plus grande qualité artistique, y compris ceux qui concernent l’anatomie, dans l’autre les dessins de machines, les études de géométrie et une masse de notes, de calculs et notes personnelles de toutes sortes. Le premier album a été emporté avec lui en Espagne d'où il a pris la route de l’Angleterre où, au château de Windsor, il a été défait rendant à nouveau aux feuilles individuelles leur liberté. L'autre est celui que l'on a appelé Codex Atlantique du fait du format “atlantique” de ses pages. »

« Dans le champ mathématique les insuffisances de la préparation de jeunesse de Léonard de Vinci étaient importantes, mais la rencontre avec un homme de science a suffit à décider du développement de ses intérêts et de ses résultats. Il s’agit de son ami et mentor Luca Pacioli qui, pour amener Léonard à exécuter les dessins pour De Divina Proporzione, est contraint de lui traduire et expliquer les premiers livres des Eléments d'Euclide. Nous trouvons dans le Codex Atlantico les résumés de la Summa Aritmetica de Pacioli avec lequel Léonard a appris comment opérer avec les nombres fractionnaires. Sur de petites feuilles apparaissent les esquisses géométriques correspondant à divers propositions euclidienne. Lorsque les vicissitudes de la vie séparent l'enseignant et ami de l'élève, Leonard continue seul la recherche de la quadrature des surfaces courbes, et bientôt il est déjà capable de percevoir et de définir la notion de limite, le principe du calcul infinitésimal, et même lorsqu’il tente de remplacer les définitions euclidiennes de point, ligne et surface par d'autres plus satisfaisantes, il parvient à s’exprimer avec les mêmes mots que ceux utilisés par Newton un siècle et demi plus tard. De nombreuses feuilles du Codex accompagnent le développement des mathématiques vinciennes qui jusqu'à ses dernières années insiste sur la quadrature des lunule, sur la transformation des surfaces courbes en surfaces rectilignes et inversement, sur la conception des traités De equatione, De ludo geometrico, pour un total déclaré de cent treize livres. »

32.
foglio 455, già 167 r.a-b; 289 x 434 mm
La double page présente un titre en haut à droite : « De la transformation de surfaces égales rectilignes en diverses figures curvilignes et inversement ». En neuf "lignes" se rassemblent 167 figures de demi-cercles et neuf figures de cercles, mais les demi-cercles valent autant que les cercles entiers, l'autre moitié étant à chaque fois simplement symétriquement sous-entendue. L’ensemble réunit une série d'exercices où se trouve inscrit un carré dans un cercle. Se décomposant et se transformant, les quatre segments circulaires, débordant le carré, sont distribués dans le cercle, variant à chaque fois leur figure. Les parties hachurées correspondent à la surface des segments circulaires, les parties blanches sont toujours l'équivalent de la surface du carré. Dans la ligne du bas certaines figures rappellent la corolle des fleurs.

27.
foglio 389, già 142 r.a-v; 342 x 492 mm
Les deux faces de la feuille ouverte présentent les figures et légendes pour la quadrature des lunules. En particulier, sont étudiées celles de Alhazen, résultant de trois demi-cercles construits sur trois côtés du triangle rectangle. La somme de leurs deux superficies est égale à celle du triangle. Opérations arithmétiques appliquant la règle de trois.

35.
foglio 506 a-b, già 184 v.b-a; 237 x 266 mm e 83 x 84 mm
Les deux feuillets montrent comment Léonard a étudié le texte des Eléments d'Euclide (que Luca Pacioli lui traduisaient).
Sans transcrire les mots si ce n'est pour quelques minimes indications, il retrace par succession de petites figures géométriques le déroulement de la pensée euclidienne.
Le fragment a synthétise, de droite à gauche, les propositions 47, 48 du livre premier, et les propositions quatrième, sixième et peut-être cinquième du livre second. Le coin inférieur droit contient de brèves notes sur le mouvement de l'eau. Le fragment b se réfère à la cinquième proposition du premier des Eléments.

Œil et camera obscura

2011-08-01T07:03:00.000-07:00

http://www.lumen.nu/rekveld/wp/?p=352
The first image I’m aware of where the eye is compared to a camera obscura is from Ludovico Cardi detto il Cigoli, “Prospettiva Pratica”, manuscript Ms 2660A of the Uffizi library, 1613:
Sezione di un apparecchio fotografico stenopeico.
Sezione di un occhio umano.
Cardi detto il Cigoli, Prospettiva Pratica (Ms. 2660A), Gabinetto Disegni e Stampe, Uffizi, Firenze

And there’s another image, by Leonardo da Vinci, from his manuscript D (1508) which is sometimes interpreted as something similar, although there is no mention of a kind of screen in the eye:
Leonardo da Vinci, Observer Looking through a Gloss Model of the Human Eye [Observateur regardant à travers un modèle transparent de l’œil humain], 1508-09, détail, Manuscrit D, Institut de France, Paris.
Léonard de Vinci, Traité de la peinture, traduit et présenté par André Chastel, éd. Berger-Levrault, 1987, p. 168 :
« Comment les images des objets, reçues dans l'œil, se croisent dans l'humeur vitrée. Une expérience, montrant que les images ou apparences des objets, envoyées dans l'œil, se croisent dans l'humeur vitrée. On fait la démonstration en laissant les images des objets éclairés pénétrer par un petit trou dans une chambre très obscure. Tu intercepteras alors ces images sur une feuille blanche placée dans cette chambre assez près du trou, et tu verras tous les objets susdits sur cette feuille, avec leurs vraies formes et couleurs; mais ils seront plus petits et renversés à cause dudit croisement. Ces images, si elles viennent d'un endroit ensoleillé, paraîtront proprement peintes sur cette feuille, qui doit être très fine et vue à l'envers ; et que ce trou soit fait dans une très mince plaque de fer... »
R71 [J.-P. Richter, The literary works of Leonardo, 2e éd. 2 vol., Londres, 1939.]
103. L'œil et la chambre obscure, Institut de France, Paris, Ms. D. f° 8r. n° 103.
La manuscrit D, conservé à l’Institut de France à Paris, est décrit par André Chastel comme étant un traité d’optique en 10 folios (reliure cartonnée d’origine) datant de 1508.

Otto Wols, dessins

2011-08-01T02:43:00.000-07:00

Otto Wols, Autre nébuleuse, 1946, dessin à la plume sur papier, 20,5 x 13 cm.
Préface au catalogue de la vente Otto Wols à Drouot du 15 juin 2011 (œuvres en possession de l’artiste à sa mort prématurée en 1951 à 38 ans et provenant directement de sa succession et de ses ayants droit).
Otto Wols, Autoportrait, Paris, 1936.
« Après des études artistiques et scientifiques en Allemagne, Otto Wols né en 1913 à Berlin, trouvera en France dès 1933 jusqu'à sa mort en 1951, dans le Sud (Dieulefit, Cassis, Marseille) et à Paris une terre d'inspiration pour toutes ses audaces. De son vivant Wols aura fréquenté un univers de créateurs impressionnant, illustrant les textes d'Artaud, Sartre, Kafka, Bryen, de Solier. Ses œuvres seront présentées aux côtés de grands artistes, comme Fautrier, Michaux, Dubuffet, Ernst, Brauner, Giacometti, Tzara, dans des galeries qui auront un rôle majeur dans son émergence. Les intuitions des galeristes René Drouin, Pierre Loeb, Michel Couturier ou encore Alexandre Iolas, étaient fondées puisque l'artiste est considéré comme l'initiateur du tachisme, le chef de file de l'abstraction lyrique et un acteur du surréalisme, pas moins que cela. On comprend pourquoi ses œuvres sont présentes dans les plus grands musées du monde, mais plus tôt encore dans de grandes collections (dont celles de premiers collectionneurs comme Pierre Lévy et Henri-Pierre Roché) certes en France, mais encore aux Etats Unis, au Royaume Uni, en Allemagne, en Suisse... »

Otto Wols, D'une grande finesse, vers 1943, dessin à la plume sur papier, 11,5 x 8,5 cm.

Otto Wols, L'équilibriste, 1947, dessin à la plume sur papier, 15,8 x 11,5 cm.

http://www.deburaux.com/flash/index.jsp?id=10053&idCp=17&lng=fr

http://catalogue.drouot.com/html/d/fiche.jsp?id=1875454&np=1&lng=fr&npp=20&ordre=1&aff=1&r=

Picasso “installation”

2011-07-28T02:36:00.000-07:00

Pablo Picasso, Composition photographique à la “Construction au joueur de guitare”, Paris, atelier du boulevard Raspail, janvier-février 1913, épreuve gélatino-argentique, 11,8 x 8,7 cm.
« Durant les mois suivants, Picasso utilise à nouveau les ressources de la mise en scène photographique avec un autre cliché de son atelier. Il y montre un assemblage composite simulant un projet de sculpture, Construction au joueur de guitare, qui ne sera jamais réalisé mais qui trouve là une existence éphémère et expérimentale. Véritable “installation photographique”, l'assemblage de la Construction au joueur de guitare prend pour fond un grand panneau de toile sur lequel une peinture en cours d'exécution est complétée par des bras de papier journal et une vraie guitare. Les lettres «LAC[ERBA]» font référence au titre de la revue artistique et littéraire créée à ce moment même par le futuriste Ardengo Soffici. De part et d'autre, se côtoient sur le cliché, de gauche à droite : l'affiche – en partie coupée par le cadrage – d'une exposition de Picasso à Munich [Galerie Tannhauser], le collage Nature morte “Au Bon Marché”, un papier collé représentant la caractéristique bouteille treillissée d'Anis del Mono, puis la construction Violon et un guéridon portant la plus générique des natures mortes : un journal, une bouteille, une tasse, une pipe et un paquet de tabac. Cette image “extraordinaire” [Edward Fry, “Picasso, Cubism and Reflexivity”, Art Journal, vol. XLVII, hivers 1988, p. 301] que l'on intitulera Composition photographique à la “Construction au joueur de guitare”, organise une confrontation complexe où se rencontrent le monde réel, l'espace fictif de la toile peinte et dessinée, les objets manufacturés (la guitare, le guéridon, la bouteille), la construction en trois dimensions (le violon), le découpage de papier journal à caractère figuratif (les bras), la représentation stylisée (la bouteille d'anis)... En une telle circonstance, le rôle assigné par Picasso à la prise de vue excède bien la fonction de simple “vérification” et même celle de “manifeste/démonstration” qui lui fut parfois dévolue dans l'invention du cubisme [Fry, 1988, ibid.]. Ici, la photographie a en effet pour propriété de condenser, dans l'aplat continu et homogène de la surface sensible, l'ensemble des éléments réels ou figurés quelles que soient leurs différences de statut, de matérialité, de durabilité […] »
Extrait de Anne Baldassari, Picasso papiers journaux, éd. Tallandier, 2003, pp. 92-95.
Pablo Picasso, Nature morte “Au Bon Marché”, Paris, janvier-février 1913, huile, papier et pièces de papiers journaux collés sur un carton imprimé publicitaire, 23,5 x 31 cm

« Machines
L'image, l'icône et finalement le tableau s'établissent dans l'intégration et le fonctionnement de la contre-projection.
Contre-projection
(Peinture, écran, cinéma, suite à la destruction de l'entité de surface.)
Les marques de l'image (le récit, le contenu littéraire, théorique, social...) tendent à maintenir la perception de celle-ci dans une dimension projective simple, celle du projecteur. En fait, la peinture, la sculpture, le cinéma ou l'architecture ont toujours introduit dans cette "nature projective" une disjonction, une transformation contre-projective, permettant d'introduire dans l'image une ou plusieurs sources projectives différentes. A la projection classique correspondant à la mise en place de l'énoncé imagé, à son installation, s'oppose la contre-projection, projection interne qui tend à transformer, détruire ou brouiller le projet initial.
Cela a donc toujours supposé, depuis les expériences de Brunelleschi, parallèlement à la question du tableau, la construction de machines : des machines optiques de la Renaissance aux machines structurelles, scénographiques et fictionnelles modernes. Pour Cézanne la préparation d'une nature morte est l'arrangement simple de fruits, de pots, etc., sur une table, dans l'espace réel et familier. Pour Picasso, héritant de l'élaboration cézannienne un niveau de vision nouveau, l'objet réel à peindre fait l'enjeu d'une nouvelle mise en situation qui libère son "inquiétante étrangeté": détaché des conditions de support et de repos liées à la pesanteur il ne tombe pas, il est suspendu.
Cette situation non naturelle d'un objet pour la peinture amène au relais de l'assemblage, à l'invention du "collage en relief ".
L'atelier aussi est une machine fictionnelle. »
Christian Bonnefoi, “Sur l'apparition du visible”, entretien, in Macula 5/6, 1979, pp. 194 à 228 repris dans Christian Bonnefoi, Ecrits sur l’art (1974-1981), éd. La Part de l’Œil, 1997 (extraits des pp. 173 et 186).

Rodin, les dessins

2011-07-23T05:57:00.000-07:00

Extraits du catalogue Rodin. L’exposition de l’Alma en 1900, Réunion des Musées Nationaux, 2001.

193. Cavalier au galop de profil à droite
Mine de plomb, plume, encres brune et rouge, lavis brun sur papier crème collé sur un papier de support.
H. 18,7 ; L. 16 cm. Vers 1880

Si Rodin a choisi d'exposer à l'Alma [“Pavillon de l’Alma” que Rodin fit construire expressément pour organiser une exposition de ses œuvres sur « un emplacement stratégique, à proximité immédiate de l’enceinte officielle de l’Exposition universelle »] surtout ses dessins les plus récents et les plus modernes, on peut aussi compter de manière assez inattendue certains dessins de la période “noire” inspirés de L’Enfer de Dante et de Michel-Ange, qui datent des années 1880. Ils étaient exposés groupés par trois, quatre ou six et ont malheureusement été démontés depuis, ce qui rend leur identification extrêmement difficile. Ce cavalier de qualité exceptionnelle n'échappe pas à la règle. […]
Ce cavalier époustouflant au lavis d'encre et à la gouache contraste d'autant plus avec les dessins “modernes” qui vont suivre, à la technique plus simple, qu'il est ici isolé et qu'il rappelle avec force le rattachement de Rodin à la tradition romantique et visionnaire des Goya ou Géricault. En présentant les dessins de cette tradition, Rodin montre lucidement qu'il est aussi issu de ce XIXe siècle finissant.
Christina Buley

194. Femme nue agenouillée contre un corps allongé
Éros. Deux figures
Mine de plomb et aquarelle sur papier crème, piqué, collé en plein sur carton.
H. 32,6 ; L. 38,8 cm.

Rodin comparait le corps d'une femme cambrée en arrière à un bel arc sur lequel Éros ajuste ses flèches invisibles.
Deux dessins aquarellés sont réunis ici. Le titre même [mentionné dans le] cahier gris le laisse entendre : Éros. Deux figures. Plusieurs dessins ont pour sujet le personnage d'Éros au corps d'adolescent allongé et appuyé sur ses avant-bras. On en dénombre une dizaine. À partir d'un découpage, encore existant, qui servait d'étalon et de papiers-calques intermédiaires qui auraient disparu, Rodin a conçu des variantes de ses silhouettes dont il jouait comme de marionnettes et qu'il mettait en couleur ultérieurement. D'une feuille à l'autre, on observe qu'Éros pivote sur son axe et que Rodin l'associe à d'autres nus. Ici, la femme aux bras étendus rappelle fort celle du dessin D. 5060 (cat. 195). Cet aspect du dessinateur qui fabrique son sujet de manière très expérimentale était et est encore à ce jour totalement inconnu et inexploré et il est surprenant de lui donner la date de l'Alma.
La série d'Éros a été remarquée par la critique Clara Quin (1), ce qui prouve que le placement, non permanent, de certains dessins dans des casiers n'empêchait pas le public d'y avoir accès.
Claudie Judrin

1. Clara Quin, critique d'art à l’Art Journal de Londres, qui écrivait sous le pseudonyme masculin de Charles Quentin, rapporte le sentiment de Rodin qui « considère ses dessins comme une synthèse du travail de sa vie. Ils lui plaisent comme des impressions très rapides, très directes qui selon lui sont très complètes, donnant la forme, le modelé, le mouvement, le sentiment [...]. Autrefois, il faisait ses dessins à l'aquarelle très foncée, très ombrée pour donner l'effet de la sculpture. Peu à peu, il a simplifié le procédé jusqu'à ce qu'il soit arrivé à dessiner seulement les contours, remplis de couleur très délicate puis dernièrement de couleur plus forte, ce qui donne l'effet de figures modelées en terre cuite... Pour la plupart ces dessins ressemblent, comme couleur, à la vieille terre cuite et, comme forme, aux antiques. » “Le musée Rodin”, The Art Journal n° 745, juillet 1900, pp. 213-217.

George Morot rapproche ces dessins des tanagras et des affiches “1900”. Rodin lui-même parlait d’« instantanés d’un genre variant entre le grec et le japonais ».

Une photographie ancienne nous révèle le dessin déposé le long du mur de la salle des photographies du pavillon de l'Alma, derrière le torse d’Ugolin, dans un cadre blanc non encore accroché.

195. Femme nue de face, agenouillée et les bras écartés
Sirène sortant de l'eau, la tête en avant

Mine de plomb et aquarelle sur papier beige collé en plein sur carton.
H. 25,1 ; L. 32,6 cm.
Cette sirène sortant de l'eau est en perspective, de face et en vue plongeante. Rodin aimait à évoquer des baigneuses au corps en partie immergé. Cette femme est en quelque sorte la figure féminine et solitaire du couple du dessin D. 4773 (cat. 194).
Claudie Judrin

197. Jeune Corps s'étirant, coudes hauts, contre une femme agenouillée
Éros et une femme

Mine de plomb et aquarelle sur papier crème collé en plein sur carton.
H. 50,5 ; L. 32,7 cm.
Nous sommes bien aise que Rodin ait donné le titre Éros à ce jeune corps allongé, confirmant ainsi son désir d'en faire une série (cf. cat. 194). Il a complété sa qualification par le terme “panneau décoratif” qui ne manque pas de justesse si l'on considère le mouvement de ces deux corps comme une sorte de vase à deux anses. La journaliste Clara Quin disait de Rodin qu'il « cherch[ait] souvent des formes de vases dans le corps humain, parce que, après tout, le corps est un vase puisqu'il contient tout ce que nous sommes ».
Claudie Judrin

[Il n’est pas interdit de penser ici aux assemblages de torses féminins avec des poteries antiques réalisés par Rodin vraisemblablement dans la période 1895-1905. Voir Nicole Barbier, “Vases où poussent les fragments”, Le corps en morceaux, catalogue, Musée d’Orsay, Réunion des Musées nationaux, 1990, pp. 237-239, fig. 497 à 502.]

238. Nu féminin agenouillé portant un deuxième nu sur ses épaules
Femme portant Éros sur son cou

Mine de plomb et aquarelle sur papier collé en plein sur carton.
H. 32,4 ; L. 47 cm.
L'Éros que cette femme porte sur ses épaules fait partie des recherches sur ce personnage pivotant dans diverses postures que Rodin associe à différents modèles (cf. cat. 194). L'exposition de l'Alma regroupait au moins six des Éros dont on évalue le nombre à une dizaine au moins.
Claudie Judrin

Rodin, assemblage

2011-07-20T07:21:00.000-07:00

« Rilke dans sa lettre à Clara, le 2 septembre 1902, raconte sa première visite à Meudon : « Rien que des fragments, côte à côte, sur des mètres. Des nus de la grandeur de ma main, d'autres plus grands, mais rien que des morceaux... Pourtant, mieux on regarde, plus profondément on ressent que tout cela serait moins entier si chaque figure l'était. Chacun de ces débris possède une cohérence si exceptionnelle et si saisissante, chacun est si indubitable et demande si peu à être complété que l'on oublie que ce ne sont que des parties, et souvent des parties de corps différents, qui se ressemblent si passionnément ici. On devine soudain qu'envisager le corps comme un tout est plutôt l'affaire du savant, et celle de l'artiste, de créer à partir de ces éléments de nouvelles relations, de nouvelles unités, plus grandes, plus légitimes, plus éternelles ; et cette richesse inépuisable, cette invention infinie, perpétuelle, cette présence de l'esprit, cette pureté et cette véhémence de l'expression, cette jeunesse, ce don d'avoir sans cesse autre chose, sans cesse mieux à dire, sont sans équivalent dans l'histoire humaine... » »

Auguste Rodin, Assemblage : torse de la Centauresse et étude pour Iris, 1900-1910.

Nicole Barbier, “Assemblages de Rodin”, Le corps en morceaux, catalogue, Musée d’Orsay, Réunion des Musées nationaux, 1990, pp. 241-251.

« La multiplicité du travail de Rodin est telle que certains aspects en sont encore tout à fait méconnus. Si les œuvres de caractère achevé et classique sont maintenant bien connues, il n'en est pas toujours de même de celles qui présentaient pour lui un caractère expérimental. On a insisté pendant des décennies sur l'exceptionnelle activité de modelage du maître sans toujours se rendre compte d'un autre mode de travail qu'il a tout autant pratiqué, celui de l'assemblage. Les visiteurs de ses ateliers qui ont l'occasion d'observer ces travaux les considèrent, à cette époque, comme des étapes préliminaires à des compositions plus abouties, ou des essais non utilisés pour la Porte de l'Enfer. On n'en parle guère dans les comptes-rendus, tout juste se moque-ton des œuvres fragmentaires exposées en 1900 au Pavillon de l'Alma.

Auguste Rodin, Assemblage : torse de la Centauresse et torse féminin, 1900-1910.

Lors de sa première visite à Meudon, le 2 septembre 1902, Rilke remarque surtout ces morceaux, sans voir qu'ils proviennent souvent du même moule […] ce travail d'assemblage, il va jusqu'à l'expliciter dans son texte de 1903 : «... des parties de corps différents qui, par une nécessité intérieure, adhèrent les unes aux autres, se rangent pour lui d'elles-mêmes en un organisme... Cette découverte est à l'origine de la manière de grouper les formes, chez Rodin ; ainsi s'explique que les figures soient liées les unes aux autres d'une façon aussi inouïe, que les formes tiennent ensemble, ne se lâchent à aucun prix. Il ne prend pas pour point de départ les figures qui s'étreignent, il n'a pas de modèles qu'il dispose et groupe. » […]

Auguste Rodin, Assemblage : torse de la Centauresse et Adolescent désespéré, 1900-1910.

L'intérêt réel porté à ces assemblages existe depuis moins de trente ans. C'est tout d'abord l'exposition “Rodin inconnu”, présentée au Louvre en 1962-1963, qui attire l'attention sur ces travaux, mais seuls y sont présentés quelques figures dans des vases antiques ou des petits groupes assez peu fragmentaires. Il faut attendre l'exposition de Washington de 1981-1982, “Rodin rediscovered”, pour voir Albert Elsen s'intéresser au sujet de façon plus scientifique, mais avec un nombre d'exemples restreint. A cette époque, les réserves de Meudon n'étaient pas classées et il était encore difficile de se rendre compte de la proportion exacte de cette production. Aujourd'hui, on peut réellement faire le point, et constater qu'elle est fort importante. Le recul du temps permet de saisir la modernité de ce travail qui va pouvoir, petit à petit, être montré au public, après nettoyage et restauration. Il n'a en effet pas bénéficié des mêmes soins de conservation que les pièces plus achevées. Néanmoins, il nous éclaire sur la façon de procéder de Rodin, parfois très artisanale et en tout cas très inventive.
Il ne fait en effet aucun doute que ce procédé de l'assemblage a été l'une des sources les plus vivifiantes de la sculpture de Rodin. Quelques exemples en sont fort bien connus, ayant donné lieu à des transpositions en d'autres matériaux. […] Outre les plâtres de Meudon, nous en conservons le témoignage par des photographies annotées ou retouchées, fixant un état avant sa transformation. Une série de dix tirages est particulièrement instructive en ce qu'elle montre plusieurs variantes de l'assemblage d'un Adolescent désespéré avec l'Aube. Il s'agit de quatre prises de vues différentes, certaines ayant donné lieu à des montages. L'une d'elles, tirée à quatre exemplaires, nous montre la figure de l’Aube tournée vers la table, reposant sur ses coudes et ses genoux, le torse de l’Adolescent désespéré plongeant sur elle. […]

L’aurore, vers 1900.

Sur le montage, la mention “l'aurore contrepartie du crépuscule’ indique une idée de sujet qui pourrait correspondre à celui exposé en 1900 sous le titre “Le Crépuscule et la Nuit”. […] Sur [un autre] cliché la position de l'homme a changé, devenue verticale. […] ajouté ultérieurement la mention “Dans (?) la mer”.

“Dans la mer”, vers 1900

Les deux tirages suivants montrent une disposition différente : l’Adolescent est maintenant à plat ventre, retenant par les jambes la femme en position verticale. Là encore les deux clichés ont été retouchés, principalement au niveau des jambes et du dos de l'homme.

L’aurore, vers 1900.

Il existe à Meudon une autre variante de cet assemblage : l'Adolescent est dressé, portant au-dessus de lui la figure de l'Aube à laquelle la tête a été enlevée. Il est fort probable que plâtre et photographies sont tout à fait contemporains, datant peut-être de l'année 1900. […]

Assemblage : Adolescent désespéré portant l’Aube, vers 1900.

En l'état actuel de nos recherches, il nous semble pouvoir affirmer que les assemblages datent essentiellement de la période 1900-1910. A cette époque, ce n'est plus le modelage qui intéresse Rodin, mais l'agencement de formes dans l'espace, d'une façon un peu abstraite puisque le corps humain utilisé n'a pas besoin d'être complet. Lorsque l'on sait le nombre d'artistes qu'il reçoit, en visiteurs ou en praticiens, on ne peut s'empêcher de penser que cet aspect de son œuvre n'a pas pu ne pas influencer des formes de sculptures plus contemporaines. »

Ingres collages

2011-07-17T07:38:00.000-07:00

Adrien Goetz, Ingres collages. Dessins d’Ingres du Musée de Montauban, Musée Ingres, Le Passage Editions, 2005.

« Découpages, montages et collages, matériaux assemblés
Ce n'est pas parce que Le Chef-d'œuvre inconnu de Balzac a ému Cézanne jusqu'aux larmes et qu'il a été illustré par Picasso qu'il est “moderne”. La nouvelle, qui décrit la première toile abstraite avant l'abstraction, était déjà “moderne” aux yeux de ses premiers lecteurs, quand elle parut, en une première version, dans la revue L'Artiste. Peut-être parce qu'ils y reconnaissaient certains traits du combat des romantiques et des classiques, des phrases inspirées par Delacroix ou par Ingres.
De la même manière, ce n'est pas parce que les artistes du XXème siècle ont inventé le collage bien après Ingres – et en ignorant à quel point le peintre de Montauban avait été précurseur – que les collages d'Ingres sont “modernes”. Le propos n'est pas ici de faire entrer de force ces papiers découpés, rapiécés, raboutés, dans le champ de la modernité, de les inscrire, malgré M. Ingres, dans la grande saga épique conduisant “nécessairement” aux collages de Braque, de Picasso, d'Ernst ou de Duchamp.
Les collages d'Ingres sont modernes en leur temps, cela suffit. Parce qu'ils sont singuliers. Parce qu'ils le révèlent. »

« Equations
Avant Rodin, Ingres comprend que l’on peut assembler des éléments isolés d'œuvres antérieures, pour, en les combinant, créer autre chose. Dans l'atelier de Rodin, on parle de “marcottage”, technique de greffe, en botanique, dont le nom ne dérive nullement, malgré les apparences, de celui de la famille Marcotte, les amis d'Ingres.
Le collage – marcottage – prend alors la forme d'une équation : le bras de Démosthène croqué pour L'Apothéose d'Homère “plus” le visage de Virgile mis au carreau pour Virgile lisant l'Énéide “donnent” une étude pour Homère déifié. Ailleurs, le collage sert pour la “mise en place”. Un calque de Platon collé à un calque de Socrate “donne” le dessin qu'il suffira de mettre au carreau pour le reporter sur la toile de L'Apothéose d'Homère. »

Démosthène, bras (réalisé pour L'Apothéose d'Homère, Louvre, 1825); collé : Virgile, tète (destine au tableau de Bruxelles Virgile lisant “L'Énéide”, 1812, également adapté dans Homère déifié, Louvre, 1864-1865). Mine de plomb sur papier végétal, collé sur calque, 14,1 x 11,7 cm.

« Des mots collés aux images
Les morceaux de textes collés envahissent tout dans une feuille pour L'Age d'or – peut-être faite pour préparer le grand dessin du musée de Lyon. Les croquis passent en marge, et pour certains, au verso. Les paperolles proustiennes ne sont pas loin. Ingres colle des papiers sur d'autres papiers, parfois en travers. Il mélange tout : « La nuit, l'Érèbe, le chaos, la naissance des monstres, [...] pêches, poires, pomi d'oro, figues, œillets, camomille, printemps, les fleurs tombent de toute part. » Le lecteur peut lire cette page comme il regarderait un dessin fait avec des lettres, promener ses yeux sur cette profusion, piquer un mot, cueillir une bribe de phrase. Ingres gribouille, il faudrait inventer “cacogramme” pour qualifier ces indéchiffrables calligrammes. Le sens est clair : la richesse du monde fait éclater le papier, qui ploie sous la pluie des mots. Un chaos dont la composition peinte, sur les murs, à Dampierre, aura bien du mal à sortir.
Sur trois autres feuilles assemblées, toujours en vue du dessin de Lyon, Momméja, le premier qui ait étudié les dessins de Montauban, a écrit “premières pensées de la composition”. Le dessin s'y mêle franchement au texte. Ingres commence à assembler ses idées – à moins que ce ne soient ses groupes de personnages. Tantôt il dessine, tantôt il écrit, et la phrase devient ainsi l'équivalent mental d'un dessin à faire : “un arbre s'élève au milieu du repas”, aucun besoin de le montrer. Ce sont des notes prises par l'artiste pour lui-même; cet arbre, il le voit. »
Notes manuscrites et quelques croquis pour L'Âge d'or. Plume sur quatre papiers, mine de plomb sur calque pour quelques collés, 40,5 x 49,3 cm.

Pierre Tal-Coat

2011-07-12T02:41:00.000-07:00

Pierre Tal-Coat, crayons sur papier, 1977, 12 x 34 cm.
« L'espace de Tal-Coat c'est l'espace du paysage, non d'un paysage-spectacle mais d'un paysage-milieu. Le paysage n'est pas en face de nous comme un ensemble d'objets à moins que nous ne l'ayons converti en site, c'est-à-dire en géographie pittoresque. Il nous enveloppe et nous traverse. Nous sommes immergés en lui : notre Ici ne se réfère qu'à lui-même. Où que nous portions nos pas, notre horizon se déplace avec nous. Nous sommes toujours à l'origine. Nous sommes perdus. Et nous serions condamnés à cette perdition et à l'errance si nous ne hantions le monde autour de nous à partir de certains foyers. Un peintre n'est pas un œil – mais un regard. Et regarder c'est pour le peintre se constituer en foyer du monde […]
Le geste de Tal-Coat est des plus aigus parmi tous ceux qui ont transformé la surface d'une toile ou d'une feuille de papier en espace du monde et de l'homme. Cette acuité n'est pas seulement dans le trait de ses dessins mais dans la texture même de sa peinture. Une ligne ou une surface de Tal-Coat n'est jamais un tracé, n'est jamais objet mais trajet. Nous n'y lisons pas la forme calculée d'un geste ; nous y suivons un geste créateur d'espace qui abolit toutes les formes dans un éclatement de pulsions rythmiques où le mouvement, croissant à travers sa propre genèse, n'a pas d'autres coordonnées que son rythme. Mais cette liberté qui n'est pas un signe de l'homme, mais l'acte même de l'homme, est en accord avec le monde qu'elle dévoile et qui s'esquisse en elle au-delà de la rumeur indistincte des ombres éparses et des clartés errantes, avec le monde comme “Voix vive” – comme dit si bien Pierre Schneider. »
Henri Maldiney, Aux déserts que l’histoire accable. L’art de Tal-Coat, Deyrolle Editeur, 1996, pp. 58-59.

Pierre Tal-Coat, lavis sur papier, 1982-83, 50 x 65 cm.

"Pierre Tal Coat – peintures et dessins- 1946-1985". Exposition au Musée des Beaux-Arts à Mons jusqu’au 17 juillet 2011.

Exposition de fin d'année

2011-06-09T04:28:00.000-07:00

Christine Ott Ausstellung

2011-06-08T05:20:00.000-07:00

Christine Ott und Monika Humm
Ausstellung “Flächenspiele mit Raum und Zeit”
Galerie Bezirk Oberbayern

Christine Ott: v.v.10.018, 2010, Tusche auf Papier, 72 x 96 x 3 cm

Flächen sind die Grundbausteine, mit denen sich Monika Humm malerisch und Christine Ott grafisch auseinandersetzen. Die beiden Münchner Künstlerinnen spielen mit der räumlichen und zeitlichen Ebene und stellen dabei die Wahrnehmung der Betrachter auf die Probe. Zu sehen sind die Arbeiten ab 8. Juni in der Galerie Bezirk Oberbayern.

Christine Ott (geboren 1964 in München) wuchs in Italien und Belgien auf. Sie studierte an der Kunstakademie in Brüssel bei Prof. Lucien Massaert und Dany Vienne und im Anschluss Kommunikationsdesign an der FH München bei Prof. Heiner Hoier. Ott arbeitet vorwiegend mit Tusche. Sie bringt Flächen und Linien auf Papier und schneidet es in dünne Streifen oder kleine Rechtecke, die sie dann in dem unendlichen Raum kombinatorischer Möglichkeiten aneinanderreiht und fixiert. So erstellt sie mit einfachen Mitteln Strukturen, in denen spielerisch Unregelmäßiges und Regelmäßiges sowie Absichtliches und Zufälliges aufeinandertreffen. Jede ihrer seriell erstellten Grafiken lässt sich waagerecht, senkrecht, diagonal und „chaotisch“ sowie in Beziehung zu ihren anderen Arbeiten lesen. Der Aufbau folgt wiederkehrenden Ordnungsprinzipien wie dem der Teilung von Flächen oder der Wiederkehr der Beziehung „Teil und Ganzes“ auf unterschiedlichen Ebenen.

Galerie Bezirk Oberbayern

Prinzregentenstraße 14,

80538 Münchenge

öffnet Mo-Do 8-17 Uhr und Fr 8-13 Uhr, feiertags geschlossen

Vernissage: 8. Juni 2011, 18 Uhr

Ausstellung: bis 29. Juli 2011

http://www.bezirk-oberbayern.de/showobject.phtml?object=tx%7C360.756.1%7C&ModID=7&FID=379.3815.1&NavID=360.79&La=1

Journée d'études - L’invention de l’œuvre

2011-06-07T06:30:00.000-07:00

L'INVENTION DE L'OEUVRE
RODIN ET LES AMBASSADEURS
JOURNEES D'ETUDES LES 8 ET 9 JUIN AU MUSEE RODIN

Dans le cadre de l’exposition « L’invention de l’œuvre – Rodin et les ambassadeurs », le musée Rodin organise les 8 et 9 juin 2011 un colloque au cours duquel seront abordées les questions essentielles du regard, de l’interopérabilité des œuvres, des procédures et instances d’invention et d’instauration des œuvres de même que des questions liées au travail artistique de Rodin et dans l’art du xxe siècle.

Mercredi 8 juin de 9H30 à 17H30

Aline Magnien, Inventer l’œuvre
Agnès Cascio et Juliette Lévy, Les trente bustes de Clémenceau
Jean-Luc Nancy, L’opération
Stephen Bann, La sculpture et sa reproduction : moulage, gravure, photographie
Jean-Christophe Bailly, Vers le brouillon général
Peter Szendy, L’œuvre point
Alexandre Vanautgaerden, L’art contemporain dans les lieux de mémoire

Jeudi 9 juin de 10H à 12H

Bénédicte Garnier, La maison à l’œuvre. Fantaisies de la Villa des Brillants à Meudon
Federico Ferrari, L’art, la vie ou la puissance de l’œuvre. The Weather Project
Jean-Christophe Bailly et Tanguy Viel, Fin ou suspens : la forme comme souvenir ?

Auditorium du Musée Rodin
21, boulevard des Invalides
75007 Paris
http://www.musee-rodin.fr
Accès libre dans la limite des places disponibles.
Ouverture des portes 30 minutes avant le début de la journée d’études

L'INVENTION DE L'OEUVRE. RODIN ET LES AMBASSADEURS
6 MAI - 4 SEPTEMBRE 2011

JEAN ARP, MARCEL DUCHAMP, JOAN MIRO, JEAN FAUTRIER, LUCIO FONTANA, JEAN DUBUFFET, ALBERTO GIACOMETTI, WILLEM DE KOONING, JOSEPH BEUYS, MARCEL BROODTHAERS, EDUARDO PAOLOZZI, ANTHONY CARO, CY TWOMBLY, ERIC CAMERON, RICHARD SERRA, BRUCE NAUMAN, HAIM STEINBACH, SOPHIE RISTELHUEBER, UGO RONDINONE, DOUGLAS GORDON, URS FISCHER.

Paul Noble

2011-06-07T06:13:00.000-07:00

Paul Noble, Ye Olde Ruin, 2003-2004, graphite on paper, Collection Museum Boijmans Van Beuningen

Paul Noble has produced an extraordinary amount of work that combines meticulous craft with a political vision to produce a synthesis of drawing, architecture, philosophy and satire.
Born in Northumberland, Noble was a founding member of City Racing, an influential art space in London in the 1990s. His work has since been exhibited internationally and is held in the collections of Tate and the Museum of Modern Art, among others.

This publication contains essays by Iwona Blazwick, Ingrid Rowland and Anthony Spira, as well as photos, drawings and associated material selected by Paul Noble.
Paperback, 196 pages, colour and b/w illustrations. Co-published by the Whitechapel Gallery, London, Migros Museum, Zurich, and Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, 2004.

La première monographie sur l'artiste britannique, présentant une œuvre de 10 ans autour d'une ville dystopique imaginaire. Publié à l'occasion des expositions de Paul Noble à la Whitechapel Art Gallery, Londres, septembre - novembre 2004, et au Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich, janvier - mars 2005.
Paul Noble est né en 1963 en Grande-Bretagne.
Dirigé par Heike Munder et Anthony Spira.Textes de Iwona Blazwick, Heike Munder, Ingrid Rowland, Anthony Spira.
http://www.whitechapelgallery.org/shop/index.php/fuseaction/shop.product/product_id/145?session_id=1307447152586bff9d342a74c82d1546c88471eb28

Le papier à l’œuvre

2011-06-05T01:18:00.000-07:00

Le papier à l’œuvre
Le Louvre – Arts graphiques
du 9 juin au 5 septembre 2011.
« Une exposition consacrée par le Louvre et Canson aux artistes et au papier du XVe siècle à aujourd’hui.
Blanc, coloré, transparent, huilé, tramé ou filigrané, découpé, déchiré ou malmené, récupéré, le papier est un acteur à part entière du dessin. En témoigne cette exposition qui rassemble une soixantaine d’œuvres, du XVe siècle à aujourd’hui. Organisée en cinq ensembles, elle démontre la vivacité des ressources esthétiques du papier.
Le premier ensemble s’attache aux papiers de couleur : papier rose, avec des œuvres de Botticelli, Degas ou Robert Barry ; papier bleu, avec notamment un dessin de Lavinia Fontana ; et huiles sur papier, support très en vogue à partir du XVIIIe siècle.
Le deuxième propose une promenade à travers les métamorphoses du papier : feuille composite de Rubens, papiers collés de Braque et de Picasso, gouaches découpées de Matisse…
Le troisième confronte des papiers choisis pour les effets qu’ils permettent ou fabriqués à la demande à des papiers récupérés par les artistes, comme le verso d’une gravure coupée ou un morceau de carte à jouer.
Le quatrième ensemble est consacré aux papiers transparents et de report, avec des œuvres de Le Brun, Cross ou Pierre Buraglio.
Enfin, la dernière partie présente presque uniquement des œuvres de la fin du XXe siècle – superpositions de Claude Viallat, tressages de François Rouan, papiers meurtris de Miquel Barceló ou de Christian Jaccard. »

http://www.louvre.fr/llv/exposition/detail_exposition.jsp?pageId=1

Conférences d'histoire de l'art
Lundi 20 juin 2011 à 12h30
Présentation d'exposition : Le papier à l'œuvre par Nathalie Coural, C2RMF et Hélène Grollemund, Musée du Louvre

« Attesté dès le IIe siècle avant J.-C. en Chine, le papier voyage à travers le temps et l’espace, suscitant l’intérêt et des développements incessants pour devenir le matériau de l’écriture et la matière des artistes.
A chaque génération, le papier est en effet acteur à part entière du dessin. C’est ce que propose de montrer l’exposition Le papier à l’œuvre, en rapprochant des œuvres anciennes de dessins modernes et contemporaines choisis dans les collections publiques et privées françaises.
Qu’elle soit blanche ou colorée, lisse ou tramée, transparente ou non, la feuille recueille la pensée de l’artiste, ses observations, ses hésitations. […] Il peut aussi découper sa feuille, la coller et la punaiser et, tel Matisse, « dessiner directement dans la couleur ». Pour achever une figure en pied, l’artiste ajoute une bande de papier, pour décrire une longue procession, il assemble plusieurs feuillets entre eux (Stefano della Bella).
Le papier est toujours choisi, quelles que soient les circonstances. Usagé, récupéré, car il faut créer coûte que coûte, l’artiste l’ennoblit : c’est le papier de fortune. Fabriqué pour lui à dessein, à partir du XIXe siècle, c’est le papier d’art dont le grain accroche, par exemple, la craie Conté de Seurat. Enfin, aux XXe et XXIe siècles, les artistes s’emparent librement de la matière du papier… dans des assemblages éclatants, des imbrications, des superpositions ou des imprégnations d’encres ; pour la mutiler, la meurtrir aussi, par déchirure, perforation, voire même par brûlure…
Hélène Grollemund a contribué à plusieurs expositions présentées au musée du Louvre : Rembrandt dessinateur (2006), Renaissance et maniérisme aux Pays-Bas (2008), Maîtres du dessin européen du XVIe au XIXe siècle (2009-2010), et bientôt, avec Pascal Torres Guardiola, Les Belles Heures du duc de Berry (2012).
Natalie Coural est membre des comités de lecture de différentes revues concernant le papier, Support-Tracé, PapierS et collabore à l’organisation de colloques pour l’International Association of Paper Historians (IPH). Elle participe aussi à des groupes de recherche sur l’histoire de la restauration des œuvres graphiques et a publié plusieurs articles sur le sujet, notamment dans la revue Techné et à l’ICOM-CC. »

André Masson, Vingt-deux dessins sur le thème du désir

2011-06-04T03:21:00.000-07:00

‎« […] Devant ce qui précède, plus d'un lecteur sera enclin à penser : mais c'est de l'automatisme, la manifestation de l'inconscient. Point. Car il n'est pas un de ces dessins dont je ne puisse expliquer le symbolisme. Il me serait même facile de discerner pour la plupart d'entre eux une origine. Dans l'un, le souvenir d'un entretien amical sur Bachofen, dans tel autre une variation sur l'horreur du sol où le plumage est pris ; plus loin les fruits d'une méditation sur les emblèmes — à travers l'histoire des hommes — des idées d'envol et de chute, ou bien l'écho d'une conversation à bâtons rompus sur des singularités érotiques, mêlé à des considérations sur l'attirance du gouffre et l'amour des hauteurs. Bref, les résultats d'une culture, et d'un commerce. […]
Il y a plus. La tentative d'une expression de l'inconscient par le truchement du dessin, à l'origine du surréalisme, tendait au document psychiatrique, sans souci esthétique. A tel point qu'il n'était pas nécessaire de savoir, paraît-il, dessiner et encore moins de savoir peindre. Vers 1930, un tournant, comme on le sait : il fut souhaitable de renouer avec l'académisme. Est-il nécessaire de dire que ce ne fut jamais mon penchant (du moins, je l'espère). Au contraire, je crois bien que, pour la capture qui nous occupe, ce n'est pas la maladresse enfantine ou le graphisme idiot du désœuvrement que j'envierai ; et encore moins des minuties d'épileur morose, mais la libre virtuosité d'un Goya ou la longue expérience d'un Hokusaï. […] »
André Masson, Vingt-deux dessins sur le thème du désir, éd. Fourbis, 1992, pp. 10-11.

André Masson “Vignes et vergers faits d’une multitude d’hommes et de femmes entrelacés”, 1947.

‎André Masson, introduction de Jean-Paul Sartre, Vingt-deux dessins sur le thème du désir, Fernand Mourlot, Paris, 1961.

« Les Vingt-Deux Dessins, par la vitesse et la maîtrise de leur exécution, représentent l'épanouissement suprême du graphisme tel qu'André Masson l'a développé à travers les dessins automatiques et les figures mythologiques. La vitesse est la preuve de l'automatisme : Masson n'aurait pu autrement couvrir vingt grandes feuilles (50 x 65 cm) en une journée ; quant à la maîtrise, elle saute aux yeux tant par l'organisation de l'espace que par la vivacité des figures, mais ce comble de réussite entraîne la contestation de tout le trajet qu'il accomplit : "Je m'aperçus tout à coup, que longtemps j'avais emprunté les manières du dessin pour les introduire avec excès dans mes tableaux, afin d'exprimer les formes en devenir. Et voilà que mes réflexions me mettaient en face de cette vérité impitoyable : la ligne, même juxtaposée à des taches colorées et fuyantes, limite l'action. Ces lignes, en somme, ce n'étaient que des squelettes de mouvement... » (“Métamorphose de l'artiste”, chapitre II, pp. 53 et 54)." (Bernard Noël, André Masson, Gallimard, 1993, p. 124.)

« Cette réflexion sur l'altérité va au-delà des monstres, étudiés dans l'article sur Masson, qui servaient d'intermédiaires à cette théorie des fluidités, des flux et des tourbillons qui travaille Sartre à cette époque et s'ouvre vers les arts de l'expressionnisme abstrait, de l'abstraction lyrique et du tachisme, pouvant lire ainsi, dans les Vingt-deux dessins sur le thème du désir, « l’annonciation encore incertaine d’une autre manière ». A propos du vertige transformationnel de circulations et d'apparences, Sartre écrivait : « Masson est amené par là à retracer toute une mythologie des métamorphoses : il fait passer le règne minéral, le règne végétal et le règne animal dans le règne humain ». (1) Cette pénétrabilité des formes et des règnes est faite pour témoigner d'une sorte de conflit dans les matériaux qui ne quittera plus Sartre et qui sera l'un de ses thèmes majeurs dans l'art, jusqu'au dernier texte « Coexistences », sur Rebeyrolle, en 1970. De Masson, il entrevoit, sous-jacente, une sexualité perverse, qui le rapprochait, dans cet immédiat après-guerre, de Bataille :
« Et toujours dans le même esprit, pour unir ces formes ambivalentes par des relations intimes qui soient en même temps des répulsions et des dissonances, il invente de les opposer dans l'indissoluble unité de la haine, de l'érotisme et du conflit. (2) »
Érotisme et conflit traversent le monde de Masson, sous la plume de Sartre, comme celui de Wols et de Rebeyrolle un peu plus tard. A lire la suite, on sera saisi par la sexualité généralisée que Sartre souligne, mais qui n'est que la révélation d'une structure d'antagonisme plus vaste :
« Quand il dessine Deux arbres, en 1943, ce n'est pas assez que ces arbres soient homme et femme à demi : encore faut-il qu'ils fassent l'amour ; et dans Le Viol, en 1939, les deux personnages se fondent l'un à l'autre dans l'unité béante et douloureuse d'une même blessure, d'un même sexe. Ainsi naissent les sujets : viols meurtres, combats singuliers, éventrements, chasse à l'homme ». (3)
Notons la poétisation de la blessure comme sexe, fréquente chez les surréalistes, n'est que le creuset où se lit toute notre sensibilité faite d'opposition et de clivages, entre le masculin et le féminin, la vie et la mort, l'humain et l'inhumain. L’anti-humanisme de Sartre, à travers ce devoir de monstruosité, se lit à livre ouvert »

1. Jean-Paul Sartre, “Masson”, Situations IV, pp. 400-401.
2. Ibid, p. 401.
3. Ibidem.
© Michel Sicard www.michel-sicard.fr

http://michel-sicard.fr/textes/sartre/sartre-esthetique.pdf

L’image pense.

2011-05-22T07:07:00.000-07:00

L’image pense. Image et langage chez Aby Warburg, Ernst Cassirer et Erwin Panofsky
Centre Allemand d’Histoire de l’Art, Paris

Conception et organisation :
Journées de recherche organisées à l’initiative de Maud Hagelstein (F.R.S-FNRS, ULG, Belgique), Audrey Rieber (eikones, Bâle, Suisse), Muriel van Vliet (Centre Allemand d’Histoire de l’Art, Paris et Université de Rennes 1)

Présentation :
Deux volets :
1/ Mardi 31 mai 2011 (Centre Allemand d’Histoire de l’Art, Paris)
Premier volet organisé par le Centre Allemand d’Histoire de l’art de Paris dans le cadre du thème annuel « Parler par l’image- Parler sur l’image ».
2/ Le second volet de ces journées se tiendra le vendredi 16 décembre 2011 à l’Université de Liège Place du XX août, 7 B - 4000 Liège
Second volet organisé par le groupe de contact F.R.S.-FNRS « Esthétique et philosophie de l’art » et le groupe de contact F.R.S.-FNRS « Historiographie et épistémologie de l’histoire de l’art » (Belgique)

Thème des deux journées et enjeux
"L’amateur ou le chercheur curieux de la puissance significative de l’image se voit aujourd’hui confronté à une profusion de discours sur l’image et sur l’art puisqu’à ces disciplines traditionnelles que sont la philosophie de l’art, l’esthétique et l’histoire de l’art se sont ajoutées les visual studies, la Bildkritik, la Bildwissenschaft ou encore l’anthropologie du visuel. Interroger les fondements philosophiques des discours consacrés à l’image (d’art) et tout particulièrement la possibilité d’une pensée de l’image, au double sens du génitif subjectif et objectif, nous semble donc de la première importance. Selon quelles modalités en effet faut-il aborder l’image (notamment d’art) et son mode spécifique de signification ? Comment dégager ses éléments les plus signifiants et est-il possible de les « traduire » en un discours ? Nous souhaitons examiner ces questions d’une portée philosophique générale sous le filtre des théories et des pratiques d’Aby Warburg, d’Ernst Cassirer et d’Erwin Panofsky qui se sont attachés à la question de la signification de l’image en l’ancrant dans son contexte culturel, historique et anthropologique. Le fait qu’ils contribuent tous trois à théoriser l’histoire de l’art sous la forme qu’elle prend à la fin du 19ème et au début du 20ème nous invitera à nous demander si l’histoire de l’art constitue un lieu privilégié pour penser l’articulation de l’image et du langage, de l’image et de l’histoire.
Parce qu’il est devenu de coutume d’opposer Warburg à Panofsky, et d’ancrer la pratique iconologique de ce dernier dans le sillage néo-kantien de Cassirer, nous avons pris le parti d’étudier plutôt la constellation qu’ils forment et qui les rassemble autour du problème de la signification de l’image et de la spécificité de la pensée qui y est à l’œuvre. Iconologie critique, méthode iconologique, philosophie des formes symboliques constituent en effet des variations sur la façon d’envisager la pensée, le langage et l’image ainsi que leurs rapports. Si ces trois penseurs retiennent ici notre attention, c’est qu’ils ont contribué à comprendre l’ « intelligence » du monde visuel et à la mettre en valeur. Au moment où Warburg développait le concept d’espace de pensée (Denkraum) relatif à l’iconosphère renaissante, Cassirer et Panofsky, guidés par les principes du néokantisme, tentaient de dégager les réseaux de sens de l’image pour déterminer les clés de la rationalité picturale. Parler de « sens de l’image », avancer même que l’image « pense », implique non seulement que l’on reconnaît l’existence d’une logique propre à l’image dont l’organisation interne est productrice de signification, mais que l’on voie en elle le travail d’un certain logos. C’est ce positionnement autrement plus polémique que nous avons à cœur d’explorer.
Mais comment rendre raison de cette « pensée » au travail dans les images (d’art) ? Par quels moyens rendre compte de cette pensée immanente à l’œuvre d’art et de quelle nature est-elle ? Dans quelle mesure a-t-elle un impact sur la méthode de l’historien et du philosophe soucieux d’inscrire l’image dans la culture et l’histoire ? Le cœur du problème nous semble résider dans le statut de la pensée et dans son rapport au langage. Si le langage et l’art appartiennent chez Cassirer à une même fonction symbolique générale, ils constituent néanmoins des modalités différentes de cette fonction. Est-ce à dire que l’image produit un type de pensée et de signification indépendamment du langage ? Que la signification de l’image ne se réduise pas à sa traduction en mots signifie-t-il que l’on peut se passer du paradigme du langage ? L’ambiguïté, la plurivocité, les contradictions des images rendent d’autant plus urgente une clarification des modalités et de la portée du discours qui lui est consacré."

Programme de la journée parisienne :
Mardi 31 mai 2011

Adresse :
Centre Allemand d’Histoire de l’Art/Deutsches Forum für Kunstgeschichte
10 place des Victoires
75002 Paris

• 9H30-10h30 : Andreas Beyer : « Exile in cinema. Panofsky in the USA »
• 10H30-11H30 : André Stanguennec : « Le cinéma et la peinture comme formes symboliques : autour d’Erwin Panofsky et d’Ernst Cassirer ».
• 11H45-12H45 : Maud Hagelstein : « Images et Denkraum (espace de pensée) : l’œuvre d’art comme solution critique aux tensions culturelles ».
• 14H00-15H00 : Audrey Rieber : « Texte, image et pensée. Du ‘logocentrisme’ de Panofsky ».
• 15H00-16H00 : Dimitri Lorrain : « Cassirer/Warburg : la pensée de l’image entre dispositif culturel et pratique thérapeutique ».
• 16H15-17H15 : Caroline Behrmann : « Le mythe et la magie dans la pensée d’Aby Warburg et d’Ernst Cassirer ».
• 17H15-18H15 : Gwendolyn Schneider : « Erwin Panofsky und die Sprache (der Kunst) ».

Pink is the Most Manly Colour

2011-05-20T02:20:00.000-07:00

"Pink is the Most Manly Colour" in de Braziliëstraat 29, te 2000 Antwerpen.

www.mx7gallery.com
MX7 GALLERY // ANTWERP
... brings to you a selection of contemporary art with a focus on science-art and interdisciplinary art. MX7 is not only a gallery, it is also a platform for artists and socio-cultural organisations when they engage in applications for funding, networking, production management or communication services, based in Antwerp, Belgium.

Burroughs reste sulfureux

2011-05-17T23:35:00.000-07:00

L’Europe démocratique ne se construira pas en un jour
L'éditeur turc Irfan Sanci à nouveau devant les tribunaux
L'éditeur Irfan Sanci, le livre de Burroughs incriminé et sa traduction en turc
« Le P-DG de Sel est poursuivi pour avoir publié La machine molle, de William Burroughs.
Après un procès en 2010 pour avoir traduit et publié en Turquie Les exploits d’un jeune Don Juan, roman érotique de Guillaume Apollinaire http://www.livreshebdo.fr/actualites/DetailsActuRub.aspx?id=5441
l’éditeur Irfan Sanci se retrouve à nouveau poursuivi pour “obscénité” par la justice turque au titre de l’article 226 du code pénal pour la publication de La machine molle de William Burroughs.

L’Union internationale des éditeurs (UIE/IPA) réclame, mardi 17 mai dans un communiqué, l’acquittement immédiat du P-DG de Sel. “Le fait que le lauréat de notre prix de la liberté IPA 2010 se trouve de nouveau accusé d’obscénité est une source de stupéfaction et de déception”, déclare le président de la commission “Liberté de publier” de l’organisation, Bjørn Smith-Simonsen. Il rappelle en outre que la Cour européenne des droits de l’Homme a déjà condamné la Turquie en février 2010 pour avoir violé l’article 10 de la Convention européenne des droits de l’Homme (sur la liberté d’expression) en censurant les Onze mille verges d’Apollinaire en 1999.

L’UIE considère que les poursuites concernant la traduction de William Burroughs relèvent de la violation de ce même article. Bjørn Smith-Simonsen a estimé que “le procédé appliqué et la décision elle-même, prise par un comité gouvernemental, est antidémocratique, anachronique et indigne d’une société moderne et ouverte. Sanci est harcelé pour le simple fait qu’il exerce son métier d’éditeur. A une époque où les conditions de liberté de publication sont à nouveau menacées en Turquie, il est urgent de mettre un terme à ces pratiques”.

Dans l’affaire impliquant la traduction d’Apollinaire, Irfan Sanci avait été acquitté le 7 décembre 2010. L’IPA s’était félicité de cette décision, espérant qu’elle conduirait à l’abandon de poursuites contre d’autres éditeurs pour des chefs d’accusation similaires, et à une baisse significative des procès liés à la liberté d’expression en Turquie. L’association constate que cela n’a malheureusement pas été le cas.

En mai 2010, un tribunal d’Istanbul avait décidé d’envoyer les titres publiés par Irfan Sanci à un comité ministériel pour la protection de l’enfance vis-à-vis de publications indécentes afin de décider s’il s’agissait de littérature ou d’obscénité, une première pour ce comité fondé en 1927. »
http://www.livreshebdo.fr/etranger/actualites/l-editeur-turc-irfan-sanci-a-nouveau-devant-les-tribunaux/6684.aspx

Arié Mandelbaum tout craché

2011-05-15T02:15:00.000-07:00

Arié Mandelbaum tout craché
Maurice-Moshé Krajzman

"De la photographie elle-même, il convient de souligner le manquement. Jouant à plein dans la répétition.
Répétition qui, à proprement parler, manque. Dans la mesure où répétition n'est pas retour. Ni retour ni reproduction.
Arié Mandelbaum, Portrait de Julien Lahaut, 70 x 100 cm. La répétition se produit toujours comme au hasard (l) qui lui-même s’exprime comme une nécessité : celle d’une rencontre essentiellement manquée, impossible.
Du Réel comme rencontre, du Réel “dans son expression infatigable” (2). Voilà la photographie.
Barthes a pourtant beau affirmer que la photographie reproduit à l’infini ce qui n’a eu lieu qu’une fois, on ne pourra le suivre qu’à se demander si même “ça” a eu lieu une fois.
Ou alors, “ça” a eu lieu comme a eu lieu ce que, dans l’histoire de la psychanalyse on a appelé “le traumatisme”, le “trauma”. C’est-à-dire fort peu.
Tant, qu’à faire un pas serait de projeter le passé dans un discours en devenir (3)!
Ou dans un tableau.
A quel point le monde tient dans le fantasme et comment le peintre y participe dans ce qui le fait peintre, on en tient la marque d’Arié Mandelbaum quand il se met à dessiner, à peindre la photo de sa mère... ou du Président Mitterrand.
Arié Mandelbaum, Etude pour un portrait de ma mère, 50 x 65 cm.
Tentative de restitution qui, de son ratage fait l’idéal de la scène.
Scènes de la famille Mandelbaum saisies comme un fantasme. Scènes idéales où le passage de la photographie à la toile ne fait qu’accentuer la place de chaque personnage dans sa fonction d’être en représentation. En ne le sachant pas. Ou, comme Mitterrand, en le sachant “à peine”.
Exactement comme dans le fantasme.
Procéder par “inspiration” à partir d'une photographie – démarche fréquente chez Arié Mandelbaum – revient à inscrire un tableau dans le tableau.
Comme Velasquez le fait dans Les Ménines, comme Magritte s'y engage dans la Tentative de l'impossible.
Arié Mandelbaum, Etude d’après Les Ménines, 70 x 100 cm.
L’impression d’ensemble est d’étrangeté. Mitterrand est très nettement en représentation plutôt que représenté. Et c’est bien un piège à regards que nous tend Mandelbaum.
Piège doublement retors, car ce portrait a beau venir d’un “cliché”, il n’en fait pas moins écran. Au même titre qu’Arié en autoportrait, il s’agit d’une nature morte... de vivant, d’un tableau vivant, d’une vision, d’un fantasme.
On a beau nous faire croire qu’il s’agit de la réalité (quoi de plus “réel” que Mitterrand sortant de la synagogue après l’attentat de la rue Copernic ?), il n'en s’agit pas moins d’une réalité qui se trouve être marginale. Marginalisée par le désir (du photographe et du dessinateur) et projetée en écran.
Arié Mandelbaum, Mitterrand, 1983, fusain, 73 x 110 cm.
Photos-images-écrans qui rejoindront la “galerie des ancêtres” ou l’album de famille. On en longera les bords, on en tournera les pages en filant des souvenirs... écran.
Tourmentés, nous le serons alors comme spectateurs pris au piège de ces dessins noirs.
Regardés par ces portraitures qui ne voient pas, nous serons pris d’angoisse et de vertige, littéralement prisonniers.
“Un tableau nous retenait prisonniers” écrivait Wittgenstein, “Et nous ne pouvions nous en dégager. Car il était contenu dans notre langage et le langage ne semblait que nous le répéter inexorablement” (4).
Si ces portraits ne se soutenaient que d’Arié Mandelbaum se mirant dans un miroir (ce qui est, apparemment au départ de certains autoportraits), et même si Arié n’était que “tout le portrait de sa mère”, ou sa mère “tout le portrait d’Arié” (Arié tout craché), ils ne produiraient pas cet effet.
Car ce qui est si traîtreusement “offert” à nos regards, ce n'est pas le mirage du peintre, “modèle compliqué d'un artiste” (Baudelaire).
Non ! si Arié se tire le portrait, c'est pour abîmer le nôtre dans la force d'attraction de son fantasme.
Insidieusement, et contrairement aux injonctions des lignes internationales (e pericoloso sporgersi), il nous demande de nous pencher, avec lui, par la fenêtre. Et non de le mirer se mirant au miroir.
Aimantés, nous en perdons la boussole. C’est le vertige, et le tour est joué.
Engagé dans l’aventure de la figure (5), Arié Mandelbaum le sera au titre de se trouver au milieu de ce qu’il peint (5).
Certes, mais au balcon et non au miroir."
Maurice-Moshé Krajzman

1. Jacques Lacan, Le séminaire, Livre XI, p. 54.
2. Roland Barthes, La Chambre Claire, Cahiers du cinéma. Seuil, Paris 1980, p. 15.
3. Jacques Lacan, Ecrits, p. 225.
4. Wittgenstein dans Recherches philosophiques, cité par Jean Clair dans le catalogue de la rétrospective
Magritte â Bruxelles en 1978, p. 44.
5. Jacques Lacan : “le sujet est engagé dans l'aventure de la figure”, “le peintre est au milieu de ce qu’il peint”. Le séminaire, 1966, (inédit).

Texte publié dans Revue et corrigée 16, “Arié Mandelbaum”, été 1984, Bruxelles, pp. 59-62.

Arié Mandelbaum

2011-05-15T02:11:00.000-07:00

Arié Mandelbaum
Exposition
Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles
Rue du Midi 144, 1000 Bruxelles
du samedi 14 au jeudi 19 mai 2011

Hommage à Arié Mandelbaum lors de la troisième édition du Parcours d’Artistes.

« Arié nous semble être à l’image même de ce soutien à la création artistique actuelle. A l’instar de ces maîtres du Quattrocento qui accueillaient de jeunes disciples au sein de leurs ateliers, il permet régulièrement, sous son regard bienveillant et empreint d’humilité, à de jeunes peintres, d’anciens élèves, de travailler voire d’exposer en ses murs, comme il en a par exemple été question lors des deux précédentes éditions de Visit. C’est pour nous un plaisir immense de mettre, une fois de plus, en lumière le travail de ce grand artiste et qui plus est de le faire au cœur même de l’Académie royale des Beaux-Arts, lieu de son apprentissage personnel de la peinture, plate-forme d’émulation artistique et carrefour d’une réflexion quotidienne sur l’Art aujourd’hui. »

« Les peintures d’Arié Mandelbaum se concentrent en quelques noyaux d’images originelles.
Elles interrogent sans cesse l’histoire collective – la shoah – où s’inscrivent les destins des disparus et des survivants. Ce néant, en activité, détermine la démarche du peintre qu’elle soit apparition ou effacement des figures.
La présence qui s’y affirme se déploie en un temps singulier où le passé et le futur entrent en collision. Ce travail de reconstitution de la mémoire intègre les images de la chute et du couple chassé du paradis, les souvenirs d’enfance, les corps des amants dans l’étreinte et la séparation. Quel espace inventer pour réunir les braises de cette passion, pour conjurer la peur sans l’escamoter ? Qu’inscrire sur le blanc du papier pour qu’apparaisse ce qui sans cesse se défait, dont ne demeurent que les traces et leur spectre coloré. Un tremblement contamine le blanc, nous rappelle ce qui fut et sans cesse revient nous hanter. »
Serge Meurant

Judith Duchêne, Céline Bourseaux, Jessica Duquesne, Francis Gaube

2011-05-15T02:10:00.000-07:00

DESSIN / PEINTURE, CROISÉS DE CHAMPS, LISIÈRES, BORDURES ET FRANGES
EXPOSITION
L'ARBA-ESA ET LE ‘75, OPTIONS DESSIN ET PEINTURE

Exposition du 19 au 21 mai 2011, de 14 h à 18 h
à la Galerie Nardone
34-36 rue Saint-Bernard
1060 Bruxelles
Vernissage le mercredi 18 mai à 18 h 30

Exposants :
Victoire Poot Baudier, Laura Fanara, Ronja Schlickmann, Emmanuelle Williot, Judith Duchêne, Céline Bourseaux, Jessica Duquesne, Francis Gaube.

Michel Guérin à la libraire Tropismes

2011-05-11T08:01:00.000-07:00

Michel Guérin

mardi 31 mai 2011 à 19h15
à la libraire Tropismes
Galerie des Princes 11
1000 Bruxelles
La librairie Tropismes vous invite à rencontrer le philosophe Michel Guérin pour fêter la parution de deux nouveaux livres Le fardeau du Monde (éd. Encre Marine) & La peinture effarée. Rembrandt et l'autoportrait (éd. La Transparence).

Michel Guérin , écrivain, philosophe, est l'auteur d'une vingtaine d'ouvrages, depuis Nietzsche, Socrate héroïque, son premier livre (Grasset, 1975). Il a dirigé jusqu'en 2009 le LESA (Laboratoire d'Études en Sciences des Arts) de l'université de Provence : professeur des universités, membre de l'Institut universitaire de France (2005-2010), il enseigne l'esthétique à Aix-en-Provence. Il a notamment publié chez Actes Sud, La Terreur (1990) et La Pitié (2000), ainsi que Philosophie du geste (1995), chez Jacqueline Chambon, Nihilisme et modernité (2003) et aux éditions La Part de l’Œil, L’espace plastique (2008).

L'auteur s'entretiendra avec Sami El Hage.

Réservation souhaitée
http://www.tropismes.com/agenda/michel-guerin
info@tropismes.com
www.tropismes.com

Colloque. Survivance d'Aby Warburg

2011-05-09T09:15:00.000-07:00

Colloque
Survivance d'Aby Warburg
Sens et destin d'une iconologie critique
Deuxième Volet : Motifs wargburgiens
Bordeaux, les jeudi 19 et vendredi 20 mai 2011

CAPC – Musée d'art contemporain de Bordeaux – Auditorium
7, rue Ferrère, F-33000 Bordeaux, France

Aby Warburg, Atlas Mnemosyne, 1924 – 1929.

Le premier volet du colloque sur l’œuvre d’Aby Warburg qui s’est tenu à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris le 18 et 19 novembre 2010, colloque intitulé « à la lettre » et consacré à l’étude de sa genèse et de ses sources se prolonge aujourd’hui au CAPC.
Ce second volet ambitionne de mesurer l’extraordinaire valeur heuristique que recèle la démarche iconologique d’Aby Warburg. Quelle résonance l’œuvre possède-t-elle par-delà ses textes ? Quel est son devenir et, de façon plus pragmatique, comment utiliser ses intuitions ? De fait, la science des images instaurée par Warburg aboutit, et ce n’est pas son moindre résultat, à l’invention de nouveaux thèmes et objets. Il est loisible de se pencher sur ceux que Warburg a lui-même élaborés (la grisaille, la Ninfa), mais, en prolongeant sa pensée, on peut en proposer d’autres. Il s’agirait en l’occurrence de faire subir à Warburg le traitement même qu’il réservait aux images et de suggérer des déplacements, des hybridations, des transformations, des découpes et des montages. La pertinence de la méthode warburgienne au regard du cinéma mérite notamment d’être interrogée, mais on peut encore se pencher sur les perspectives interprétatives qu’elle ouvre dans le domaine de la photographie et même dans celui de l’informatique. Qu’en est-il, enfin, de ses usages en anthropologie ou dans l’étude des cultures non-occidentales ? Au-delà des clivages disciplinaires, c’est bien la portée d’une pensée de l’image et de l’histoire de la culture fort originale qu’il s’agira d’interroger.

Organisé par : L'université Michel-de-Montaigne Bordeaux 3.En collaboration avec l'Institut National d'Histoire de l'Art, Paris ; le CAPC, Bordeaux ; l'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, Paris; l'Institut Germanique d'Histoire de l'art, Paris ; le centre de recherches CLARE.Avec l'aide du Service culturel de l'université Michel-de-Montaigne Bordeaux 3.

Deuxième volet : Motifs Warburgiens
Jeudi 19 mai, 9h00 - 19h00
Mnemosyne et la pensée-atlas
• 9h45 Michael Diers : Album, Atlas and Archive. Warburg and the Arts
• 10h30 Georges Didi-Huberman : Mnémosyne ou le regard embrassant
• 11h30 Giovanni Careri : la pathosformel chrétienne : polarisation et re-polarisation des formules pathétiques antiques
• 12h15 Aurora Fernandez-Polanco : Mnémosyne à l’époque de la digitalisation globale

Histoire et historiens de l’art
• 14h15 Roland Recht : L’iconologie d’Aby Warburg. Enquête sur son origine
• 15h00 Michela Passini : L’Histoire de l’art comme histoire de civilisations : Eugène Müntz, un interlocuteur français d’Aby Warburg
• 15h45 Marie Tchernia-Blanchard : Résonances warburgiennes en France dans les années 1930 : La survivance de l’antique chez Jean Adhémar et Jean Seznec
• 16h45 Katia Mazzucco : Bild und Wort : a method for the Bildwissenschaft

Résonances anthropologiques
• 17h30 Carlo Severi : Agentivité et espace de pensée : à partir du concept de Denkraum
• 18h15 Claude Imbert : Aby Warburg: Transfert d'images , Atlas et exposition

Vendredi 20 mai
Les formules de pathos en devenir
• 9h15 Karine Winkelvoss : Poétique de la Pathosformel. Warburg et Sebald
• 10h00 Antonio Somaini : La notion de « formule du pathos » dans la pensée de S. M. Eisenstein
• 11h00 Sigrid Weigel : Regarder l’opéra avec Warburg
• 11h45 Andrea Pinotti : Warburg et le « manétisme »

Warburgiana : portrait, Ninfa
• 14h00 Denis Vidal : De Santa Trinita à Madame Tussaud à Londres. Art du portrait et figures de cire dans l’Angleterre victorienne
• 14h45 Xavier Vert : Survivance rituelle et prophétique dans un portrait charge du Bernin
• 16h15 Filippo Fimiani : Lieux communs cinétiques. De Nymphas, Nymphettes et Sylves
• 17h00 Bertrand Prévost : Direction-dimension : Ninfa et putti

http://www.capc-bordeaux.fr/programme/survivance-daby-warburg

The Warburg Institute, Londres :
http://warburg.sas.ac.uk/index.php?id=435
Biographie, Dictionary of Art Historians :
http://www.dictionaryofarthistorians.org/warburga.htm
Projet Warburg Electronic Library :
http://www.welib.de/

Victor Segalen et l'exotisme

2011-05-02T11:09:00.000-07:00

Victor Segalen
RENCONTRES EN POLYNESIE
22 avril - 6 novembre 2011
Abbaye de Daoulas, Chemins du patrimoine en Finistère, 21 rue de l’Eglise, F-29460 Daoulas

Victor Segalen, Manuscrit du journal des îles, 1902-1904, BnF, département des Manuscrits.

Segalen, versant polynésien
« DAOULAS – L’homme a laissé une trace fugitive mais éclatante dans l’album des explorateurs-ethnographes. Médecin de la marine, poète (Stèles), dessinateur, sinologue, archéologue auteur de découvertes en Chine (monuments de la dynastie Han).

L'édition originale de Stèles publié par Victor Segalen en 1912 à Pékin.

Victor Segalen (1878-1919) est malaisé à caser dans une catégorie, si ce n’est celle des fous de voyage. L’abbaye de Daoulas se penche sur cette figure originale en réunissant des témoignages de sa passion pour la Polynésie : masques et tikis en bois, proues de pirogue, bijoux et ornements, casse-tête des Marquises ou effigies religieuses, jusqu’à sa trousse de chirurgien. Plutôt que de grandes institutions internationales, les objets sont autant de petits bijoux exhumés de musées de province trop peu visités – du musée d’Art et d’Histoire de Langres au Château-musée de Boulogne-sur-Mer. »
http://www.artaujourdhui.info/art-aujourdhui-hebdo-00476.html
« La pensée de Victor Segalen constitue un outil étonnamment actuel d'exploration pour la rencontre avec l'Autre. Il renouvelle radicalement la notion d'exotisme au début du 20e siècle et la modernité et la singularité de sa pensée persistent encore aujourd'hui. Très tôt dans son œuvre, il soulève le problème des cultures et des traditions extra-européennes en voie de disparition sous l'effet de la colonisation (poids économique et joug religieux imposés par les colons). La vision d'une culture en déclin (en l'occurrence les Maoris) lui fait "comprendre que, désormais, sa tâche sera de sentir et d'exprimer la saveur du Divers" en explorant le monde.
L’exposition met l'accent sur la période polynésienne de la vie de Segalen, avant ses grands voyages en Chine. Elle présente des œuvres et des objets européens, en dialogue avec des pièces venues de Polynésie, jouant la carte du « mélange d’exotismes ».
Le Breton débarque aux îles Marquises en 1903, il a vingt-cinq ans, et y découvre une culture pour laquelle il se passionne. Au contact de ses habitants, il élabore peu à peu une nouvelle conception de l’exotisme, qui trouve parallèlement sa source dans l’art de Paul Gauguin, profondément admiré par Segalen. Revêtant le costume de l’ethnologue, il écrit un roman publié en 1907, Les Immémoriaux, par lequel il tente de raviver les anciennes traditions polynésiennes qui sont, selon lui, sur le point de disparaître. À travers ce texte, Segalen donne la parole aux « naturels » eux-mêmes, qui témoignent dans le passé comme dans le présent des échanges et des relations qui se sont noués entre les indigènes et les “hommes à la peau blême” […] »
http://www.cdp29.fr/daoulas-lesactualitesexpositionencours.html

Claude le Lorrain. Le dessinateur face à la nature

2011-04-30T10:14:00.000-07:00

Claude le Lorrain. Le dessinateur face à la nature

Musée du Louvre

Expositions
du 21 avril au 18 juillet

« Claude Gellée, dit le Lorrain, (1600 ou 1604/1605 – 1682) fut reconnu de son vivant comme le plus grand peintre de paysage de son temps. Jusqu’au début de l'impressionnisme, et même au-delà, sa vision sereine et intensément poétique du paysage « classique » est devenue une référence.

Dans une longue carrière, vécue pour l’essentiel à Rome, le Lorrain perfectionna une vision d’un paysage idéalisé, où l’homme vit en harmonie avec une nature sereine et abondante ; vision teintée de nostalgie de l’Arcadie du mythe. Mais les paysages du Lorrain sont ancrés dans la réalité. S’ils s’inspirent de la campagne romaine, sa lumière dorée et ses vestiges antiques, son art trouve toutefois ses racines dans la confrérie des peintres nordiques présents à Rome entre 1615 et 1635. Cette génération est la première à sortir régulièrement de l’atelier pour aller dessiner dans la nature. Claude se distingue par l’assiduité avec laquelle il étudie le paysage dans toute sa diversité, par sa sensibilité à la lumière, par son talent à saisir sur papier ses effets passagers. Face à la nature, il fait preuve d’une extraordinaire réceptivité.

Cette exposition, qui rassemble les plus beaux dessins de l’artiste dans les collections du musée du Louvre et du musée Teyler de Haarlem avec un choix de peintures et gravures, veut examiner la place qui revient au dessin dans l’art du grand peintre qu’est le Lorrain.

Après un bref séjour à Nancy en 1625-1626, Claude ne quittera plus Rome. La ville papale, avec ses vestiges antiques et ses monuments modernes, est un sujet favori des artistes venant du Nord, mais le Lorrain ne s’intéresse pas vraiment à la représentation topographique ; dès le début, il préfère donner des interprétations atmosphériques des sites et du paysage.

Même s’ils se limitent essentiellement à un seul genre, le paysage, les dessins de la maturité du Lorrain frappent par la richesse des différentes techniques et points de vue adoptés, par la diversité des effets obtenus. Une nouvelle catégorie de dessin qu’il développe dans ces années est celle des « dessins aux effets picturaux », des paysages dessinés à grande échelle qui sont des œuvres d’art autonomes, sans lien direct avec la peinture. »

Claude Gellée, dit le Lorrain, vers 1655-1660, Paysage pastoral : tempête, plume, lavis brun, rehauts de blanc sur papier beige, 26 cm x 20 cm, Haarlem, Musée Teyler, © Haarlem, Teylers Museum.

« Exécuté d’après nature à la pierre noire, avec juste quelques touches de lavis gris, ce dessin est l’un des plus grands parmi les nombreuses études d’arbres du Lorrain. Ce dessin est une nouvelle démonstration de l’attention portée par l’artiste à la mise en page de ses études d’après nature. Ces grands arbres sont un motif bien connu dès le milieu des années 1640. »

http://lelorrain.louvre.fr/fr/html/introduction.html

Salon International de l'Estampe et du Dessin

2011-04-28T23:53:00.000-07:00

Salon International de l'Estampe et du Dessin
au Grand Palais à Paris
Du 29 avril au 1er mai 2011

GRAND PALAIS

Avenue Winston Churchill - 75008 PARIS
Organisé par la Chambre Syndicale de l'Estampe du Dessin et du Tableau
http://www.salondelestampeparis.fr/articles.php?artID=37

Soulage, Galerie Paul Prouté

Hélène Moreau

2011-04-28T05:55:00.000-07:00

Hélène Moreau
Artitude
Art on Paper
les 29, 30 avril et 1er mai 2011
au White Hotel à Bruxelles.

Art on Paper
Avenue Louise 212
1050 Bruxelles
http://www.artonpaper.be
Artitude
chaussee de Vleurgat, 221
1050 - Bruxelles
http://www.artitude.be
Le premier salon consacré au dessin contemporain à Bruxelles investit pour la deuxième fois le White Hotel durant quatre jours. Les visiteurs du salon pourront découvrir les œuvres sur papier sélectionnées par plus de 40 galeries belges et internationales.

Jacques Lennep ou… “l’art de rien”

2011-04-26T06:00:00.000-07:00

Jacques Lennep ou… “l’art de rien”.
La prochaine exposition du Musée des Beaux-Arts de Charleroi sera résolument humaine… ou ne sera pas !
Du 30 avril au 30 juillet 2011, Jacques Lennep (Uccle, 1941), investira les espaces du MBA avec son Musée de l’homme (voir ouvrage du même titre – éd.100 titres et Yellow now, 2010 – avec le soutien de la Communauté française) pour dire haut et fort ce que d’aucuns n’osent penser… “On est tous artistes !!!”.

Ce périple au cœur du “mankind”, initié par Lennep en 1974 et dont il retrace ici les grandes étapes au travers de stands-portraits inédits, constitue pour le Musée une extraordinaire occasion. Il s’agit, d’une part, de renouer avec un art contemporain aux démarches originelles parfois méconnues voire malmenées, de réfléchir aux toujours grands questionnements sur la hiérarchisation des genres et peut-être surtout, de plonger avec esprit critique mais aussi humour, tendresse et sensualité dans une matière première inépuisable qui nous est particulièrement chère : l’homme, en l’occurrence, celui qui “manifeste de la créativité dans son quotidien”…
Né à Bruxelles, Jacques Lennep a passé son adolescence à Charleroi. En 1975, il y exposait au Palais des Beaux-Arts dans le cadre d’une manifestation consacrée à la “Mémoire d’un Pays noir”… Pour célébrer son septantième anniversaire Lennep y revient, sur une initiative de Ghislain Olivier.
site : http://www.lennep.be/

http://charleroi-museum.be/2011/01/29/jacques-lennep-ou-lart-de-rien/

Palais des Beaux-Arts, Place du Manège 1, 6000 Charleroi, Belgique

PEEK

2011-04-26T05:54:00.001-07:00

Program for Arts-based Research
Call for funding applications
The FWF Austrian Science Fund issued the third call of the Programme for Arts-based Research PEEK (Programm zur Entwicklung und Erschliessung der Künste). The goal of the programme is to support arts-based research via project funding.
Deadline for applications: 25 May 2011
Program for Arts-based Research (PEEK)
Initiatve of the Austrian Federal Ministry of Science and Research (BMWF)

Target group
Any person engaged in arts-based research who has the necessary qualifications
Goals
- Support high quality and innovative arts-based research in which artistic practice is integral to the inquiry.
- Increase research capacity, quality and international standing of arts-based researcher in Austria.
- Increase both public awareness and awareness within the academic and the arts communities of arts-based research and its potential applications.
Requirements
- Artistic/academic quality and standing
- sufficient free capacity
- required infrastructure (Connection to an appropriate university or non-university institution in Austria, so that the necessary documentation, support and quality of the results are ensured)
Length
to a maximum of 36 months
Level
variable

call open until 25 May 2011 (date of postmark)
Your application should be in English and provide a precise description of goals and methodology (max. 36 months)
Contact : Alexander Damianisch (alexander.damianisch [at] fwf.ac.at)http://www.fwf.ac.at/en/projects/peek.html
Info on projects funded in 2010: http://www.fwf.ac.at/de/public_relations/press/peek2010-abstracts.pdf

Réception dans les arts visuels aux Etats-Unis entre 1965 et 1995

2011-04-26T05:38:00.000-07:00

11 - 14 mai 2011 – WIELS
French Theory : réception dans les arts visuels aux Etats-Unis entre 1965 et 1995
« Nombreux sont les artistes américains, actifs dans la seconde moitié du XXe siècle, à avoir nourri leur réflexion et leur pratique des apports de la philosophie, des études littéraires et des sciences sociales. À cet égard, un certain nombre d'auteurs français ont bénéficié très tôt d'un intérêt soutenu. Parmi ceux-ci, on retrouve des figures majeures comme Claude Lévi-Strauss, Roland Barthes, Pierre Bourdieu, Michel Foucault, Jacques Lacan, Louis Althusser, Jean-François Lyotard, Jean Baudrillard, Jacques Derrida ou Gilles Deleuze. Autant de penseurs dont les écrits en sont venus à constituer le corpus de ce que l'on désigne désormais sous l'appellation de French Theory. La fortune de cette pensée française dans les milieux universitaires américains à partir du milieu des années 1970 et de ses premiers usages académiques - contribuant notamment à l'émergence des Cultural studies - a fait l'objet de plusieurs études, dont l'important ouvrage consacré à cette question par François Cusset en 2003. Cependant, la réception de cette pensée dans le domaine plus spécifique des arts visuels n'a encore fait l'objet de recherches systématiques que très rarement, et de manière relativement dispersée. Citons à cet égard certains travaux de Sylvère Lotringer, envisageant les pratiques artistiques postérieures au milieu des années 1970, et de Sande Cohen. Il reste cependant avéré qu'à la faveur de premières traductions, de colloques, de voyages ou de la présence elle-même sur le territoire de l'un ou l'autre auteur, certains artistes purent avoir progressivement accès à divers textes de ce corpus dès la seconde moitié des années 1960. La perspective de ce colloque sera donc l'étude de la réception de cette « pensée française » dans le domaine des arts visuels à partir de 1965 et jusqu'en 1995, veille d'un mouvement d'évaluation critique de l'influence de ces auteurs sur la pensée intellectuelle américaine, initiée entre autres par la désormais fameuse « affaire Sokal ». »

Mercredi 11 mai 20h
Conférence inaugurale
Palais des Beaux Arts de Bruxelles
Sylvere Lotringer (Professeur, University of Columbia, New York City) : Nietzsche à Las Vegas

Jeudi 12 mai
09h00 Mot d'accueil
9h15 Introduction
9h45 François Cusset (Professeur, Université de Paris Ouest Nanterre) : Raisons de l'art et folie de la théorie.
10h30 Erik Verhagen (Maître de conférence, Université de Valenciennes) : De la mort de l'auteur à la naissance du lecteur. Une perspective conceptuelle.
11h45 Larisa Dryansky (Chargé de cours, ENSAD, Paris) : Post-minimalisme et phénoménologie sartrienne : les cas de Mel Bochner et Dan Graham.
14h00 Katia Schneller (Professeur, Ecole supérieure d'art de Grenoble) : Développer une "activité structuraliste" dans le domaine artistique, un moyen de décloisonner les catégories traditionnelles.
14h45 Stephen Melville (Professeur, The Ohio State University) : Minimalism and the Fate of "Theory".
16h00 Peter Osborne (Professeur, Kingston University, London) : October and the Problem of Formalism.

Vendredi 13 mai
9h00 Mot d'accueil
9h15 Introduction
9h45 Jean Michel Rabaté (Professeur, Pennsylvania University, Philadelphia): Rire avec la Méduse : Cixous, Horn, Spero et Schneeman
10h30 Rachel Haidu (Professeur associé, University of Rochester, New York) : Le système des objets : film, feminism and the domestication of the sign.
11h45 Kassandra Nakas (Assistant professeur, University Of Arts, Berlin) : "Simulationism" and its Discontents : Peter Halley reading Baudrillard.
14h00 Benjamin Greenman (Chargé de cours, Glasgow School of Art et Open University in Scotland) : Blanchot, Tel Quel and the formation of a Sadean aesthetic in the work of Vito Acconci.
14h45 Philip Armstrong (Professeur associé, The Ohio State University) : (Imp)possibilities : Receptions of Lacoue-Labarthe.
16h00 John Rajchman (Professeur, Columbia University, New York) : A New York Story : How to do the history of theory in the visual arts today.

Samedi 14 mai
9h00 Mot d'accueil
9h15 Introduction
9h45 Table-ronde en présence de : Victor Burgin, Professeur émérite, University of California, Santa Cruz ; Laura Mulvey, Professeur, Birbeck University, London; Alexander Streitberger, Professeur, Université Catholique de Louvain ; Hilde Van Gelder, Professeur, Katholieke Universiteit Leuven.
11h 30 Clôture des travaux et débat.

Organisé par (SIC), en collaboration avec le Centre de Recherche en Théorie des Arts (CeRTA - UCLouvain) et le Lieven Gevaert Centre (LGC, KULeuven - UCLouvain). Avec le soutien du WIELS, Jeunesse & Arts Plastiques (JAP), Fonds National de la Recherche Scientifique (FRS-FNRS), Institut des Civilisations, Arts et Lettres (INCAL – UCLouvain), Service culturel de l’Ambassade de France, Wallonie-Bruxelles International (WBI).
http://www.wiels.org/site2/event.php?event_id=477

ART on PAPER

2011-04-26T05:35:00.001-07:00

Salon du dessin contemporain à Bruxelles
The Brussels Drawing Fair
28, 29, 30 April & 1st May 2011

The White Hotel
Avenue Louise 212
1050 Brussels

Artiste(s) one man show: Charles de Lantsheere
Baltazar (Avenue du Haut Pont 5, 1060 – Bruxelles, http://www.baltazar.be/)

La deuxième édition d’Art on Paper aura lieu du 28 avril au 1er mai 2011 dans le cadre du White Hotel sur l’avenue Louise. Ainsi, Art on Paper ouvre ses portes aux amateurs et aux connaisseurs en leur proposant dans chacune des 50 chambres de l’hôtel les œuvres originales sur papier de galeries belges ou étrangères. Œuvres modernes et contemporaines.
http://www.artonpaper.be/

Autre exposants : Galerie Vieille-du-Temple, Galerie Véronique Smagghe, Galerie Arielle d’Hauterives, 3ème Rue Galerie, A&A Kunst Integratie, Artiscope, Galerie Françoise Besson, Gery Art Gallery, Galerie Pierre Hallet, Galerie Jan Dhaese, Galerie Maria Lund, Office d’Art Contemporain, Galerie Pascal Polar, etc.

Géométrie de l'absence à la librairie Quartiers Latins

2011-04-25T05:43:00.000-07:00

Encore une semaine
Géométrie de l'absence

Dans le cadre de “Drawing in an Expanded Field” 300 ans d’existence de l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles-EsA et 30 ans de l’atelier de dessin
exposition des étudiants de l’option “dessin” de l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles à la librairie Quartiers Latins

14 place des Martyrs
1000 Bruxelles
Exposition ouverte jusqu’au 30 avril 2011
du mardi au samedi
de 10 h à 18 h.

Gaston COMPERE
GÉOMÉTRIE DE L'ABSENCE
« Voici peut-être l'œuvre poétique la plus puissamment originale qui nous ait été donnée depuis les inventions de Norge. Deux géométries, en deux étages, dans ce livre de près de deux cents grandes pages de poésie en texte serré : au plafond, en citations continues, ce qu'on pourrait appeler la géométrie qui plane, le ciel irréfutable des théorèmes d'Euclide et de l'enfant Pascal, dans l'admirable français rigoureux et strict, si bien fait pour sertir leurs propositions logiques. Sous ces vérités implacablement régnantes, libellées en une ou deux lignes au-dessus de chaque poème, les unes d'un laconisme fatidique (la perpendiculaire est plus courte que toute oblique), les autres agencées comme le dessin compliqué d'un mécanisme de ballet ou de l'évolution d'un groupe d'étoiles (la somme des angles intérieurs d'un polygone convexe est égale à autant de fois deux droits qu’il y a de côtés moins deux), sous ce firmament de la raison fixe toute la libération d'une géométrie qui grouille, la géométrie en assemblée libre, où le calembour se glisse à la place de la déduction, où l'association spontanée des idées et des mots foisonne en un tourbillon vivant et grotesque, regardé de très haut par les froides maximes euclidiennes. Le monde de Jérôme Bosch jugé par la tranquillité des astres et insurgé contre elle. Cette langue grimaçante qui se fait sans cesse la parodie d'elle-même fait penser à celle où sombre le verbe de Leverkühn, le docteur Faust réinventé par Thomas Mann, quand peu à peu la maladie pénètre jusqu’à la moelle le parler du musicien prodige (musicien comme Gaston Compère). Mais ici le salut prévaudra.
Il prévaut d'abord parce que, même quand le sabbat des énormes déformations verbales bat son plein il y a les beaux vers, les beaux vers qui émergent merveilleusement de cette cavalcade de références dérisoires et d'assimilations hilarantes. Pour les aloses seules les anses d'eau douce – ouvrent au courroux des sources leur geôle rousse… Pour atteindre à pareille musique on comprend que le Leverkühn – docteur Faust de Mann ait vendu son âme au diable, et que Gaston Compère soit descendu aux enfers de son carnaval de vocables masqués comme des créatures d'Ensor. Mais la moralité de l'aventure est bien venue. Par la plus heureuse réussite de composition, il se passe, au long du poème (car ces chants séparés se lient en un poème), comme une lente guérison de ce mal pathétique du grotesque. Par moments, on a pu se demander si ce n'étaient pas les puissances d'en bas qui allaient l'emporter sur l'ordre supérieur des théorèmes impassiblement récités en haut de page; il se produisait une sorte de contamination, l'assaut de la farce atteignait les figures d'Euclide; les pieds de deux obliques égales s'écartent également du pied de la perpendiculaire, brusquement ces pieds écartés d'un pied paraissaient comiques…
Mais c'est dans l'autre sens que se décide finalement l'action du drame; car c'est un drame. La mer inférieure des fatrasies, des équivoques et des phrases en saut de mouton s'apaise (il y aurait toute une étude à faire sur ces procédés d'altération du langage dont joue Gaston Compère avec une virtuosité clownesque) et à travers les derniers poèmes monte l'aveu que rien ne déguise, ni le calembour, ni le rire efforcé, l'aveu de l'universelle et individuelle tristesse.
Vers cette conclusion apparaît cependant encore plusieurs fois une épigraphe dédaigneuse que le jeu de mots systématique permet d'attribuer à Silvio Pellico : Mé-prisons. Le lecteur ne se sent ni méprisé, ni réellement invité au mépris ; avec Pellico et avec Compère, il s'évade. »
Marcel Thiry (Le Soir)

Artiste et immigrés

2011-04-24T07:31:00.000-07:00

Hier colonisés aujourd’hui exploités demain régularisés de Laura Genz et Fofana Vazoumana, Editions Fage, 366 pp., 28 €.
Par Catherine Coroller
"Laura Genz est dessinatrice. Son ouvrage s’attache au combat des sans-papiers Le regard de Laura Genz est clairement militant. «C’est par hasard que je suis entrée le 7 mai 2008 dans la Bourse occupée», raconte-t-elle. La Bourse, c’est celle du travail, dans le IIIe arrondissement de Paris, investie entre le 2 mai 2008 et le 24 juin 2009 par des sans-papiers qui tentaient d’obtenir leur régularisation.
Pendant ces treize mois, un millier de personnes y ont vécu nuit et jour. Dès son arrivée, Laura Genz a commencé à dessiner. «Il n’y avait pas de projet, rien de prémédité.» Puis, elle est revenue. «Ça amusait les occupants. Ça faisait une distraction. J’étais aussi un témoin de ce qu’ils vivaient.» Un samedi, un homme lui dit : «Aujourd’hui, tu dessines la cuisine !» Les croquis sont affichés sous le porche de la Bourse. «Des gens ont dit : "on en veut !" Une femme m’a encouragée : "Vas-y, fais-en des cartes postales, on va les vendre, ça fera des sous."» Les ventes couvrent les besoins en riz des occupants.
Par hasard, Hou Hanru, commissaire de la dixième édition de la biennale d’art contemporain de Lyon passe devant l’établissement occupé : «C’est ainsi que les dessins y ont été invités.» L’éditeur Gilles Fage visite la biennale : «Et pouf ! Voilà le livre.» Les 328 dessins racontent la vie quotidienne. Un matelas replié en haut d’un escalier. Un cours d’alphabétisation dans le hall d’entrée. Un homme en train de se laver les pieds dans un lavabo. […]"
http://www.liberation.fr/societe/01012327842-vues-croisees-sur-la-vie-des-immigres

Wifredo Lam illustre Fata Morgana d’André Breton

2011-04-24T03:35:00.000-07:00

Wifredo Lam’s untitled pencil and ink drawing was executed in 1941 as part of the series of illustrations he made for Fata Morgana by André Breton, published the following year.

« Pendant l’hiver 1940-1941, Lam et Breton apprennent à s’estimer. Le poète a le don de reconnaître une œuvre en marche et pressent chez Lam le potentiel d’un monde visionnaire. Quand il lui demande d’illustrer son poème Fata Morgana, empli de souvenirs mexicains, Lam s’exécute et réalise des centaines de dessins au crayon et à la plume qui annoncent toutes les particularités de son art à venir. En mars, six de ses dessins accompagnent l’impression de cinq exemplaires (éditions du Sagittaire), mais le livre ne reçoit pas son visa de censure. Il est interdit parce que Breton est suspecté d’anarchisme, son ouvrage traité de « négation de l’esprit de révolution nationale » et son illustrateur incarne à la fois l’art dégénéré et l’impureté raciale… »

http://www.wifredolam.net/index.php?option=com_content&view=article&id=9&Itemid=6

http://agoras.typepad.fr/regard_eloigne/wifredo-lam/

Aimé Césaire, Lam, Picasso – « Nous nous sommes trouvés »
Grand Palais, Galeries nationales
16 mars 2011 – 6 juin 2011

http://www.rmn.fr/francais/les-musees-et-leurs-expositions/grand-palais-galeries-nationales-9/expositions/aime-cesaire-lam-picasso

Déroute de la “pensée du nombre”

2011-04-18T10:16:00.000-07:00

« En dépit des dégâts économiques - douloureux - que cette crise financière provoquera, il est probable qu’elle aura pour effet de nettoyer les esprits, de les «désenvoûter» pourrait-on dire. Voilà des décennies que, à notre corps défendant, nous sommes prisonniers d’une vision quasiment comptable du monde, de la vie quotidienne, des priorités humaines. Nous allons peu à peu réapprendre ces évidences. On pense à cette réflexion teintée d’ironie que faisait le philosophe Cornélius Castoriadis (disparu en 1997) : «Après tout, les hommes ne sont pas venus sur terre pour faire de l’économie.» Nous avons oublié qu’il existe, après tout, une autre acception de ce mot. Les «valeurs» sont d’abord affaires humaines. La gratuité est une valeur, la loyauté aussi ; le don – je pense notamment aux analyses produites depuis plus de vingt ans par les animateurs du Mauss (Mouvement anti-utilitariste des sciences sociales) – est un mode d’échange et la frugalité bien comprise un choix de vie qui fait passer l’être avant l’avoir. Or, voilà belle lurette, en effet, que tous les modes de raisonnement qui procèdent de l’économie ont supplanté les autres. Le «combien» passe avant le «comment». Ce qui se compte devient plus important que «ce qui compte». L’urgence (prétendue) prend toujours le pas sur l’essentiel. En prenant du recul, nous allons mieux mesurer, rétrospectivement, cette incroyable hégémonie du quantifiable. Sans en être toujours conscients, nous sommes encore intoxiqués par ce qu’on pourrait appeler la «pensée du nombre». Tirage d’un livre, taux d’écoute d’une émission, performances d’un lycée, rentabilité d’un hôpital, taux de croissance, rendement d’une action : on pourrait multiplier ces exemples à l’infini. Or, bien au-delà de la finance elle-même, c’est à une déroute ontologique de cette pensée exclusivement calculatrice - et utilitariste - que nous assistons. Déroute du court terme obsessionnel sur le long terme, faillite de l’immédiateté spéculative sur le «projet». La crise remet doucement, lentement, les pendules à l’heure. Elle nous réapprend que la temporalité des sociétés humaines n’est ni celle de la Bourse ni celle des ordinateurs, de même que la logique d’une vérité journalistique n’est pas celle du scoop. Rappeler tout cela, ce n’est pas verser dans un moralisme benêt. C’est en revenir aux ingrédients symboliques qui permettent tout simplement à une société humaine d’exister. Et de durer. […] » JEAN-CLAUDE GUILLEBAUD Ecrivain, essayiste, éditorialiste au Nouvel Observateur. Dernier ouvrage paru : La Vie vivante, contre les nouveaux pudibonds, éditions les Arènes, 2011. http://www.liberation.fr/tribune/01012330001-deroute-de-la-pensee-du-nombre

S'éloigner du bruit pour entendre

2011-04-07T06:28:00.000-07:00

S'éloigner du bruit pour entendre
Un projet en résonances...
Martina Kramer et Sylvie Pic, exposition
Catherine Vernerie, création graphique
Patrick Dubost, poésie sonore
du 16-04-11 au 04-06-11
Atelier d'Art Fernand Bourgeois
14, place du Postel F -
84400 Apt en Provence
Capter les signaux, la matière et les vibrations. Cette exposition met en avant la rencontre entre différentes langues : celle de l'installation et du dessin, celle du corps, celle de la poésie et celle de la science.

Vendredi 13 mai : lecture de Patrick Dubost à 18h Plus d'infos : 04 90 04 37 14

Camille Nicolle, Prix du Jury de la FID

2011-04-04T08:39:00.000-07:00

Camille Nicolle remporte le Prix du Jury de la FID Art Media Agency (AMA). "Cette année pour sa troisième édition la foire internationale du dessin (FID) a récompensé la bruxelloise Camille Nicolle en lui décernant le Prix du Jury qui consiste dans l’opportunité d’une exposition personnelle à la galerie Catherine Putman (40 rue Quincampoix, 75004 Paris). La foire a lieu à la Cité Internationale des Arts réunissant 100 étudiants provenant de 14 pays européens et de 40 écoles différentes enseignant les beaux-arts. Parmi elles l’École nationale supérieure des beaux arts de Paris et la Central Saint Martins – Byam Shaw University of the Arts de Londres. Camille Nicolle à 25 ans est étudiante à l’Académie royale des Beaux-arts de Bruxelles en 5ème année de l’option “illustration”. Keke Vilabelda, étudiante à la Central St Martins, remporte la mention spéciale du jury." http://www.artmediaagency.com/6648/camille-nicolle-remporte-le-prix-du-jury-de-la-fid/

Le génie de l'Orient

2011-03-31T00:05:00.000-07:00

Le génie de l'Orient, l’Europe moderne et les arts de l’Islam Musée des Beaux-Arts de Lyon 20 place des Terreaux F-69001 Lyon 2 avril - 4 juillet 2011 "Au cours du XIXe siècle, l’Europe découvre un nouvel univers visuel, celui des arts de l’Islam. Le marché de l’art et les collections privées contribuent à forger un nouveau regard et un nouveau savoir à travers : les voyages et les expéditions, le développement de la photographie, les publications, les expositions. À l’occasion de voyages, nombre de collectionneurs constituent des ensembles d’œuvres souvent spectaculaires qui témoignent de l’émerveillement de l’occident pour l’orient. L’exposition suggère que nous demeurons aujourd’hui les héritiers de ces nouveaux codes visuels. La découverte des arts de l’Islam donne naissance à deux révélations : - l’une, diffusée surtout par la peinture, s’inspire des décors des palais et harems pour une vision fantasmée de la fable orientaliste ; - l’autre est portée par les théoriciens de l’ornement et certains artistes d’avant-garde. Ils recherchent dans l’art de l’islam une nouvelle esthétique qui pourrait transformer les codes de représentation occidentale. Tapis et tissus, céramiques, métaux, marqueteries de bois ou encore d’ivoire introduisent un nouveau répertoire de formes, de motifs et de techniques. L’exposition illustre ces deux visions à travers différents parcours individuels ou collectifs. Pionniers, voyageurs, photographes ou collectionneurs sont fascinés par l’originalité de cette nouvelle culture visuelle alors même que l’histoire de la représentation est en crise. Le parcours s’achève avec l’évocation d’un moment d’espoir utopique : celui où des artistes, comme Henri Matisse ou Paul Klee, ont rêvé, peu avant la Première Guerre mondiale, d’une fusion entre regard « occidental » et regard « oriental »." Commissariat de l'exposition Salima Hellal, conservateur du patrimoine, chargée des collections d'objets d'art, musée des Beaux-Arts de Lyon, Rémi Labrusse, professeur d'histoire de l'art contemporain à l'Université de Paris X Nanterre. http://www.mba-lyon.fr/mba/sections/fr/expositions-musee/expo-lyon/genie-orient

PA/PER VIEW au Wiels

2011-03-31T00:03:00.000-07:00

A l'occasion du week-end d'art contemporain le plus intense en Belgique, PA/PER VIEW rassemble au Wiels 33 des éditeurs les plus influents d'Europe. Laissez vos laptops à la maison et venez feuilleter les plus fins ouvrages de ces magiciens du texte et de l'image imprimée. Avec : A Prior (BE)Afterall (UK)Archive Books (IT)Argobooks (DE)Bartleby & Co (BE)Book Works (UK)Bywater Bros. Editions (CA)Culturgest (PT)Daviet-Thery (FR)Fillip (CA)Florence Loewy (FR)Gagarin (BE) Galleria Franco Noero (IT)Gevaert Editions (BE) Kodoji Press (CH)Lubok Verlag (DE)Marcus Campbell Art Books (UK)Mer-Paper Kunsthalle (BE)MFC-Michèle Didier (BE)Mousse Magazine (IT)Onestar (FR)Onomatopée (NL)Piktogram (PL)Ridinghouse (UK)Roma Publications (NL)Rosascape (FR)Spector Books (DE)The Green Box (DE)Three Stars Books (FR) Torpedo Press (NO)Witte de With Publishers (NL)Zavod P.A.R.A.S.I.T.E (SI)&... More From Motto (CH/DE) + Jeudi 22 avril 16-18h, discussion publique The Artist Book as Exhibition avec Jonathan Monk, Joost Smiers, Seth Siegelaub, Daniel McClean et Luc Derycke http://www.wiels.org/site2/event.php?event_id=178

Géométrie de l'absence à la librairie Quartiers Latins

2011-03-30T02:05:00.000-07:00

Géométrie de l'absence

Dans le cadre de “Drawing in an Expanded Field” 300 ans d’existence de l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles-EsA et 30 ans de l’atelier de dessin

exposition des étudiants de l’option “dessin” de l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles à la librairie Quartiers Latins

14 place des Martyrs

1000 Bruxelles

Exposition ouverte jusqu’au 30 avril 2011

du mardi au samedi

de 10 h à 18 h.

http://www.cfc-editions.be/cfc/fr/11112-expositions.html

Marie Habert, “L’in-pace”, p. 42

Jessica Duquesne, “L’espace fermé – Un”, pp. 32-33

Leo Steinberg (1920-2011)

2011-03-29T10:58:00.000-07:00

L’on apprend la mort de Leo Steinberg.

« […] avec l'idée du "flatbed" ('lit à plat") contenue dans l'un des articles (“The flatbed picture plane”) de ce livre fondamental : Other Criteria (1972) […] Steinberg analyse la nouvelle horizontalité comme plan pictural où des "choses", qu'il s'agisse de peinture avec Pollock mais surtout d'empreintes, d'objets... avec Rauschenberg et Dubuffet, vont constituer le tableau en un plan opaque, contraire à la simulation d'un champ de formes vertical. Steinberg retourne, en quelque sorte, le tableau en table tout en avertissant qu'il parle surtout d'“images psychiques” – mais il augure également d'un “changement radical de sujet”, une rupture avec l'art depuis la Renaissance, qui passe selon lui de la nature à la culture […] Ce qui est intéressant avec Steinberg, un critique à part, c'est précisément cette position marginale qu'il a occupée par rapport au dogme Greenbergien (qui lui valut d'être ultérieurement publié par October) mais également par rapport au formalisme de l'histoire de l'art. Il est passé du contemporain à la Renaissance (dernières œuvres de Michel Ange, Borromini, Lippi...) au “retour de Rodin” (chez Macula), repassant par ce morceau de bravoure qu'est La sexualité du Christ dans l'art de la Renaissance et son refoulement moderne (Gallimard) […] Steinberg a beaucoup écrit sur Picasso (et la sexualité), sur Jasper Johns, mais on retiendra aussi ce texte mémorable : Contemporary art in plight of its public, qui concerne le risque dans l'art contemporain et l'angoisse nécessaire qu'il provoque sur le public... »

Elisabeth Lebovici

http://le-beau-vice.blogspot.com/2011/03/leo-steinberg-1920-2011-la-critique-et.html

Leo Steinberg, Other CriteriaI, University Of Chicago Press.

“Leo Steinberg’s classic Other Criteria comprises eighteen essays on topics ranging from “Contemporary Art and the Plight of Its Public” and the “flatbed picture plane” to reflections on Picasso, Rauschenberg, Rodin, de Kooning, Pollock, Guston, and Jasper Johns. The latter, which Francine du Plessix Gray called “a tour de force of critical method,” is widely regarded as the most eye-opening analysis of the Johns’s work ever written.”

Leo Steinberg, Le retour de Rodin, éditions Macula.

« Avec Steinberg, le retour que Rodin effectue dans le giron de la modernité est définitif. Oubliez les marbres, commence-t-il par dire : la plupart ne sont même pas de la main du sculpteur mais taillés par des artisans à sa solde, certains même sont posthumes. Laissez de côté la production sentimentale de Rodin entrepreneur, la partie visible et commerciale de l’iceberg, et regardez le sculpteur au travail. Fragmentation et multiplication, combinaison et inversion, distorsion et déplacement : Rodin est un structuraliste avant la lettre, décomposant et recomposant les membra disjecta du corps humain comme autant d’éléments propres au langage de la sculpture. De ce que l’on considérait jusqu’alors comme le point terminal et grandiose de l’histoire de la sculpture du dix-neuvième siècle, Steinberg fait ce qui ouvre celle de notre temps : Rodin redevient notre contemporain. »

Leo Steinberg, La Sexualité du Christ dans l'art de la Renaissance et son refoulement moderne, édition Gallimard.

« La Sexualité du Christ dans l'art de la Renaissance et son refoulement moderne fait désormais partie des grands textes de l'histoire de l'art. Leo Steinberg, à travers une écriture lumineuse d'intelligence, démontre lentement que cette "sexualisation" du Christ participe surtout d'une nouvelle réflexion sur le thème de l'incarnation. En élaborant des images impudiques (sexe proéminent, attouchement divers, gestes ambigus), les artistes s'attachent à démontrer que Dieu s'est bien fait homme. Il en a épousé à la fois toutes les contraintes mais aussi tous les attributs. Non dénué d'humour, ce livre essentiel multiplie les exemples qui nous dévoilent un versant inédit de la culture de la Renaissance. »

François Morellet

2011-03-28T09:40:00.000-07:00

François Morellet
Galerie Aline Vidal
70 rue Bonaparte
75006 Paris
19 mars-30 avril 2011
« Dans la série des calques, le papier subit un pliage détournant ainsi la trajectoire logique d'une courbe ou d'une ligne. Une forme en gestation, en devenir, en trois dimensions se dessine d'elle-même. L'artiste utilise également des feuilles de papier quadrillé souvent destinées au travail d'architecte.
Morellet, 77137 "Pliage en diagonale d'une médiane sur un calque 1 x 2", 1977, calque et encre, 68 x 136 cm avant pliage, noir sur blanc.

La pratique du dessin convoque alors un questionnement sur le support, où s'opère un système géométrique complexe à travers l'utilisation de la trame. Cette pratique est visible dans Etude, trames superposées datant de 1959 par exemple, la trame s'élabore aussi par l'utilisation de tirets dans l'œuvre Tirets 1cm dont l'espacement augmente à chaque rangée de 1 cm de 1975.
François Morellet, Sin titulo, Edición: 90, Grabado - Aguafuerte sobre papel, Medidas: 33 x 29 cm.

François Morellet a notamment recours dans ses dessins, à diverses techniques comme en témoigne le collage intitulé Cercle fragmenté de 1977. Si le langage plastique de François Morellet est issu de formes simples et pures, il peut aussi faire appel à l'idée de fragmentation dans la série des Défigurations. Parmi ses derniers dessins, seront présentées plusieurs études préparatoires de 2009 pour la commande de l'escalier Lefuel du Louvre. » http://www.alinevidal.com/Francois-Morellet-dans-ses-petits.html

“Drawing in an Expanded Field”

2011-03-28T00:50:00.000-07:00

Dernière semaine de l’exposition

“Drawing in an Expanded Field”

30 / 300

300 ans d’existence de l’Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles - EsA

et 30 ans de l’atelier de dessin

à De Markten

5 Vieux Marché aux Grains,

1000 Brussels

jusqu'au 3 avril 2011.

Amélie de Beauffort, Ets. Didier Decoux

Charles de Lantsheere, Benoît Félix

Esther de Patoul

Helena Almeida

2011-03-25T06:13:00.000-07:00

Helena Almeida Travaux récents
Exposition du 18 mars au 7 mai 2011
Galerie Filles du Calvaire
17 rue des Filles-du-Calvaire,
75003 Paris

« Elle fête cette année le 50e anniversaire de sa première exposition collective. Et depuis un demi-siècle, avec une constance rare et qui se préoccupe peu des modes, Helena Almeida (née en 1934) mène une recherche sur la représentation dont elle est le modèle à peu près unique. Utilisant la photographie, des miroirs ou des vitres, qu’elle peut recouvrir de peinture, des draps qu’elle plisse et sur lesquels elle s’allonge, des fils dont elle se coud la bouche ou avec lesquels elle s’attache à son mari (son dernier travail), elle pose au fond la question de la communication, du dialogue, de la place de chacun de nous dans l’espace. Cette petite entreprise “familiale” (c’est son mari qui la photographie systématiquement), minimaliste, qui entretient l’idéal de la “performance”, a quelque chose d’épuré, d’essentiel, de lent, qui tranche avec la frénésie de l’art contemporain, de plus en plus tributaire des notions de marché et de productivité… »
«Depuis près de quarante ans, Helena Almeida a développé un corpus d'œuvres qui a trouvé sa source dans l'exploration des limites de la peinture, transformant des concepts et des expériences en images. Elle a associé l'image photographique au tracé du dessin et à l'empreinte de la peinture dans des compositions explorant l'espace et attirant l'attention sur la surface de l'œuvre.
Au delà des lectures poétiques et métaphoriques que ces travaux peuvent inspirer, ils sont (comme Helena en a créé beaucoup dans le passé) des tentatives d'atténuation des limites des médiums, telles celles de la photographie, la performance et la sculpture. Ces corps deviennent simultanément forme sculpturale et espace, objets et sujet, le signifiant et le signifié. Le travail d'Helena Almeida, et dans cette série en particulier, est un condensé, un acte soigneusement scénographié et hautement poétique ».
Filipa Oliveira

Pierre de Cortone et Ciro Ferri

2011-03-25T02:25:00.000-07:00

Pierre de Cortone et Ciro Ferri
exposition aux Arts Graphiques du Louvre
du 3 mars au 6 juin 2011

Pietro da Cortona, Tête de femme, de profil vers la droite, 1652, papier beige, pierre noire, rehauts de blanc, 16 cm x 18,1 cm, Paris, musée du Louvre.

« Pietro da Cortona (1597-1669) compose avec Bernini et Borromini la triade des grands maîtres du baroque romain. Au service de trois papes successifs, Urbain VIII, Innocent X et Alexandre VII, il a profondément transformé l’art de peindre dans la Ville éternelle, enrichissant la leçon d’Annibale Carracci par ses recherches sur l’illusionnisme, l’unification de l’espace figuré et la lumière vénitienne. Nus sensuels à la sanguine, drapés irradiants à la pierre noire, recherches de composition à la plume : il a fait du dessin un instrument privilégié de son invention, laquelle s’est démultipliée grâce aux variations de Ciro Ferri, l'un de ses élèves les plus doués, et diffusée en Europe grâce aux gravures. Aussi est-il l’un des principaux acteurs de ce bouillonnement artistique de la Rome du XVIIe siècle, dont les effets se font sentir aussi bien à Florence qu’à Paris, et plus encore à Versailles. »

Ferri Ciro (1634-1689), Distributions des cierges bénits ou Procession des saints Clous, encre brune, lavis gris, pierre noire, plume (dessin), rehauts de blanc, 28,4 cm x 22,9 cm, Paris, musée du Louvre.

« Ce que les dessins des maîtres disent, caché dans leur peinture.
Dans une préface aussi savante qu’éclairante, Bénédicte Gady nous rappelle que Cortone, en principe formé par Andrea Commodi et Baccio Ciarpi, avait en fait un maître choisi, appartenant à une génération qui l’avait précédé : Lodovico Cigoli (1559-1613). [Cigoli et Cortone ont] atténué le pouvoir de suggestion charnelle exprimé à l’état pur par leurs dessins. Le dessin, chez Cigoli et Cortone, fait apparaître une sensualité qui n’est plus perceptible avec la même intensité dans leur peinture. […] Cortone démontre encore qu’il est un dessinateur de génie […] Comme pour la sensualité dans le torse de sainte Bibiane, cette maîtrise sera largement effacée dans la peinture. Voilà pourquoi les dessins des maîtres en général, et ceux de Pierre de Cortone en particulier, ont souvent des choses à nous dire, que leur peinture est obligée de nous cacher. »
Jean-Luc Chalumeau

DRAWING NOW

2011-03-24T07:30:00.001-07:00

DRAWING NOW PARIS LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN 5e édition au Carrousel du Louvre du 25 au 28 mars 2011 est la première foire européenne d'art contemporain exclusivement dédiée au dessin contemporain. Pour sa 5e édition, le salon rassemble 83 galeries européennes. http://www.drawingnowparis.com/ Le Salon du dessin PARIS Le Salon du dessin se tient à la Bourse du 30 mars au 4 avril 2011. 39 exposants http://www.salondudessin.com/ CHIC Dessin 2011 du 01 avril au 03 avril 2011 Atelier Richelieu 60, rue de Richelieu, 75002 Paris http://www.chic-today.com/

L' "œuvre au noir" de Parmesan

2011-03-24T07:22:00.000-07:00

L' "œuvre au noir" de Parmesan : dessins et gravures en clair-obscur

du 21 février au 8 mai 2011
Ecole nationale supérieure des beaux-arts
14 rue Bonaparte,
75006 Paris

Le Parmesan (1503-1540), Saint Christophe, plume, encre noire, lavis d'encre de Chine sur papier préparé rose, 20,7 x 14,7 cm

“Après l’exposition consacrée aux dessins maniéristes florentins en 2009, le cabinet de dessins de l’Ecole des beaux-arts présente en février 2011 un ensemble d’une trentaine d’œuvres de la Renaissance issues de l’école émilienne, dominée par Parmesan. Sont réunis une vingtaine de dessins et de chiaroscuri de l’École des beaux-arts, complétés par une dizaine de feuilles de la collection particulière genevoise du mécène Jean Bonna, qui finança en 2005 l’aménagement du cabinet de dessins.
À travers cette trentaine d’œuvres caractéristiques du Premier maniérisme italien sont évoquées les différentes époques de la fulgurante carrière de Girolamo Francesco Maria Mazzola, dit Le Parmesan, depuis sa jeunesse à Parme (1503-1524), suivie des séjours romain (1524-1527) et bolonais (1527-1530), jusqu’à la dernière période et le retour à Parme (1530-1540), brillamment illustrée par une étude préparatoire pour l’un de ses chefs-d’œuvre peints : La Madone au long cou, aujourd’hui conservée à la Galerie des Offices de Florence.
Cette exposition est l’occasion de découvrir les influences subies par l’artiste, fervent copiste de Corrège, mais aussi de Michel-Ange et plus encore de Raphaël et de préciser le rôle du dessin dans l’œuvre de l’artiste : préparatoire aux décors de fresques (Fontanellato), aux tableaux d’autel, à la gravure ou œuvre « de présentation », conçue pour elle-même.”

Carnet d'études n°19 - L'"oeuvre au noir" de Parmesan, dessins et gravures en clair-obscur
Editions ENSBA

Auteur : Françoise Viatte

Dessins de la Kunsthalle de Hambourg

2011-03-24T07:18:00.000-07:00

Maîtres des Pays-Bas 1500-1700, Dessins de la Kunsthalle de Hambourg

du 24 mars au 22 mai 2011
Institut Néerlandais
Fondation Custodia
Centre culturel des Pays-Bas
121, rue de Lille,
75007 Paris

Pieter Bruegel l’Ancien, L'Été, 1568, Kunsthalle, Hambourg, 22 x 28,6 cm

La Kunsthalle de Hambourg possède une collection renommée et extrêmement riche de dessins de l’école hollandaise et flamande. Cet ensemble qui ne comporte pas moins de 1380 feuilles a été, pour la première fois, entièrement répertorié et décrit au cours des dix dernières années. Le résultat de ce travail sera publié cet hiver dans un important ouvrage en trois volumes. A cette occasion l’Institut Néerlandais présente un choix de près de 100 dessins sélectionnés avant tout pour leur qualité artistique mais également représentatifs de la diversité des genres et des techniques présents dans cet ensemble, riche à la fois d’esquisses et de feuilles achevées avec beaucoup de soin. La Kunsthalle a donné carte blanche au directeur de la Fondation Custodia pour choisir ses plus beaux dessins, sans restriction aucune.
Sont représentés : Gerard David, Pieter Bruegel l’Ancien, Maarten van Heemskerck, Hendrick Goltzius, Jacques de Gheyn, Roelant Savery et David Vinckboons pour le XVIe siècle.
Pour le XVIIe siècle : Willem Buytewech, Hendrick Avercamp, Jacob van Ruisdael, Pieter Saenredam, Rembrandt (avec trois dessins magistraux), Adriaen et Isaac van Ostade parmi beaucoup d’autres.
Des artistes flamands du XVIIe siècle sont également présents : Antoon van Dyck, Jacob Jordaens, Jan Siberechts et Lucas van Uden.”

La FID 2011

2011-03-24T02:25:00.001-07:00

Foire Internationale du Dessin.
Du 31 mars au 3 avril 2011

à la Cité Internationale des Arts

18, rue de l'Hôtel de Ville

75004 Paris

Pierre Pozza, option dessin, Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles

La 3e édition de la Foire Internationale du Dessin FID 2011 a lieu à la Cité Internationale des Arts, 100 étudiants de 40 écoles de beaux arts représentent 14 pays d’Europe ouvrent au public leurs cartons à dessins : 10.000 drawings for the future.

http://fr.foireinternationaledudessin.com/

Portraits dessinés de la cour des Valois

2011-03-24T01:14:00.000-07:00

Les Clouet de Catherine de Médicis. Portraits dessinés de la cour des Valois
Au musée Condé – Château de Chantilly
du 23 mars au 27 juin 2011
François Clouet, François de Coligny, seigneur d’Andelot, vers 1555, Chantilly, Musée Condé.

“Le musée Condé conserve un fonds inestimable de 366 portraits dessinés du xvie siècle par Jean et François Clouet provenant de la collection de la reine Catherine de Médicis. Ces dessins ont été restaurés avec le soutien des Amis du musée Condé de 2001 à 2008 ; ils ont fait l’objet de la thèse de doctorat d’Alexandra Zvereva publiée en 2011 par l’association Arthéna.
L’exposition permet de découvrir 90 portraits dessinés par Jean et François Clouet, montrant les grands personnages de la cour de France sous François Ier, Henri II et ses fils. À l’origine de l’art du dessin, ces feuilles témoignent d’un goût réaliste pour le portrait de cour, dans la tradition flamande.”

Musée Condé
Château de Chantilly
F - 60500 Chantilly

Ludovic Duhem - Art et technologie - Séminaire

2011-03-24T00:36:00.000-07:00

Séminaire
Ludovic Duhem
"Art et technologie : une approche philosophique avec Gilbert Simondon"
à l’'ISELP
les lundis 9, 16, 23, 30 mai 2011 de 18 à 20h
45 € (30 € enseignants sur présentation d’une pièce justificative – 20 € étudiants effectifs et demandeurs d’emploi sur présentation d’une pièce justificative)
Le paiement d’une cotisation annuelle de 12,50 € est préalable à toute inscription aux cours et aux séminaires.

L’iselp - Institut Supérieur pour l’Etude du Langage Plastique
Boulevard de Waterloo, 31
B-1000 Bruxelles.
tél:+32 (0)2/ 504 80 70
iselp@iselp.be
http://www.iselp.be/index.php/Seminaires/

La Folie : artistes, créations et beauté insensée

2011-03-23T08:58:00.000-07:00

Festival de l’histoire de l’art
Fontainebleau
27-29 mai 2011

Odilon Redon, La fleur du marécage, une tête humaine et triste in Hommage à Goya, 6 lithographies.

http://festivaldelhistoiredelart.com/

http://festivaldelhistoiredelart.files.wordpress.com/2011/03/programme-folie-dc3a9finitf1803.pdf

Les différentes facettes de ce thème très riche présenteront la folie de l’artiste ou du collectionneur, l’iconographie de la folie, la folie de la création elle-même...
Le public du Festival pourra assister gratuitement à :
• des conférences (1h, 1 intervenant) autour de la folie, avec des personnalités de l’histoire de l’art, du monde littéraire et philosophique ou de la sphère médiatique, ainsi que des grands collectionneurs.
• des tables rondes d’experts (2h, 4 intervenants, 1 modérateur).
• des débats autour d’une œuvre (1h30, 3 intervenants) : une œuvre interprétée par trois regards différents (un historien de l’art, un écrivain, un philosophe, un psychanalyste, un journaliste, un artiste…). Ces ateliers originaux permettront au public de comprendre la diversité des approches et les différentes méthodes et techniques d’analyse des œuvres d’art.

Les lieux : Château de Fontainebleau et Ville de Fontainebleau : Foyer du Théâtre, Salle des fêtes du Théâtre, Salle des Elections.

Extraits du programme :
Vendredi 27, 10h-11h, Jackie Pigeaud, Mélancolie et création artistique
Vendredi 27, 11h-12h, Yves Hersant, Autour de l’Eloge de la Folie d’Erasme. Folie et déraison à la Renaissance
Samedi 28, 11h-12h, Jackie Pigeaud, Folie héroïque et tragique. La folie du héros antique
Samedi 28, 13h-14h, Chakè Matossian, Folie héroïque et tragique. Cy Twombly et la vengeance d’Achille
Samedi 28, 14h30-15h30, JackiePigeaud, Les limites de l’art brut. Lettre de Théroigne de Méricourt adressée à Danton en 1801
Dimanche 29, 10h-11h, Alexandre Vanautgaerden, Autour de l’Eloge de la Folie d’Erasme. Les autoportraits d’Erasme
Dimanche 29, 13h30-15h, Hans Belting,et Frédéric Elsig, La folie dans les Ecritures et leur illustration. Le Jardin des Délices de Jérôme Bosch
Dimanche 29, 17h-18h, Filippo Fimiani, Folie meurtrière. Tremblements de terre et catastrophes de l’âme, ou de l’artiste et de l’historien de l’art en sismographes. Le cas de Joseph Beuys et Terrae Motus

Odilon Redon, Prince du Rêve

2011-03-23T02:35:00.001-07:00

Odilon Redon, Prince du Rêve
Grand Palais, Galeries nationales
23 mars 2011 – 20 juin 2011
http://www.rmn.fr/francais/les-musees-et-leurs-expositions/grand-palais-galeries-nationales-9/expositions/odilon-redon

L’Araignée souriante, 1881, fusain, estompe, traces de gommage, grattage et fixatif sur papier velin chamois, Paris, Musée d’Orsay.
« Contemporain des impressionnistes (il participera en 1886 à la dernière exposition du groupe), Odilon Redon (Bordeaux 1840 – Paris 1916), l’un des principaux acteurs de l’art au tournant des XIXe et XXe siècles, a joué un rôle essentiel dans la genèse du symbolisme, notamment par ses fusains et ses lithographies (les célèbres Noirs) avant d’être admiré pour ses pastels et ses tableaux par les jeunes peintres de la couleur, Nabis et Fauves. Il sera ensuite considéré comme l’un des précurseurs du surréalisme.
L’exposition des Galeries nationales représente une véritable redécouverte de cet artiste. Cette rétrospective est la première organisée à Paris depuis celle de l’Orangerie en 1956. Elle repose sur l’étude de nombreux documents inédits qui permettent d’éclairer l’œuvre de Redon d’une lumière nouvelle et comporte quelque 170 peintures, pastels, fusains et dessins, dont plusieurs inédits, ainsi qu’un ensemble très important de l’œuvre gravé et lithographié (environ 100 estampes) ».

Dessin dans un champ élargi - Drawing in an expanded field

René Lew, dernière conférence 2012 à Bruxelles

Angel Enciso – 5 leçons publiques 2012

Sylvie Pic à Bruxelles

Colloque "De l’objectivité figurée aux figures du savoir"

Adrien Lucca

Journal for Artistic Research - Deadlines for JAR 2

Topology – Tate Modern

10/18, 1165, 1977, 313 p., L'aliénation artistique

George Whitman est décédé

Vincent Delpierre expose

Aurélie Gravelat à Paris

JAR 1 online NOW

écoutez Eliane Escoubas

The Drawing Theatre with Marega Palser

Aristide Bianchi à la Galerie Vertige

Exposition: 'Parler et mur'

Colloque. L’image peut-elle nier ?

Brian Mura à la Galerie du Tableau à Marseille

Femme, Eros et Philosophie

La saisie du modèle. Rodin 300 dessins 1890-1917

Colloque Lacan avec Hintikka

The Art Section

Etudes de nu

Dance/Draw

L’image pense

Daniel Oppenheim, L'enfant très malade approché dans ses dessins

Michel Guérin, Philosophie du geste

Livres d’artistes et nouvelles formes du livre

on Fred Sandback and Agnes Martin at Dia:Beacon and Dia:Chelsea

Jacques Thuillier

Velickovic – Dado

Jocelyn Benoist, conférence

François Cheng

Salon de la Revue 2011

L’art et la fonction symbolique

René Lew, 5 conférences

Maïakovski

Degas and the Ballet: Picturing Movement

Submit a paper for Drawing Out: 2012

Tableau: Painting Photo Object

Anschlüssel London/Berlin

Conférence de Bernard Marcadé

Inauguration du fonds Philippe Lacoue-Labarthe

Amélie de Beauffort expose

Léonard de Vinci, Le Codex Atlantique

Œil et camera obscura

Otto Wols, dessins

Picasso “installation”

Rodin, les dessins

Rodin, assemblage

Ingres collages

Pierre Tal-Coat

Exposition de fin d'année

Christine Ott Ausstellung

Journée d'études - L’invention de l’œuvre

Paul Noble

Le papier à l’œuvre

André Masson, Vingt-deux dessins sur le thème du désir

L’image pense.

Pink is the Most Manly Colour

Burroughs reste sulfureux

Arié Mandelbaum tout craché

Arié Mandelbaum

Judith Duchêne, Céline Bourseaux, Jessica Duquesne, Francis Gaube

Michel Guérin à la libraire Tropismes

Colloque. Survivance d'Aby Warburg

Victor Segalen et l'exotisme

Claude le Lorrain. Le dessinateur face à la nature

Claude le Lorrain. Le dessinateur face à la nature

Musée du Louvre

Expositionsdu 21 avril au 18 juillet

Cette exposition, qui rassemble les plus beaux dessins de l’artiste dans les collections du musée du Louvre et du musée Teyler de Haarlem avec un choix de peintures et gravures, veut examiner la place qui revient au dessin dans l’art du grand peintre qu’est le Lorrain.

Salon International de l'Estampe et du Dessin

Hélène Moreau

Jacques Lennep ou… “l’art de rien”

PEEK

Réception dans les arts visuels aux Etats-Unis entre 1965 et 1995

ART on PAPER

Géométrie de l'absence à la librairie Quartiers Latins

Expositions
du 21 avril au 18 juillet